Dos jóvenes dramaturgos de suburbio reciben su primer gran encargo: estrenar un espectáculo en el Centro Dramático Nacional de Boris Kaczynski. El único requisito que el magnate les impone es el de escribir una obra sobre un atraco a un banco. Convencidos de haber encontrado un buen argumento, los autores dedican todos sus esfuerzos a escribir una buena función, pero hay algo en la pieza que les resulta postizo. Todo cambia cuando deciden mandarle el texto a Maria Kapravof, la estandarte de un novedoso movimiento artístico llamado (re)productivismo, que fascinada por la historia que han escrito, les anima a representarla siguiendo sus preceptos, olvidándose del escenario del Kaczynski Theatre y llevando la función a otro terreno.
Atraco, paliza y muerte en Aagbanäspach , es el título de esta historia que ya lo tuvo la primera versión. Sus autores, Nao Albet y Marcel Borrás confiesan que les costó mucho encontrarlo y que es crucial. Al final del espectáculo el espectador entenderá por qué. Tiene cierto peso, habla de las formas, de lo que aparentemente es una cosa y luego es otra. La obra nació hace 7 años y se estrenó en el Teatr Nacional de Catalunya. Nao y Marcel vieron que la idea podía progresar y decidieron darle una segunda vuelta de turca.
UNA FIESTA DEL TEATRO Alfredo Sanzol, director artístico del Centro Dramático Nacional, acogió esa posibilidad dentro de la programación del Centro Dramático Nacional. Según Alfredo Es una función que pone en cuestión muchos temas que damos por supuesto, acerca de cuál es la relación entre poder y cultura: qué significa la cultura en el momento actual dentro de nuestra sociedad; qué significan las formas teatrales y cómo se organiza todo esto. Es un trabajo hecho desde un análisis profundo, bastante certero y hecho con mucha parodia, sátira y sentido del humor. Es una mezcla de géneros y tiene una potencia artística y de efectos en el escenario. Es casi una fiesta del teatro por todo lo que se desarrolla en el escenario. En medio de esa bina Nao / Marcel Borrás, se encuentra Irene Escolar que Alfredo la considera ya metida en esta banda, porque llevan ya varios proyectos juntos, y forma parte de esta propuesta. UNA VUELTA MÁS DE TORCA
Nao Albet recuerda que Al ver que, tras el primer espectáculo, la idea podía dar más de sí, ahora lo vemos desde otra perspectiva, quizá más madura, pero, aún así, sigue pasando un poco la dicotomía que planeamos en el espectáculo. Nos vemos en esta dicotomía, y, al final, que no podemos desvelar cuál sería nuestra conclusión, pero sí que estamos abiertos a todo. Por eso en Atraco, paliza y muerte en Aagbanäspach, se puede ver multiplicidad de formas y de géneros, porque es donde nosotros estamos a gusto. Pensamos que era superinteresante recuperar esta temática para dar una vuelta más. El tema va sobre lo nuevo y lo viejo; lo clásico y lo contemporáneo; lo que nace y lo que muere. Esa «careya» (árbol de hoja caduca) famosa, ya renacentista, que en todas las formas artísticas aparece, y nosotros, como artistas, como creadores, a veces, nos vemos con quién nos queremos ver representados, a quién queremos seguir, cuáles son nuestros referentes, y a la hora de crear quién queremos ser. Muchas veces los periodistas o el público, nos quieren encasillar, y la obra es un homenaje al proceso creativo, y también al mundo del teatro. UN TEXTO NECESITADO DE MUCHOS
Marcel Borràs añade que también había una voluntad más formal de retomarlo. Cuando estrenamos (2013) en el Teatro Nacional de Catalunya, vimos que requería de muchos medios técnicos y artísticos. Una obra muy compleja. Una de las primeras cosas que le dijimos a Alfredo era esa voluntad de proponer un espectáculo en una sala grande, con un despliegue de medios que normalmente ocurre en espectáculos de directores que ya tienen una trayectoria mucho más avanzada o cuando te vas al sector de un teatro para todos los públicos que piensa más en aspecto de captación. Alfredo está en esa línea de que el teatro público, también dé capacidad a autores jóvenes, que estamos empezando o llevamos poco tiempo en esto, para poder experimentar con todas las herramientas que un teatro tiene. MUCHA GENTE TRABAJANDO TRAS EL ESCENARIO En este caso detrás del escenario hay mucha gente trabajando: 4 maquinistas, 4 eléctricos, 2 de sonido, cuatro maquilladoras,…
Somos como 30 personas detrás, aparte del elenco. Ha sido una especie de declaración de intenciones por parte del teatro, como voluntad de generar un espectáculo grande, desde una voz que, quizás, no es la más comercial o taquillera, aunque el espectáculo tiene la voluntad de ser un «show», pues está concebido desde el entretenimiento, del placer, aunque tiene también esa otra capa de contenido que también para nosotros es muy importante. Marcel subraya que esta formalidad no es hueca. Como ya ha apuntado Nao, para mí, la obra es un ejercicio que, desde lo formal, intenta experimentar en lo grande con un despliegue de medios apabullante, y en lo conceptual ser personales y no perder nuestra voz si es que la tenemos. DE MAMMÓN A ATRACO El espectáculo anterior fue Mammón (CLICK) reestrenado en los Teatros del Canal (Sala Verde) en el 2020. A él se refiere Nao: Éste vuelve a ser otra vez un espectáculo que, de alguna forma, más indirectamente habla de nosotros mismos. En este caso con unos alter egos. No somos Nao y Marcel, sino dos chavales que llegan a la gran capital y un director de un teatro muy importante les da la oportunidad de estrenar una gran función. Entonces hay todo el rato este paralelismo, porque, en el fondo, hablamos de nuestros miedos, nuestros conflictos y de nuestras propias experiencias. NUESTRO PLACER PRIMIGENIO Alfredo resalta que al ser ellos los que dirigen y actúan, es verdaderamente espectacular verlos en los ensayos dirigiendo y actuando. Es un espectáculo añadido. Están entrando y saliendo todo el rato. Nao concreta que somos capaces de estar haciendo una escena enfrentados y luego te retiras, con lo cual el actor mira al vacío, e inmediatamente vuelves a entrar en la acción de antes. El actuar y dirigir, incluso en espectáculos grandes como éste, viene desde que empezaron a crear sus obras de teatro, según Marcel. Empezamos siendo actores y aún lo somos, pues trabajamos para otros directoras y directores. Entonces, nuestro placer primigenio es el de la actuación. Nuestras primeras obras las hicimos para hacer personajes que nadie nos iba a dar. Con 15 años escribíamos personajes de gangster, personajes de locos,…Eso sigue ahí. Nuestro teatro nace de la voluntad del jugar, que siempre se espera de un actor en escena. Como nace de ahí, aún no ha nacido un espectáculo donde encontremos la necesidad de apartarnos de ese juego. Toda la trama gira en torno de poder estar en escena, y los años nos ha dado una complicidad entre los dos que nos permite sentirnos muy libres el uno con el otro. De ahí que todo el ensayo sea saliendo y entrando en la escena, pero confiamos mucho el uno en el otro y sabemos que cuando la hagamos (representemos) seguramente las primeras veces será fallido en muchos aspectos técnicos, pero la conexión y el juego están ahí. A este juego de actuar y dirigir se suma lo que Marcel denomina «el placer de la escritura« al principio escribir era secundario. No le dábamos tanta importancia a la trama, y ahora sí. Con los años ha cogido peso. A la hora de ponerlo en escena es importante la dirección para colocar los diversos elementos. Creo que la palabra «juego» es central. Lo era en Mammón (CLICK) y lo es en este espectáculo. LENGUAJE MULTIDISCIPLINAR El Teatro de Nao y Marcel juega con una mezcla de géneros, incluido el musical. En esta ocasión, sin ser un musical al uso, hay música y canto en directo, así como también baile. Es multidisciplinar. Hay video también, pero nos han faltado marionetas. En eso nos hemos quedado cortos – aclara Nao. Hay toda una parte de contenido que es autoreferencial, casi autoficcional que reflexiona sobre el Arte y los artistas.También hay algo generacional. A nivel formal se puede hablar del «thriller», del cinema verité; hay personajes lumpen; hay una realidad que apela a un género dramático realista; hay farsa con personajes locos que aparecen para soltar sólo una burrada. Hay un género de cuento porque, al final, toda la historia podría ser un cuento con su moraleja. A pesar de esa mezcla de géneros Nao precisa que no obstante tiene una estructura narrativa bastante convencional que en un momento rompemos y podemos salir por algo que no te esperas. Hay también algo de fiesta. Por parte nuestra es un homenaje al teatro y por parte del espectador en cuanto que viene al teatro y sale con un subidón que ¡Guauu! Según Irene Escolar, Mammón y Atraco son dos piezas muy diferentes pero igual de expresivas y se sale con la misma adrenalina. IRENE ESCOLAR A la bina de actores Nao Albet/Marcel Borràs se une un reparto formado por Carlos Blanco, Irene Escolar, Alina Furman, Eva Llorach, Francesca Piñón y Vito Sanz. Irene Escolar ya participó en Mammón, pero no deja de ser una incógnita para el espectador, una vez que la hemos visto en otros montajes de corte distinto.
Una de las cosas que más me gusta y el por qué quiero estar con ellos, es por esta capacidad de juego y esta capacidad de imaginación y explosión creativa. Igual que escriben personajes para ellos mismos que nunca les iban a dar, también escriben personajes para actores que, «a priori», nunca te iban a dar: una china, un mammón que hace partidas de poker, o aquí esta rusa «performer» medio perturbada. Son personajes muy poco habituales y colocados en un universo que no tendrían mucha cabida en el realismo. Nosotros intentamos prever el terreno – precisa Nao – para que estos personajes no te salten y puedan existir. En nuestras obras nos movemos mucho en las que se pueda distinguir entre lo que es realidad y lo que es ficción – añade Marcel. A veces hemos hecho espectáculos con gente que no son actores profesionales, y los hemos puesto todos juntos para aprender de sus historias y que nos las contaran, y otras veces creamos personajes muy construidos y con mucha máscara para que los actores puedan jugar a eso. En el caso de Irene, su personaje, dentro de todo el espectáculo, representa lo nuevo que decía Nao, o lo contemporáneo. Es una artista que llega para darle sus consejos a los chicos en el proceso de creación de una obra para un Teatro muy importante. Les cuenta cómo es su Teatro y cómo haría la función, y ellos flipan con ella. Al crear el personaje de Irene se lo plantearon, como en otras ocasiones, buscando gente de verdad. Una «perfomer» de verdad que se moviera en esos ámbitos artísticos. Como el espectáculo habla mucho de las máscaras, de cómo interpretar el personaje, tenía más sentido que el personaje que es más puro y verdadero, entre comillas, y no se pone máscaras sino que interpela al público de forma directa como los performance en los que la máscara del personaje desaparece y el artista se muestra tal cual es, nos pareció que, justamente, ese personaje, lo interpretase una actriz – Irene Escolar – hablando en ruso con una fisicalidad diferente a la suya, o sea poniéndose la máscara más grande de todos los otros que estamos en escena. Funciona en el espectáculo ponernos máscaras. Al margen de estas reflexiones sobre el personaje de Irene, se añadía el que se conocían desde hace años, amén de su intervención en Mammón (CLICK). Por otro lado tenemos gustos similares a nivel teatral y era que el lenguaje está muy cercano entre los tres. IRENE, UN RUSA
El personaje de Irene habla en ruso, aunque se le ofreció el utilizar el idioma que quisiera, pero eligió el ruso Yo venía de hacer una serie en la que tuve que aprender ruso y alemán. El ruso me gustó mucho y lo pasé muy bien. Tuve una maestra maravillosa. Ha sido difícil porque es como aprenderte una partitura de sonido y que cada palabra que digo en ruso tuviera significado. Ha sido un trabajo largo y… Pensaba que sabías ruso – interrumpe Alfredo Sanzol – pues lo hablas perfecto. hablo también en inglés con acento ruso, y Nao y Marcel en castellano. Entonces para mi cerebro lo más complicado es que ahora hablo en ruso, ahora en inglés con acento ruso y piensas «¿cómo empezaba eso…?, pero es muy estimulante y muy divertido. Era fundamental para nosotros en el sentido de lo que hablábamos de colocar una máscara lo más posible. El lenguaje nos debía alejar del personaje para que hubiera una frontera con nuestros dos personajes (Nao y Marcel). El juego es que ella habla en ruso y nosotros como no queríamos aprender ruso…. Para que se entienda el tema de los códigos que usamos: podemos hacer un poco lo que nos dé la gana. Irene cuando habla lleva sobretítulos para que el público la entienda, y nosotros dos los leemos para entenderla y luego le respondemos. Irene aclara que en el teatro anglosajón, los actores están habituados a hablar con acentos, algo que no se hace en España El inglés te permite una musicalidad que te da como otra máscara, de cómo colocar la voz. En este caso el idioma me da ya la mitad del trabajo como actriz. Te aleja muchísimo de ti y te permite jugar en un sitio muy desconocido. 50 PERSONAJES A RITMO DE RELOJ De los 8 actores, cinco se desdoblan en unos 50 personajes. Solamente Irene Escolar, Nao y Marcel tienen su propio personaje. Estamos muy contentos del elenco que tenemos. Dos de las actrices ya estuvieron en el montaje original en Barcelona. Ya conocían nuestro juego y al «casting» ya venía preparadas, y al resto les pedimos que no se extrañen si hasta momentos antes de estrenar entramos y salimos todo el rato, y que no se estresen mucho si ven constantemente anotaciones contradictorias: No dice«esto hazlo de pie», y yo voy y digo«hazlo sentado». Luego les decimos que en vez de cuestionarse si me han dicho esto o lo otro, «que sumen»e intenten hacer las dos cosas para ver qué pasa con esa locura. A través de los ensayos han entendido el juego, y la verdad es que hacen todos un trabajo brutal, no sólo actoral, sino de memorizar la cantidad de personajes que hacen. De los 50 personajes cada uno de ellos tienen 6 ó 7 personajes con cambio de vestuario superrápido entre cajas. Por eso es importante el servicio técnico que hay detrás. Es como una gran pieza de relojería. Si se pudiera ver lo que pasa detrás, es bastante gracioso. Es como La Cubana, pero en «thriller». LOS ATRACOS, GERMEN DE LA OBRA En 2013 Nao y Marcel recibieron una beca (cama y comida) para pasar un par de meses en la ciudad de Nueva York. Se alojaron en un pequeño apartamento con vistas al río Newtown Creek y a una sucursal bancaria que había al otro lado de la calle. Esto fue lo que vimos: primero uno, luego dos, más tarde tres y hasta cuatro coches de policía llegar derrapando frente a la sucursal, como en las pelis, pero era real. Al menos quince policías apuntando hacia la sucursal, mucha expectación en la calle y desde nuestro apartamento una vista privilegiada. Se oyeron disparos en el interior del banco. Estábamos los dos, pegados a la ventana del apartamento, a salvo, pero muertos de miedo. Acojonados. Luego todo fue muy rápido. Finalmente se abrieron las puertas del banco y empezó a salir gente, corriendo. Habían muerto tres personas. El 23 de mayo de 1981 se producía un atraco al Banco Central de Barcelona en la Plaza de Catalunya. Pudimos asistir a los acontecimientos a través de la televisión. Duró 37 horas. No ha trascendido la motivación de tal asalto. Se ha especulado desde que fue un intento de atraco más hasta requisar documentos comprometedores, relacionados con el 23F. Un atraco que pudo inspirar esta obra de teatro, pero Nao confiesa que no nos inspiramos en ese atraco, pero sí es verdad que cuando creamos este espectáculo, salieron todo lo que tenemos en el imaginario sobre los atracos y nos vimos todas las pelis posibles… DANI EL ROJO, DA EL VISTO BUENO Una vez que ideamos nuestro plan, y que no vamos a desvelar, quedamos con un atracador famoso, que se llama Dani el Rojo y atracó durante muchos años muchos bancos, organizó timbas ilegales… Este tipo se reformó y en la reunión que tuvimos con él, una de las ambiciones que teníamos era que nuestro plan de atraco funcionara. Cuando le contamos el plan, le preguntamos «¿Se podría hacer?» El tío nos mira y nos dice «Sí, sí, esto sí (risas), el plan funciona». Una de las ideas embrionarias del espectáculo, que luego no fue así, era sobre unos autores que escriben un guión sobre un atraco perfecto, y al terminar de escribir el guión se dan cuenta que «a la mierda el teatro y vamos a atracar el teatro que es donde está la pasta de verdad». En nuestra historia no pasa exactamente eso, pero era una de las primeras ideas. Anécdotas que les contaron sobre atracos fueron múltiples como atracar el Banco de Andorra con helicópteros, o bien la del atracador que lo pillaron porque le fueron cayendo billetes de la bolsa y la policía siguió el rastro de los billetes. EL ESPACIO ESCÉNICO El espacio escénico es la sala donde está la caja fuerte central del Banco, pero se evocan otros espacios. instauramos códigos que permiten que ese Banco se transforme en un aeropuerto, la casa de un señor…, de todo.
Nao Albet y Marcel Borràs han escrito y dirigido entre otras, las obras Democracia (Premio Butaca al mejor texto teatral 2010), HAMLE. T.3. y Mammon (Premio de la Crítica 2015) en las que también participa como actor. En 2016 obtienen el Premio Ojo Crítico de teatro de RNE. FUNCIÓN PRECIO
Título: Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach AGRADECIMIENTOS Teatre Nacional de CatalunyaRoberto Álamo, Sergi Belbel, Javier Beltrán, Javier Cámara, Oscar Castellví, Gonzalo de Castro, Álvaro Cervantes, Oriol Genís, Ricardo Gómez, Andrés Herrera, Roc Jou Molares, Thomas Kasebacher, Natalie Labiano, Vicky Luengo, Leon Martínez, Marc Martínez, Iván Morales, Vicenta Ndongo, Adrià Pinar, Aitana Sánchez Gijón, Shang-Ye, Mar Sodupe, David Vert y Laura Weissmahr Intérpretes: Nao Albet, Carlos Blanco, Marcel Borràs, Irene Escolar, Alina Furman, Eva Llorach, Francesca Piñón y Vito Sanz
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