Él mata a Desdémona, no por motivos raciales, sino porque él piensa que le ha traicionado con otro “chico”. Tiene una prueba, el pañuelo. Porque tienes una prueba, ¿matas a tu mujer? Está loco. Entonces Otello es un loco que mata para nada, como sucede hoy. Es un tema muy actual. No es de otro tiempo, sino que es un tema que nos embiste. Basta ver los periódicos.
l Dragón de Oro, por su forma y su fondo, toca la fibra de las emociones, permite respirar, reír, llorar, y también que el dolor estremezca. No podemos mirar para otro lado. El Dragón de Oro es una propuesta impactante, innovadora y lúdica que cuestiona y refleja las peculiaridades del teatro, abriendo los poros de la piel y de la conciencia.
Es una obra en la que está muy presente el tema de la opresión y el oprimido que Fassbinder plantea a través de las relaciones de pareja, un sistema pequeño que es, en realidad, el gran sistema social del mundo: quien oprime necesita ser también oprimido, y esto le pasa a Petra, pero también le pasa a Karin
Es un montaje que está narrado por un personaje, que vive dentro de 20 años y recuerda lo que sucedía en la plaza de Chueca en el año 2025/26. Son los recuerdos de este hombre los que toman vida y, al mismo tiempo, se van, también, deshaciendo los conflictos amorosos porque como en todas las zarzuelas, el amor tiene una relevancia extraordinaria
Todos los personajes tienen secretos y motivos, por lo cual todos tienen algo que ocultar. El juego investigativo comienza con el descubrimiento de un cadáver. Todos son sospechosos y se crean ciertas alianzas entere ellos. La pregunta clave es ¿Quién ha sido? Al final es el público el que decide entre 7 posibles finales, quién es el asesino. El teatro debe estar vivo no solo sobre las tablas sino también en el patio de butacas. El público no solo es testigo, sino también cómplice, ya que participa activamente eligiendo al asesino. La identidad del asesino varía en cada función, generando una experiencia única en cada representación.
un diálogo artístico y expresivo basado en la esencia y en el concepto que reflejaban, expresaban y transmitían los dúos emblemáticos y significativos de la historia de la danza española. Al hablar de ese diálogo artístico y expresivo, nos lleva a conjuntar y armonizar no solo el discurso entre dos bailarines con el movimiento, sino también al diálogo y dúo artístico entre músico y bailarín, que también han sido relevantes en la historia de la música nacionalista y la danza española.
Con Ana Borrás nos trasladamos al Círculo Polar Ártico con una experiencia inmersiva con danza, sonido, proyecciones, luces y música en vivo. Entre la danza contemporánea y la instalación artística, Boreali se inspira en la música “yoik”, la música tradicional coreana y las propias auroras boreales, y narra la historia de la creación de la Aurora Borealis.
Los cuerpos de los bailarines mayores también contienen una historia, “su historia, ahora humana”. Puedes sentir que han “vivido”. Han bailado, han luchado, sufrido y disfrutado, se han transformado de muchas maneras, se utilizan y se impregnan de experiencias. Al mismo tiempo, poco a poco empezamos a interesarnos más en presentar ideas que en demostrar lo bien que dominamos ciertos movimientos o trucos de baile.
“Aquellas que habitan en mí” es una exploración íntima de la identidad a través de la Danza Española, en la que Estela Alonso se sumerge en su propio universo interior para descubrir las múltiples facetas que conforman su ser. Mediante la Escuela Bolera, el Flamenco y otras expresiones culturales, se despliega una narrativa de autodescubrimiento que cuestiona las etiquetas impuestas por la sociedad y aquellas que nosotros mismos hemos adoptado.
A través de “Boys in the Sand” exploro la suavidad, la fragilidad y la feminidad dentro del cuerpo masculino en el mundo actual, entrelazando ecos del pasado, realidades del presente y visiones del futuro. Al crear esta pieza, me impulsa el deseo personal de desafiar y quizás normalizar los tabúes que rodean la intimidad en la sociedad
subiremos de nuevo al estrado a Pier Paolo Pasolini, llamaremos a declarar a Medea, haremos todo lo que haga falta para situarnos en esta ingente misión de intentar no ajusticiar lo bello, y llamar a una revolución de pensamiento desde la no violencia y el no odio, desde el arte y la danza.
“Bendita tú” se centra en los gestos cotidianos y el misterio en las manos que sostienen y la mirada que acoge. La dramaturgia parte de historias cotidianas, del presente, del pasado o de hace más de dos mil años