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FESTIVAL DE OTOÑO 2008
Nos situamos en Londres, mediados del siglo XIX. Sweeney Todd es un barbero injustamente condenado al exilio por un juez desaprensivo. Tras cumplir castigo, regresa a su hogar bajo una nueva identidad jurando venganza. Pero la casa a la que llega está vacía: su esposa se ha envenenado y su hija se encuentra, precisamente, bajo la tutela del juez que le ha arruinado la vida. El protagonista vuelve a empezar con una mujer de dudosa moral, Nellie Lovett, la pastelera, y reabre la barbería. Ayudado por la navaja, inicia su venganza en serie, preparándose para el gran momento del reencuentro con el culpable de sus desgracias. Mrs. Lovett, enamorada de él, será su cómplice. Los pastelitos de carne que elabora, con materia prima de tan siniestra procedencia, constituyen un gran éxito entre su clientela, que los prefiere a los de carne de gato vendidos por la competencia. Con elementos del grand guignol – asesinatos y huidas dramáticas – este sorprendente thriller musical, basado en un melodrama victoriano, alcanza un clímax angustiosamente divertido. Algunos afirman que Sweeney Todd está basada en hechos reales, pero nunca se han encontrado pruebas fiables de ello. Esta versión de Mario Gas cuenta con más de veinte premios de las artes escénicas, entre ellos el Nacional de Teatro de la Generalitat de Cataluña, el Premio de la Crítica de Barcelona y los Max de la SGAE a la Mejor Dirección Escénica y al Mejor Musical. Stephen Sondheim, uno de los grandes compositores musicales del siglo XX, estrenó Sweeney Todd en Broadway en 1979. El éxito fue inmediato; ha sido reconocido con ocho premios Tony – incluido el de Mejor Musical – y un Grammy. SOBRE LA COMPAÑÍA Mario Gas (nacido en 1947 en Montevideo, Uruguay, durante una gira musical de su padre) es actor y director escénico. Ha desarrollado su carrera artística en el teatro, el cine y la televisión. Creador polifacético, formado en los teatros universitarios e independientes de los años sesenta, ha montado más de un centenar de espectáculos entre teatro, ópera, zarzuela y music-hall a lo largo de su dilatada trayectoria. Entre sus montajes más recientes destacan Homebody/Kabul, de Tony Kushner; Adiós a la bohemia, de Sorozábal y Pío Baroja; A Electra le sienta bien el luto, La Orestiada, Las criadas, La mare Coratge i els seus fi lls, Full Monty o Lulú. Entre las óperas, encontramos Il turco in Italia, Il barbiere di Siviglia, Il trovatore o La traviata, entre otras. Ha recibido decenas de premios a lo largo de su carrera. Como gestor teatral ha estado al frente del Festival Grec ’76, del Teatre Condal y ha sido director de las tres ediciones del Festival de Tardor y del Festival Olimpic de les Arts. Actualmente es director artístico del Teatro Español de Madrid, en el que recientemente ha estrenado Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, de Bertolt Brecht y Kurt Weill, pieza con la que inauguró las Naves del Español Matadero Madrid. Adaptación: Christopher Bond
Una composición para cinco pianos sin pianista. Una obra de teatro sin actores. Un espectáculo sin intérpretes. La inmensidad del escenario vacío. La presencia de las cosas llenando los huecos del aire. La luz, las pinturas, los sonidos, las voces, el viento, los instrumentos apilados, la niebla, el agua, el hielo. La pieza – inspirada en textos del autor romántico del siglo XIX, Adalbert Stifter – nos acerca a un montaje escenográfico que desafía, que obliga a ver y a escuchar.
Bach, William S. Burroughs, Claude Lévi-Strauss, Malcom X, Paolo Ucello y Ruisdael son los anfitriones de, en palabras del propio Goebbels, “un espectáculo que cree en su propia realidad”. El compositor alemán – que ya en la edición anterior del Festival de Otoño de Madrid acercó a los espectadores Schwarz auf Weiß (Negro sobre blanco) – cuenta en esta ocasión con la colaboración artística y técnica del equipo del Théâtre Vidy-Lausanne para llevar a escena una instalación musical que es, al mismo tiempo, un particular homenaje a los objetos y una experiencia de los sentidos, enfrentados al universo de lo inanimado. Thierry Kaltenrieder ha desarrollado en Stifters Dinge (Las cosas de Stifter) una técnica que aúna pilotaje y robótica para crear un artefacto de pianos autónomos que supera la tradicional maquinaria teatral y vigoriza la idea que late en el corazón de la pieza: hay momentos y lugares en los que al ser humano no le queda más remedio que admitir que ha perdido el control sobre las cosas… Stifters Dinge se estrenó en septiembre de 2007 en el Théâtre Vidy de Lausanne (Suiza). SOBRE LA COMPAÑÍA De renombre internacional, el Théâtre Vidy-Lausanne se ha constituido desde hace años como una de las principales instituciones culturales de Suiza. Construido por Max Hill, es uno de los raros vestigios de la Exposición Nacional de 1964. Sus cuatro salas presentan una treintena de espectáculos al año, ofreciendo un amplio repertorio de registros, con un total de cuatrocientas representaciones anuales. Peter Brook, Heiner Goebbels, Matthias Langhoff, Lukas Hemleb, Josef Nadj, Jacques Lassalle o Irina Brook han presentado sus espectáculos en Vidy-L, “el más hermoso teatro del mundo”, según Michel Piccoli. Heiner Goebbels (Neustadt/ Weinstrasse, 1952) es compositor y director, catedrático y gerente del Instituto para las Ciencias Aplicadas de Arte Dramático de la Universidad de Justus Liebig, además de presidente de la Academia de Hessia y miembro de la Academia de Bellas Artes de Berlín. En su fructífera trayectoria artística ha trabajado como compositor para teatro, cine y danza, con títulos como Eraritjaritjaka, Eislermaterial o Surrogate Cities, obteniendo multitud de premios, como el Herald Angel Award 2004 o el Grand Prix de la Critique 2005. Escenografía, iluminación y vídeo: Klaus Grünberg
“YO NO ESTOY HABLANDO DE DIOS.
de La noche de la iguana, esta frase mítica es una constante en la obra del autor y, en su esencia, está también presente en esta pieza. “…Son personajes que se encuentran por casualidad y que después de su encuentro cambiarán de rumbo…”, afirma Gayo, que también ha interpretado, con dirección de María Ruiz, Sabor a miel. Un reverendo desequilibrado y descreído que, expulsado del sacerdocio, pasa unos meses en el manicomio y empieza a trabajar como guía turístico en México. Una joven seductora. Un hotel retirado a la orilla de la playa. Una bella viuda enganchada al alcohol y al sexo. Una virginal pintora que vaga por el mundo junto a su abuelo, centenario y poeta. Todos, absorbidos en una carrera precipitada en busca del significado moral de la existencia en una historia que no trata sobre perdedores… sino sobre seres perdidos. La noche de la iguana se estrenará el 8 de octubre de 2008 en el Teatro Principal de Castellón. SOBRE LA COMPAÑÍA
Empezó a dirigir montajes teatrales en 1983 con Vente a Sinapia, de Fernando Savater. Desde entonces ha dirigido títulos como Samarkanda, de Antonio Gala; Antígona entre muros, de Martín Elizondo; El hombre del destino, de Bernard Shaw; La pereza, de Ricardo Talesnik; La secretaria, de Natalia Ginzburg y Una espléndida mansión, de O´Neill, entre otros muchos. Escenografía: Juan Carlos Savater
I am my own woman (Yo soy mi propia mujer), el texto surgido de las conversaciones de Wright con Charlotte von Mahseldorf, ganó el Premio Pulitzer (2004), el Premio Tony (2005) y el Premio Lambda (2005).Sobre el escenario, la estrella del cine argentino Julio Chávez – dirigido por Agustín Alezzo – es el encargado de interpretar a este ser múltiple, a veces dama delicada, a veces macho violento, con humor negro, sutileza y minimalismo. Chávez, que también se desdobla en el personaje del interlocutor – el propio Wright narrador – ha sido alabado por la crítica por su “extraordinaria labor y dotes camaleónicas” en la composición de un personaje que desborda ternura y patetismo. La pieza ha sido galardonada, entre otros premios, con el Tony Award y el Drama Desk Award, ambos en la categoría de Mejor Obra. Yo soy mi propia mujer se estrenó en Buenos Aires en enero de 2007. SOBRE LA COMPAÑÍA Agustín Alezzo se inició en la actividad teatral en el año 1955 bajo la dirección de Alejandro Buero y Pedro Asquini, en el Nuevo Teatro. Hasta 1962 forma parte de los elencos de los teatros Juan Cristobal y La Máscara, interpretando piezas de Brecht, Frisch y Kusch, entre otros. En la década de los sesenta desarrolla su labor en Lima y a inicios de los setenta vuelve a Buenos Aires, donde actúa en varios espectáculos de C.Gandolfo y A. Fernándes. En 1968 debuta como director con La mentira, espectáculo al que siguen Ejecución y El zoo de cristal. Julio Chávez, ganador del Premio Clarín, del Premio ACE de Oro y del Premio de la Escuela de Actores, por Yo soy mi propia mujer, todos en la categoría de Mejor Actor, ha interpretado piezas de teatro bajo la dirección de L. Agustoni, C. Gandallo y M. Cavia, entre otros. En cine, ha protagonizado, entre otras películas Un oso rojo – Mejor Actor en el Festival de Biarrritz -, El Custodio – Mejor Actor en el Festival de Cine de La Habana y Cóndor de Plata – y El otro – Oso de Oro del Festival de Cine de Berlín en 2007-. Entre las obras que ha dirigido, se encuentran Rancho-Una historia aparte y Mi propio niño Dios. Traducción y Adaptación: Fernando Masllorens Y Federico González Del Pino
“UN ESPECTÁCULO QUE CELEBRA NUESTRA ÉPOCA
Odin Teatret, liderado por el teórico, director y antropólogo teatral Eugenio Barba (Italia, 1936), presenta en esta edición del Festival de Otoño de Madrid Las grandes ciudades bajo la luna, pieza estrenada en septiembre de 2003 en Bielefeld, Alemania. En los últimos años, Odin Teatret ha actuado en cincuenta y ocho países y creado más de setenta espectáculos, muchos de ellos sobre la base del trueque cultural, con la intención de, en palabras de la compañía, “desafiar los prejuicios, las dificultades lingüísticas y las diferentes formas de pensamiento, juicio y comportamiento”. En lo alto, la luna observa. Observa y se balancea sobre ciudades en llamas, sobre metrópolis de Europa y Asia, desde Hiroshima a Halle, desde la China imperial a Alabama. Su voz suena burlona o sorprendida. A veces indiferente, a veces dolorosa. Fría o incandescente, no sabe de melancolías pero tampoco conoce el consuelo. El heterodoxo Odin Teatret, famoso por su potente labor social, ofrece este espectáculo con textos de Bertolt Brecht, Jens Bjørneboe y Ezra Pound; con música y poemas que glorifican las tragedias de nuestro tiempo. SOBRE LA COMPAÑÍA El Odin Teatret nació en octubre de 1964 de la mano del teórico y director teatral Eugenio Barba (Italia, 1936). El grupo empezó ensayando en un refugio antiaéreo de Noruega hasta que el pueblo de Holstebro (Dinamarca) invitó a la troupe a crear un laboratorio teatral en una granja del lugar. Desde 1974, Odin Teatret ha desarrollado su particular forma de acercarse a las artes escénicas, con la práctica de lo que el propio Barba ha denominado “teatro de trueque”, un intercambio con la comunidad mediante una actuación. Algunas de las piezas más populares de la compañía son Ferai (1969), Min Fars Hus (1972), Brecht´s Ashes (1980), The Gospel According to Oxyrhincus (1985), Talabot (1988), Kaosmos (1993) y más recientemente Ur-Hamlet (2006). Eugenio Barba emigró a Noruega en 1954, país en el que se graduó en Francés, Literatura e Historia de la Religión por la Universidad de Oslo. Se formó teatralmente en Polonia, donde trabajó durante tres años con Grotowski y en la India, convirtiéndose en experto en kathakali, forma tradicional de teatro de este país, antes de fundar la International School of Theatre Anthropology en 1979. Interpretación: Kai Bredholt, Roberta Carreri, Jan Ferslev, Tage Larsen, Augusto Omolú, Iben Nagel Rasmussen, Julia Varley, Torgeir Wethal, Frans Winther Y Donald Kitt
“ LA INTERPRETACIÓN ES ASFIXIANTE, CRUEL, DEVASTADORA,
La Compagnia Scimone Sframeli en colaboración con la Fondazione Orestiadi Gibellina presenta un espectáculo que surge de, en palabras del propio autor, “la necesidad de profundizar en las relaciones entre los seres humanos porque de esta búsqueda nace el confl icto y del confl icto nace el teatro”. Un padre, una madre, un hijo. Una jornada cualquiera, igual al día anterior y al siguiente, sometida al juego cruel de la indiferencia recíproca. Se celebran treinta años de matrimonio en el espacio geométrico de una cocina, en el recipiente cerrado del microcosmos familiar. Cada uno de los tres personajes recita su parte. La festa es el primer texto escrito por Spiro Scimone en lengua italiana, después de los dos precedentes en el dialecto de Mesina, Nunzio y Bar, de los cuales ha sido intérprete, siempre en colaboración con Francesco Sframeli. Pero es un italiano muy del sur, el suyo, tanto en la construcción de las frases como en la cadencia que los actores imprimen sobre el escenario. Diálogos brevísimos, construidos con pocas palabras. Con un uso musical, casi jazzistico, sobre un ritmo sincopado que pone en evidencia la frecuente repetición y variaciones de un mismo tema. “Dentro de un núcleo familiar. Padre. Madre. Hijo. Un día en concreto. El aniversario de boda. La fi esta. Momento de desencuentro sobre la cotidianeidad vivida. Diálogo con tono de interrogatorio. Padre, Madre, Hijo intentan eludir la propia culpa… Tratan de desenmascararse los unos a los otros en un juego cruel. En suspenso. Nunca declarado. El juego se consuma en el silencio…” Así se acerca el director Gianfelice Imparato a La festa, cuyo estreno tuvo lugar en 1999 en Gibellina. SOBRE LA COMPAÑÍA Spiro Scimone (Mesina, 1964) y Francesco Sframeli (Mesina, 1964) se formaron en la Scuola di Arte Drammatica de Milán y empezaron su carrera teatral representando textos de Beckett, Havel y Mrozek. En 1990 fundan la Compagnia Scimone Sframeli y en 1994 Scimone escribe su ópera prima, Nunzio, con la que gana el Premio IDI Autori Nuovi y la Medaglia d´oro IDI a la Dramaturgia (1995); en 1996 redacta el texto de Bar cuyo debut tiene lugar en el Festival di Taormina Arte en 1997, con dirección de Valerio Binasco y escenografía de Titina Maselli. Este mismo año, tanto Scimone como Sframeli reciben un Premio Ubu. En 2003 la CompagniaScimone Sframeli coproduce junto al Festival d´Automne de París, el Kunsten de Bruselas, el Théâtre Garonne de Toulouse y Orestiadi di Gibellina, el espectáculo Il cortile. La pieza gana el Premio Ubu en el año 2004 como Mejor Texto Italiano. Scimone y Sframeli son también los directores e intérpretes de la película Due Amici, merecedora del León de Oro a la Mejor Ópera Prima en la Mostra de Venecia 2002. Sus obras se han representado en Francia, Inglaterra, Bélgica, España, Canadá, Portugal, Holanda y en los más prestigiosos festivales europeos. Escenografía: Sergio Tramonti
“Y LO COMPRENDEMOS TODO,
Una dama de la alta sociedad venida a menos. Una joven viuda. Un matrimonio de conveniencia. Chantajes, extorsiones y cartas falsas. Un hombre honesto dispuesto a desenmascarar a los criminales. ¿Quiénes son los lobos? ¿Quiénes los corderos? Y amenazando la intensa comicidad de las escenas, sobrevuela descontrolada la fanática adoración al dios del dinero. Bajo la apariencia de una comedia de enredos preñada de momentos hilarantes, Lobos y corderos es en realidad un sarcástico retrato de los usos y costumbres de la nobleza provinciana en la Rusia de mediados del XIX. Alternando alegría, audacia y ausencia de doctrina con la crítica despiadada, Piotr Fomenko y su troupe llevan a escena el clásico de Alexandre Ostrovski (1823-1886), uno de los más selectos ejemplos del repertorio clásico ruso. Lobos y corderos se estrenó en mayo de 1992 en la Academia de Arte Teatral de Rusia (Moscú) y ha sido merecedora del Gran Premio en el festival internacional polaco Contact 1993; así como del Premio al Mejor Actor en el mismo festival para Youri Stepanov y del Premio Stanislavski al Mejor Actor Secundario para Andreï Kakazov. De la dirección de Fomenko, la crítica ha destacado su capacidad para “con apenas tres sábanas y dos velas sugerir la luminosidad y los límites de un universo entero”. SOBRE LA COMPAÑÍA El Théâtre-Atelier de Piotr Fomenko fue creado oficialmente por un decreto del alcalde de Moscú en 1993. Pero actores y directores de escena (conocidos popularmente como “los fomenkos”) llevan trabajando juntos desde 1988. La compañía ha realizado más de doce montajes, muchos de ellos presentados en giras internacionales en países como Italia, Polonia, Francia, Austria, Suiza, Brasil, Lituania, Alemania, Macedonia, Yugoslavia, Bélgica, China, Japón y varias ciudades de Rusia. En 2004 participó con Guerra y paz y Noches egipcias en el Lincoln Center Festival de Nueva York, espectáculos que también han formado parte de la programación del Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid. Piotr Naumovich Fomenko (Moscú, 1932) es uno de los grandes directores teatrales europeos y uno de los líderes del teatro ruso contemporáneo. Célebre por sus habilidades pedagógicas, ha sido también director del Teatro de Leningrado y profesor de la Academia de Teatro Ruso. Entre sus más de setenta producciones se encuentran Tania Tania (1996), Tres hermanas – presentado en la edición 2006 del Festival de Otoño de Madrid – y El burgués gentilhombre (2006), de Molière. Decorados Y Vestuario: Tatiana Selvinskaïa
“LIPSYNCH TRATA SOBRE EL SIGNIFICADO CONCRETO DE VOZ,
La voz surge de una asombrosa maquinaria interna que, sin embargo, sólo encuentra su última expresión fuera del cuerpo. Para acercarse a esta idea, Lipsynch aleja los estímulos visuales y bucea – entre sintetizadores, cantos de ópera y llantos de bebé – en los conceptos de voz, habla y lenguaje. En su estilo, humor y variedad polifónica, esta pieza coral recuerda a los proyectos más ambiciosos del director Robert Altman, aquellos en los que las historias individuales se enredan con los destinos universales. Amantes, bebés huérfanos, neurocirujanos, madres biológicas y cineastas vertebran un enorme mecano de microficciones que se alza entre 1975 y 2015, aboliendo cronología y espacio. Una saga planetaria que propone un inventario del mundo, con sus ausencias y agujeros negros, visto a través de los ojos de personajes unidos por la casualidad y la probabilidad. Robert Lepage – artífice de The Dragons´ Trilogy, Geometry of Miracles y The Andersen Project -, aclamado por la crítica como un alquimista de la escena capaz de dinamitar las bases clásicas del teatro con su imaginería multimedia, presenta en esta ocasión un experimento teatral sobre el fenómeno de la comunicación humana. El espectáculo, con la firma inequívoca del director canadiense, lleva a escena distintos cuadros narrativos en los que lo anecdótico y lo trascendental se entrelazan. Mientras, los intérpretes articulan un relato en el que las voces buscan su identidad más allá de la imagen, el movimiento, el espacio y la música. La primera versión de Lipsynch se estrenó en Newcastle en febrero de 2007. SOBRE LA COMPAÑÍA En 1993, cuando Robert Lepage (Quebec, 1957) le pidió a sus colaboradores que le ayudaran a encontrar un nombre para su nueva compañía, sólo estableció una condición: la palabra teatro no podía formar parte del nombre. Por tanto, Ex Machina es, desde su fundación, una compañía multidisciplinar que aglutina actores, escritores, escenógrafos, técnicos, cantantes de ópera, titiriteros, diseñadores gráficos, vídeo artistas, productores de cine, contorsionistas y músicos. El equipo creativo de Ex Machina cree que el teatro necesita sangre nueva. Que las artes escénicas – danza, ópera, música – deben mezclarse con otras disciplinas como el vídeo, la tecnología multimedia y las películas. Que debe haber un encuentro entre científicos y guionistas, entre pintores y arquitectos, entre los artistas de Quebec y los del resto del mundo para propiciar el nacimiento de nuevas formas artísticas. Ex Machina quiere responder a estos desafíos y convertirse en un laboratorio, en una incubadora de una forma de teatro capaz de alcanzar y entablar un diálogo con la sensibilidad del público del nuevo milenio. Interpretación: Frédérike Bédard, Carlos Belda, Rebecca Blankenship, Lise Castonguay, John Cobb, Nuria García, Sarah Kemp,
QUIZÁS HAY UNA LUZ DENTRO DE LAS PERSONAS, QUIZÁS UNA CLARIDAD;
¿Hasta dónde llegarías por defender una idea? ¿Qué medios están justificados para conseguir un fin? ¿Cómo responderías a la violencia? Estas y otras cuestiones del estilo motivaron la puesta en marcha de Anathema, proyecto conjunto de la compañía belga tg STAN y José Luis Peixoto (1974). En el año 2000, este joven autor portugués publica su primera novela, Nenhum Olhar (Nadie nos mira). Al año siguiente, la obra recibe el Premio Literario José Saramago. Desde entonces, ha sido traducida a varios idiomas y Peixoto considerado uno de los nuevos talentos de la literatura europea. tg STAN encargó a Peixoto el texto de Anathema para Jolente de Keersmaeker y Tiago Rodrigues, un actor portugués con el que la compañía ya había colaborado en numerosas ocasiones. Esta vez, sus fuentes de inspiración no fueron los cuentos infantiles. Esta vez, el autor habla de terrorismo, de miedo y de violencia. Sobre el escenario, un hombre y una mujer recuerdan, con un lenguaje al mismo tiempo conversacional y poético, los horrores de la guerra. De esta pieza, la crítica ha dicho que consigue “llevar al escenario una guerra remota para hacerla tangible”. Anathema se estrenó el 14 de noviembre de 2005 en el Théâtre de la Bastille de París, dentro del ámbito del Festival d´Automne. SOBRE LA COMPAÑÍA Jolente de Keersmaeker, Damiaan De Schrijver, Waas Gramser, Sara de Roo y Frank Vercruyssen se graduaron juntos en el Conservatorio de Amberes en 1989. Alejándose de la línea de las compañías ya existentes, a las que consideraban imbuidas de un excesivo esteticismo, experimentalismo y sometimiento a la voluntad de los directores, decidieron crear Toneelspelersgezelschap STAN (Tg STAN). Después de unas cuantas producciones, Waas Gramser abandonó el grupo y fue sustituido por Sara de Roo. Dos pilares definen tg STAN: el actor como núcleo del proceso teatral y la heterodoxia. Esta huida de los dogmas se refleja en el mismo nombre de la compañía S(top) T(hinking) A(bout) N(ames), en español, “deja de pensar en los nombres”, así como en su repertorio. Una híbrida colección de textos (Chéjov, Bernhard, Ibsen, Wilde, Shaw y Diderot, entre otros) que invariablemente expresan una crítica social. Algunos de los últimos trabajos de la compañía -representados, aparte de en flamenco, en inglés o francés – son My dinner with André, Alles is rustig, La carta, In Real Time, vandeneedevandeschrijvervandekoningendiderot, Poquelin, Berenice y Het was zonder twijfel een ongeluk. Iluminación e Imágenes: Thomas Walgrave
“LO IMPORTANTE ES ABRIR LOS TEXTOS,
La intensa interpretación musical del Hilliard Ensemble – reconocido internacionalmente por su repertorio medieval y renacentista a cargo de dos tenores, un contratenor y un barítono – y la dirección del compositor Heiner Goebbels anclan esta obra sin trama lineal que sólo completa su significado al ser vista y escuchada. Un concierto en tres actos, erigidos en unidades narrativas independientes dedicadas a tres textos literarios del siglo XX: The Lovesong of J. Alfred Prufrock (La canción de amor de J. Alfred Prufrock), uno de los más famosos poemas de T.S. Eliot; The Madness of the Day (La locura del día), un diálogo de Maurice Blanchot en el que las identidades se diluyen y Worstword Ho, una utopía de la forma estética a cargo de Samuel Beckett. Un tema compartido y un yo anónimo construido con multitud de voces para enganchar al espectador en un no tiempo, de un no lugar, en el que transcurre una historia imposible, un viaje que nunca se emprende, una alegoría del antihéroe. La fascinación por la insistencia vocal fue el punto de partida de esta última composición de Goebbels, desarrollada con el Théâtre Vidy-Lausanne y con Klaus Grünberg, Florence von Gerkan y Willi Bopp, el mismo equipo creativo que le ha acompañado en sus más recientes piezas de música-teatro. I went to the house but did not enter (Fui a la casa pero no entré) se estrenará el 28 de agosto de 2008 en el Edinburgh International Festival, primera parada de una gira que continuará en Alemania, España, Italia y Francia. SOBRE LA COMPAÑÍA Heiner Goebbels (Neustadt/ Weinstrasse, 1952) es compositor y director, catedrático y gerente del Instituto para las Ciencias Aplicadas de Arte Dramático de la Universidad de Justus Liebig, además de presidente de la Academia de Hessia y miembro de la Academia de Bellas Artes de Berlín. En su fructífera trayectoria artística ha trabajado como compositor para teatro, cine y danza, con títulos como Eraritjaritjaka, Eislermaterial o Surrogate Cities, obteniendo multitud de premios, entre ellos el Herald Angel Award 2004 o el Grand Prix de la Critique 2005. El Hilliard Ensemble es, desde que comenzara su andadura en la década de los ochenta, uno de los más importantes grupos vocales de cámara. Con aproximadamente cien conciertos al año en Europa, Japón, Estados Unidos y Canadá, el Hilliard ha colaborado con orquestas de la talla de la London Philarmonic Orchestra, la Munich Chamber Orchestra y la Dresden Philarmonic Orchestra. Entre sus trabajos encontramos Officium, Morimur y Perotir and the Ars Antiqua. Escenografía e Iluminación: Klaus Grünberg
“Y POR TODAS PARTES, ALGO DE MAGIA…”
Irina Brook tenía siete años cuando experimentó por primera vez la “magia de este texto extraordinario”. Corrían los años setenta y su padre, el gurú del teatro Peter Brook, presentaba Midsummer Night´s Dream (El sueño de una noche de verano), de Shakespeare, en Inglaterra. Tres décadas después, Irina toma el relevo y dirige En attendant le songe (Esperando el sueño), un proyecto iconoclasta y minimalista inspirado en la obra shakesperiana y en el deseo de la dramaturga de llevar el teatro a aquellos lugares que han estado tradicionalmente alejados de las propuestas culturales. Una adaptación lúdica, llena de alegría y extravagancia, en la que seis actores varones interpretan – entre camisones rosas y parasoles blancos – a las jóvenes novias, a las hadas irreverentes… y a un Puck más funky que nunca. Una reconciliación de diversión, clasicismo y contemporaneidad; una manera distinta de convocar al público, recuperando el espíritu festivo que barnizaba los espectáculos ambulantes. Sobre el escenario, improvisaciones, objetos y vestidos de toda condición recopilados aquí y allá por una troupe dedicada en cuerpo y alma a este trabajo, alarde de experimentación y ligereza. En attendant le songe es un proyecto surgido del encuentro entre Irina Brook y el equipo del Festival Dedans-Dehors de Brétigny-sur-Orge, marco en el que se estrenó en julio de 2005. SOBRE LA COMPAÑÍA Hija del director Peter Brook y de la actriz Natasha Parry, Irina Brook nació en París y se crió entre Inglaterra y Francia. Se formó en Nueva York donde estudió Arte Dramático con Stella Adler. De vuelta a París, interpretó papeles en La Cerisaie y en Don Juan, ambas dirigidas por su padre en el Bouffes du Nord. Desde mediados de los noventa, se consagra a la dirección teatral. Ha dirigido obras como Madame Klein, All´s well that ends well y Beast on the moon, esta última del americano Eichard Kalinoski. En 1998 monta la versión francesa del texto de Kalinoski, Une bête sur la lune, en el Théâtre Vidy-Lausanne y consigue cinco premios Molière, entre ellos a la Dirección y al Mejor Espectáculo. Poco después, Ariane Mnouchkine invitó a Irina Brook a dirigir a la troupe del Cirque du Soleil con el espectáculo All´s well that ends well, presentado en el Festival d´Avignon. También es responsable de numerosas puestas en escena para ópera, entre ellas La flûte enchantée, La Traviata e Il barbero di buon cuore, pieza que montará para el Teatro Real de Madrid en otoño de este año. En 2002 fue nombrada Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura del Gobierno Francés. Traducción y Asistencia de Dirección: Marie-Paule Ramo
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