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A partir de entonces, ese espíritu burlón se convertirá en musa e irá no sólo dictando la obra de la autora, sino resolviendo los múltiples conflictos que irán surgiendo con los actores en los ensayos. Paloma Pedrero refleja en esta obra la experiencia de ocho años de trabajo junto a un grupo de teatro de personas sin hogar creado por la Fundación RAIS (Red de Apoyo a la Inserción Sociolaboral) de Madrid. Un proyecto compartido por intérpretes y equipo artístico profesional con actores sin hogar, miembros del grupo Pacientes Ambulantes. Mensaje social sin moraleja patrocinado por la Fundación Coca-Cola Sáenz de Vicuña en esta puesta en escena que aborda teatralmente el universo vital de los sin techo en España.
Paloma Pedrero es actriz, directora y una de las autoras teatrales españolas más representadas internacionalmente. Licenciada en Sociología por la Universidad Complutense de Madrid y diplomada en Psicología Gestaltica por el Instituto de Florencia, ha publicado y estrenado una treintena de obras, entre ellas La llamada de Lauren, El color de agosto, Besos de lobo, Invierno en luna alegre, Noches de amor efímero, La isla amarilla, Locas de amar, Una estrella, Cachorros de negro mirar, En el túnel un pájaro, Ana el once de marzo y Beso a Beso. Ha recibido numerosos premios como el Tirso de Molina, el de la Crítica del Festival Internacional de Roma Actores en busca de autor, o el de la Crítica Villanueva en Cuba. Paloma Pedrero colabora en distintos periódicos y es columnista semanal del diario La Razón. Además, desde 1992 imparte talleres de interpretación y escritura teatral y desde el año 2000 dirige un taller de teatro para personas sin hogar, dentro de la Fundación Rais. Ayudantes de Dirección: Raúl Barrio Y Pilar Rodríguez
“MARIVAUX ES, COMO TODOS LOS GRANDES AUTORES
Todo empieza con los suspiros de una dama. “No hay consuelo para mí”, dice la Marquesa viuda. También el Caballero ha perdido a la mujer que ama. Ambos se encuentran, se hablan, se compadecen y por uno de esos deslices tan comunes a la especie humana, se enamoran… De la mano de Marivaux – autor dieciochesco – y Bondy – director contemporáneo -, más allá del tiempo y las modas, llega un espectáculo en el que dos seres heridos se reconocen en su dolor y lanzan al aire una pregunta, ¿de dónde nace, exactamente, el amor?… La pieza, tocada de una luz espectral, consigue una comicidad que revela cómo, a pesar de la civilización y el refinamiento, en lo más profundo de nosotros mismos reinan irreductibles los instintos, las pulsiones y los deseos. Las risas, los llantos y las confusiones del texto que Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux – el gran filósofo de los malentendidos amorosos – escribió en 1727, resucitan en este montaje, esbozando un inmenso paisaje emocional, lleno de lucidez y modernidad. Esta versión de La seconde surprise de l´amour (La segunda sorpresa del amor) – estrenada en noviembre de 2007 en París-Nanterre – marca la vuelta de Bondy a Vidy-Lausanne, después de John Gabriel Borkmann y En attendant Godot. SOBRE LA COMPAÑÍA De renombre internacional, el Théâtre Vidy-Lausanne se ha constituido desde hace años como una de las principales instituciones culturales de Suiza. Construido por Max Hill, es uno de los raros vestigios de la Exposición Nacional de 1964. Sus cuatro salas presentan una treintena de espectáculos al año, ofreciendo un amplio repertorio de registros, con un total de cuatrocientas representaciones anuales. Desde septiembre de 1999 a junio de 2004, las producciones del Vidy-Lausanne se han presentado en más de treinta países diferentes, en Europa, Asía y América. Peter Brook, Heiner Goebbels, Joel Jouanneau, Matthias Langhoff, Lukas Hemleb, Josef Nadj, James Thiérrée, Jacques Lassalle, Omar Porras, Beno Besson o Irina Brook han presentado sus espectáculos en Vidy-L, “el más hermoso teatro del mundo”, según Michel Piccoli. Dramaturgia: Dieter Sturm
”DESPUÉS DE TODO, LA RELIGIÓN HA ESTADO PRESENTE
Por primera vez en Madrid – después del éxito cosechado durante años en festivales como el Theaterfestival de Bruselas y el Festival d´Automne de París – la compañía belga tg STAN presenta The Monkey Trial, un espectáculo teatral basado en las transcripciones del “Juicio Scopes”, también llamado “Juicio del siglo” o “Juicio del mono” por la prensa de la época. El 10 de julio de 1925 el estado de Tennessee llevó a los tribunales a John Scopes, un joven profesor de Biología que, a pesar de las restricciones legales, acercó a sus alumnos las teorías evolucionistas de Darwin, incluyendo el parentesco entre el ser humano y el mono. El caso desembocó en una lucha titánica entre fundamentalismo y evolucionismo, entre religión y ciencia, entre dogma y libertad intelectual. Esta confrontación emocional entre evolución y creación fue también el primer proceso jurídico retransmitido por radio en Estados Unidos. En la acusación, el candidato presidencial William Jennings. En la defensa, el fiscal anticlerical Clarence Darrow. En el escenario, actualidad, sátira, polémica, comicidad, papeles cambiantes y un desarrollo argumental casi cinematográfico, con momentos de clímax que recuerdan a clásicos del género como Twelve Angry Men (Doce hombres sin piedad). “No es Scopes quien comparece ante el tribunal, sino la civilización entera”, dice Clarence Darrow en uno de los momentos culminantes de esta pieza. The Monkey Trial se estrenó, en su versión inglesa, el 1 de noviembre de 2007 en el Kulturhuset de Estocolmo. SOBRE LA COMPAÑÍA Jolente de Keersmaeker, Damiaan De Schrijver, Waas Gramsery Frank Vercruyssen se graduaron juntos en el Conservatorio de Amberes en 1989. Alejándose de la línea de las compañías ya existentes, a las que consideraban imbuidas de un excesivo esteticismo, experimentalismo y sometimiento a la voluntad de los directores, decidieron crear Toneelspelersgezelschap STAN (tg STAN). Después de unas cuantas producciones, Waas Gramser abandonó el grupo y fue sustituido por Sara de Roo. Dos pilares definen tg STAN: el actor como núcleo del proceso teatral y la heterodoxia. Esta huida de los dogmas se refleja en el mismo nombre de la compañía S(top) T(hinking) A(bout) N(ames), en español, “deja de pensar en los nombres”, así como en su repertorio. Una híbrida colección de textos (Chéjov, Bernhard, Ibsen, Wilde, Shaw y Diderot, entre otros) que invariablemente expresan una crítica social. Algunos de los últimos trabajos de la compañía – representados, aparte de en flamenco, en inglés o francés son My dinner with André, Alles is rustig, La carta, In Real Time, vandeneedevandeschrijvervandekoningendiderot, Poquelin, Berenice y Het was zonder twijfel een ongeluk. Iluminación: Thomas Walgrave
“DYBBUK CONDUCE A UNA CRISIS QUE DESEMBOCA EN ORDEN…”
Escribe Tadeusz Sobolewski, crítico de la Gazeta Wyborcza, que el Dybbuk de Warlikowski es la negación del sentimentalismo oscarizado de las películas sobre los judíos y el holocausto, de esas escenas que permiten al espectador derramar una lágrima y volver tranquilamente a su realidad cotidiana. Es una voz honesta y dura, imbuida en su propia sensibilidad y carnalidad. Una voz que parte de la experiencia de la generación que tiene ahora cuarenta años y también de su no experiencia de la Fatalidad y de Dios. Una no experiencia que, sin embargo, también es perturbada por el dybbuk judío, ese espíritu condenado que según la tradición hebrea toma posesión del cuerpo de las personas vivas para expiar sus pecados o subsanar las injusticias que sufrió en vida.
Para el propio Warlikowski – alumno de Krystian Lupa, colaborador de Peter Brook, referente en los grandes festivales europeos y ganador de la última edición (2007) del X Premio Europa a las Nuevas Realidades Teatrales – "The Dybbuk es la continuación de la vida. Es también el testimonio de la transmigración de las almas. Hoy, el dybbuk encarna la memoria de la que no nos queremos librar, que queremos cultivar, la memoria que tiene el poder de salvarnos". La obra se basa en tres textos diferentes: el primero está compuesto por siete cuentos cortos, el segundo es Dybbuk de Szymon An-ski y el tercero es el cuento del mismo titulo escrito por Hanna Krall. The Dybbuk se estrenó en octubre de 2003 en el Midzynarodowy Festiwal Dialog (Festival Internacional de Teatro Dialog) en Wroklaw. SOBRE LA COMPAÑÍA Krzysztof Warlikowski (Szczenin, Polonia, 1962) estudió Historia, Filosofía y Lenguas Romances en la Universidad de Cracovia e Historia del Teatro Griego en la Sorbona de París. Alumno de Krystian Lupa en el Ludwik Solski State Theatre School, también asistió a talleres impartidos por Ingmar Bergman, Giorgio Strehler y Peter Brook, con el que colaboró en el montaje de Impressions of Pelleas para el Bouffes du Nord de París. A lo largo de su carrera, ha dirigido espectáculos de, entre otros, Canetti, Dostoievski, Shakespeaere y Labiche, aunque las principales fuentes de inspiración de su universo creativo son el mundo clásico y la Biblia. Para el Stary Teatr ha dirigido The Marquis of O., de Heinrich von Kleist y para el Teatr Nowy, Roberto Zucco, de Bernard Marie Koltès, montaje que le valió su fama de provocador. En 1999 comenzó su colaboración con TR Warszawa. También ha presentado proyectos en el Theater der Welt y el Hebbel y participado en los más prestigiados festivales del mundo, como el de Avignon y el BAM Next Wave. Es Oficial de la Orden de las Artes y las Letras, galardón que le fue otorgado por el Gobierno de Francia en el año 2004. Idioma: polaco (con sobretítulos en español)
“EL TEATRO NUNCA TIENE RESPUESTAS…”
Por qué el teatro. Por qué por qué. Sobre el escenario, una mujer. Los pantalones grises, demasiado anchos, demasiado largos, amarrados a la cintura con una bufanda roja. Alrededor del cuello, un talismán; sobre la cabeza, un turbante. A su lado, un músico toca un misterioso instrumento. Dos paredes desnudas les arropan. Warum Warum (Por qué Por qué), el último espectáculo de Peter Brook y el segundo de sus trabajos en lengua alemana, constituye una búsqueda casi litúrgica sobre el origen y desarrollo del proceso teatral. De la mano de la actriz Miriam Goldsmichdt, la pieza se desarrolla a partir de los textos de los más importantes pioneros de la dramaturgia moderna, Antonin Artaud (1896-1948), Edward Gordon Craig (1872-1966), Charles Dullin (1885-1945), Wsewolod Emiljewitsch Meyerhold (1874-1940), Zeami Motokiyo (1363-1443) y William Shakespeare (1564-1616). Un proyecto que empezó siendo una disquisición sobre Meyerhold y terminó por convertirse en una investigación sobre la esencia del teatro. Una investigación que busca, en palabras del propio Brook, “crear un mosaico en el que la voz de Shakespeare reverbere junto a la de otros grandes, como un eco en el presente” para hacer visible lo que está presente, para materializar en escena lo que está vivo. Warum Warum se estrenó en la Schauspielhaus de Zúrich el 17 de abril de 2008. SOBRE LA COMPAÑÍA Peter Brook (Londres, 1925) es una de las figuras más influyentes del teatro europeo contemporáneo. Desde que dirigió en 1943 su primera obra, ha llevado a escena más de setenta piezas en Londres, París y Nueva York. Su trabajo con la Royal Shakespeare Company incluye Love´s Labour´s Lost (1946), Measure for Measure (1950), Titus Andronicus (1955), King Lear (1962), US (1966), A Midsummer Night´s Dream (1970) y Antony and Cleopatra (1978). En 1971 funda el Centro Internacional para la Investigación Teatral en París y tres años más tarde establece su base permanente en el Théâtre des Bouffes du Nord, donde ha dirigido obras como Timon of Athens, The IK, Conference of the Birds, The Mahabharata, The Tempest, Tierno Bokar, The Grand Inquisitor, Sizwe Banzi est Mort y Fragments. También ha dirigido óperas para el Covent Garden de Londres y el Metropolitan Opera House de Nueva York y películas como El señor de las moscas o el Mahabharata. La autobiografía de Brook, Hilos de tiempo, se publicó en 1998 y se unió a otros títulos como The Empty Space (1968), Evoking (and Forgetting) Shakespeare (2002) y There are No Secrets (1993), traducidos a quince idiomas. Traducción al Alemán: Miriam Goldschmidt
“CAHIER… ESTÁ MARCADA POR LA IMPACIENCIA DE UN JOVEN DE 25 AÑOS,
Poema fundamental de la obra de Aimé Césaire, Cahier d’un retour au pays natal (Cuaderno de un regreso al país natal) tiene profundas raíces en la realidad social, histórica y geográfica de las Antillas Francesas de entreguerras. En aquella época, Francia, y Europa en general, reinan como amos sobre sus imperios coloniales, especialmente en África y las Antillas. Los únicos países negros libres eran entonces Haití y Liberia. En aquella época, las tesis racistas del Conde de Gobineau, diplomático y escritor francés, sobre la desigualdad de las razas alimentaba la filosofía del III Reich. En aquella época, Josephine Baker, la Reina de París, se despojaba de su cinturón de plátanos. En aquella época, Aimé Césaire, Léopold Sedar Senghor y Léon Damas inventaron la negritud y devolvieron a la mujer y al hombre negros su dignidad como seres humanos. Cahier d’un retour… se inscribe dentro de esta realidad. Si André Breton escribió que “este poema no es más que el más grande monumento lírico de nuestra época”, resulta obligado reconocer que su mensaje humanista ha sobrepasado su época y continúa alertando nuestras conciencias. El lenguaje de Césaire necesita ser hablado tanto como ser escuchado. Una poesía viva, rica, exuberante a la vez que precisa, afilada, incluso cuando juega a sorprendernos por la inventiva de su música. Pues aquí, el inventor es claramente un genio. “Mi boca será la boca de los desgraciados que no tienen boca, mi voz, la libertad de los que se hunden en el calabozo de la desesperanza”. SOBRE LA COMPAÑÍA Aimé Cesaire nació en La Martinica en 1913, donde murió en 2008. A los 26 años publica Cahier d’un retour au pays natal, primera de las obras que harán de él uno de los más grandes poetas en lengua francesa del siglo XX. Cahier… se convertirá en un texto fundamental como símbolo del orgullo y la dignidad recuperadas de los pueblos negros de todo el mundo. La Compagnie de la Comédie Noire, creada en el año 2000, tiene como objeto favorecer la representación de personas pertenecientes a minorías visibles. Para conseguirlo, desarrolla los medios que permiten la creación, producción, promoción y difusión de acontecimientos culturales, especialmente de obras de teatro y cine. Otros espectáculos presentados por la compañía han sido la obra de teatro Cannibales, de José Pliya, y la ópera para público a partir de cinco años Hansel y Gretel según Engelbert Humperdinck. Jacques Martial, muy conocido en Francia por su participación en la serie de televisión Navarro, ha desarrollado una importante parte de su carrera en el teatro, así como en la enseñanza y en la dirección. Es presidente del Parque de la Villette de París desde 2006. Escenografía: Pierre Attrait
“UNIR PALABRA Y MÚSICA RESULTA TERRIBLEMENTE GRATIFICANTE CUANDO
SOBRE LA COMPAÑÍA Barcelona ad libitum es una división de la Agencia Literaria Carmen Balcells S.A. cuyo afán es estimular el talento musical y la búsqueda de nuevas ideas que aporten una visión original del formato y la puesta en escena. Entre los espectáculos que ha producido se encuentra el ciclo Música de Libros cuyo principal objetivo es tender un puente sonoro entre lector y oyente, entre silencio de la lectura y la música que se esconde tras las palabras. El ciclo se inició con el espectáculo La música que Cervantes habría escuchado en la radio, coincidiendo con el cuarto centenario de la publicación de El Quijote. En 2005 se puso en escena El pianista basado en la novela homónima de Manuel Vázquez Montalbán con Juan Diego, el pianista Jordi Masó y dirección de Xavier Albertí. Lurdes Barba inició sus estudios teatrales en la escuela Nous Estudis de Albert Boadella. Ha colaborado con conocidos directores, como Rafael Durán y Carme Portacelli y ha obtenido varios premios en su doble faceta de intérprete y directora. Dirección Musical: Dani Nello y Jordi Prats
“HACER LA PELÍCULA QUE ANDY WARHOL NO HIZO…”
Factory 2 es una fantasía colectiva, un proyecto coral inspirado en los trabajos de Andy Warhol y liderado por el gran director polaco Krystian Lupa, que ya en la edición anterior del Festival de Otoño de Madrid presentara Wymazywanie (Extinción). El montaje – con un elenco de diecinueve intérpretes – lleva a escena un momento histórico y una biografía a la vez real y mítica, utilizando para ello las mismas técnicas que Warhol usó en sus creaciones. En escena, discusiones, improvisaciones, experimentos fílmicos y una cámara que acompaña todo el proceso. Reunidos en la Silver Factory, el estudio de creación de Warhol en la East 47th de Nueva York, artistas, modelos, directores de cine, pintores, publicistas y The Velvet Underground. Una tribu de personajes divergentes, extravagantes, coloridos, unidos por el arte y alejados de lo que la sociedad ratifica como racional y aceptable. Y más allá de la bohemia neoyorquina, llenando el escenario, sobrecogiendo al público, la presencia del icono y la soledad del hombre. En definitiva, un trabajo híbrido que sintetiza en un sorprendente binomio a Warhol y a Lupa – conocido principalmente por sus trabajos basados en la obra de Thomas Bernhard – y que se estrenó el 16 de febrero de 2008 en el Stary Teatr de Cracovia SOBRE LA COMPAÑÍA El Stary Teatr de Cracovia, fundado en 1781 por el actor Mateusz Witkowski, es uno de los más antiguos teatros públicos polacos. Su repertorio se caracteriza por la variedad en la elección de obras clásicas y contemporáneas y la cooperación con los grandes directores de la escena europea. Desde 1945, el Stary ha presentado 573 producciones y participado en festivales como el Edinburgh International Festival, el Holland Festival o el Festival d´Automne de París, entre otros. En España, ha presentado espectáculos como Karamasov Brothers, Ritter, Dene, Voss – en el año 2006 en el Festival de Otoño de Madrid – y Kalwerk. Krystian Lupa (Jastrzebie Zdroj, 1943), figura fundamental del teatro polaco contemporáneo, hizo su debut profesional en 1976, con una producción de Slawomir Mrozek, Rzeznia (Matadero). Condecorado con la Cruz al Mérito de Austria y la Orden de las Bellas Artes y Humanidades de la República Francesa, es considerado un maestro en la creación de realidades internamente coherentes. A menudo traduce y adapta los textos que lleva a escena, simultáneamente diseñando la escenografía y dirigiendo los montajes. Asistencia a la dramturgia: Iga Ganczarczyk y Magda Stojowska
“DECIMOS QUE LA ESCLAVITUD FUE ABOLIDA, PERO ESO ES FALSO,
“Una serie de apuntes, imágenes y acciones, que versan sobre la guerra por la independencia… por independizarse la gente de sus compromisos con los bancos; de los hijos cuando se convierten en nuestros jueces y carceleros y dejan de ser encantadores; de una vida que se repite estúpida y desafiante cada minuto; del precio de la gasolina y de la ofensa constante de la televisión. También sobre las contiendas perdidas frente a la costumbre, y sobre las hostilidades silenciosas en el desayuno, y de la guerra de los camiones de la basura. No faltarán comentarios acerca de la cruzada que la clase dirigente tiene en marcha contra las nociones más elementales de filosofía, ética y conocimiento. Pero en el fondo, la obra cargará sus tintas sobre la lucha íntima por independizarnos de las opiniones que los otros escupen acerca de nosotros sin el menor reparo; meros espejismos, teniendo en cuenta que cada cual morimos solos y ahí es nada… a ver cómo nos apañamos para vivir juntos en paz”. Es el planteamiento de Rodrigo García, autor y director teatral que concibe su obra por y gracias a los actores. Un particular método le hace imaginar las cosas y contárselas a los intérpretes de la peor manera posible, para que nadie pueda copiar su propuesta. La sensibilidad, personalidad, el pasado y las ideas de cada cual perfilarán el aspecto final de la pieza. Sus creaciones están sometidas a una estructura teatral y a unas convenciones que constituyen su propio juego: crear tensión, estirar el modelo teatral para ver hasta dónde aguanta. “Mi obra habla de educación y de la dificultad de vivir juntos sin hacernos mucho, mucho daño. Habla de la necesidad de trascendencia que hay en todo ser humano, mi obra clama por una espiritualidad… laica”. SOBRE LA COMPAÑÍA Rodrigo García es uno de los más notables dramaturgos-directores del cambio de siglo en España. Nacido en Argentina, pero afincado desde muy joven en Madrid, su acercamiento al teatro comienza con obras como Acera Derecha ( 1989), Prometeo ( 1992) o Notas de cocina (1995). Él mismo dirigió los estrenos de sus piezas con su compañía La Carnicería. Desde sus primeras puestas en escena, resultó evidente su interés por las artes visuales, especialmente la instalación, así como por la música, las canciones y la gestualidad de los actores. Tras el éxito de Conocer gente, comer mierda (1999) y Haberos quedado en casa, capullos (2000) en el circuito de salas alternativas, Rodrigo García estrena Aftersun (2001). Autor de una dramaturgia corporal que logra un amplio reconocimiento internacional, sus siguientes espectáculos, Compré una pala en Ikea para cavar mi tumba, La historia de Ronald Macdonalds y Jardineria humana han sido presentadas en los principales teatros y festivales europeos, convirtiéndolo también en uno de los artistas con mayor protagonismo de la escena internacional del momento. Iluminación: Carlos Marquerie
“ME PARECIÓ ESENCIAL TRABAJAR SOBRE UNA PIEZA
Rememorando el Bucarest cosmopolita de los años treinta y cuarenta, la cantante francesa Nathalie Joly lleva a escena un repertorio cíngaro de baladas y leyendas populares. Canciones que hablan de la opresión, de los grandes amores, del dolor de la pérdida, de los destinos trágicos y las existencias épicas.
Paris Bukarest – del que también se ha publicado un CD y que ha sido distinguido con un Label Francophonie – se estrenó en el Instituto Francés de Casablanca en el año 2006 y ha estado de gira en el Festival de Avignon, el Festival Underground de Transilvania, el Instituto Francés de Bucarest y en la capital de Afganistán, entre otros muchos lugares. SOBRE LA COMPAÑÍA A lo largo de su carrera artística, Nathalie Joly se ha inspirado en la combinación de narración y música para crear espectáculos en los que alternan composiciones inéditas y canciones de repertorio de los años treinta y cuarenta. Entre sus piezas encontramos Je sais que tu es dans la salle, sobre Yvonne Printemps y Sacha Guitry; J´attends un navire y Cabaret de l´exil, sobre Kurt Weill y Cafés Cantantes, con canciones de superstición andaluzas. Acaba de crear con motivo del ciento cincuenta aniversario del nacimiento de Freud y por encargo de la Société Psychanalytique de París, Je ne sais quoi, que se representará en noviembre y diciembre de este año en el Théâtre de la Tempête de París. Entre otros galardones, esta actriz y cantante ha obtenido por unanimidad el Primer Premio de Canto en el CNR de Boulogne Billancourt. También ha trabajado con directores como P. Adrien, M. Rostain, A. Françon, M. Durozier y L. Wurmser, así como con compositores como M. Ohana, C. Sebille y P. Legoff. Sus espectáculos, en la frontera entre el teatro y la música, llevan a escena a personajes que recuerdan la tradición del cabaret. Su búsqueda abierta a las culturas del mundo ha dado lugar a una película documental titulada Tashakor, realizada en Kabul, Afganistán. Acordeón y Arreglos: Thierry Roques
“¿QUÉ SIGNIFICA EL CRIMEN EN EL CONTEXTO DEL TRABAJO DE GENET?
SOBRE LA COMPAÑÍA La Volksbühne, situada en el centro de Berlín, nació en 1914 como resultado de un movimiento espontáneo y popular. Erwin Piscator en 1920 y Benno Besson en 1970 ejercieron una gran influencia sobre el teatro. Después de la caída del muro de Berlín, Frank Castorf se convirtió en su director artístico y la Volksbühne en el quizás más exitoso y controvertido teatro de la Alemania reunificada. Con el paradójico objetivo de erigirse al mismo tiempo en institución elitista y popular, pretende dinamitar los límites clásicos del teatro a la vez que los confirma a partir de una reflexión iconoclasta. La Volksbühne practica un entendimiento muy amplio del teatro, incluyendo entre sus proyectos películas, música rock, vanguardia electrónica, internet, literatura, política y economía, así como los cada vez más conocidos “Fines de semana temáticos”, que contribuyen al concepto de “teatro expansivo”. Sus producciones se han presentado en teatros y festivales de todo el mundo, difundiendo su imagen, asociada a las investigaciones sismográficas de Frank Castorf, la obra de Christoph Marthaler y el redescubrimiento del teatro de Dimiter Gotscheff. Asistente De Dirección: Geofrey Layton
“DEBEMOS SEGUIR PREGUNTANDO PORQUE,
SOBRE LA COMPAÑÍA Apata Teatro se creó en mayo de 1999 de la mano de un conjunto de profesionales de las artes escénicas que decidieron unirse para elaborar proyectos teatrales a su medida. Todos provenían de Escuelas Superiores de Arte Dramático de distintos puntos de la geografía española y compartían un mismo objetivo creativo: favorecer un teatro accesible, popular y comprometido que indagase tanto en las nuevas dramaturgias como en los nuevos lenguajes escénicos para buscar su propia voz. Siguiendo la trayectoria iniciada con Borja Órtiz de Gondra y continuada con Pedro Rivero y Jesús Laiz, la compañía sigue apostando por la colaboración con autores de la dramaturgia española y este año junta a cuatro voces contemporáneas: Yolanda Pallín, Laila Ripoll, José Ramón Fernández y Jesús Laiz. Además de estos proyectos, Apata Teatro no pierde de vista sus raíces teatrales: en el 2006 presentó Tito Andrónico, de William Shakespeare y este año No puede ser, de Moreto, actualmente de gira por España. Espectáculos anteriores de esta compañía madrileña son Fobos y Zona Cero, ambas con dirección de José Bornás. Escenografía: Alejandro Andújar
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Actores sin techo ensayan una obra. La vida y la muerte de la indigente Rosario Endrinal, asesinada por tres jóvenes en el cajero de un banco. La improvisación es su método. Las dificultades de los intérpretes y la presión de la fecha de estreno, su reto. Luz es la directora del taller, dispuesta a intentarlo todo. Pero será precisamente Charito, la actriz protagonista, la que caerá del cielo y resolverá con espíritu burlón los escollos de los ensayos y el bloqueo de la autora. 
Julio Cortázar
