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La cocina es por definición el espacio donde uno vive, la habitación donde todo pasa y generalmente el lugar para encontrarse con otros. Un delimitado territorio para compartir, donde las fuerzas de cada grupo encuentran su equilibrio y se hacen preguntas. El lugar donde todas las tensiones se relajan… o estallan. En su último trabajo, Katarzyna Gdaniec (Skorcz, Polonia) y Marco Cantalupo (Génova, Italia) han coreografiado la efervescencia de la vida, desde que comienzan los sentimientos hasta que la furia los hace desaparecer. Y qué otro lugar más apropiado que la cocina, vista como un territorio de mutuo reconocimiento y también de enfrentamiento. La cocina no es sólo el lugar donde los cuerpos se alimentan. También es un recinto hermético y exuberante que genera emociones y cuenta historias en las que cada uno puede reconocerse a sí mismo. En esta cocina, la pasión crece y la violencia va de la mano. El cuerpo es amasado, enrollado, golpeado como una masa. Lanzado al suelo o manipulado de una manera brutal por el otro, puede ser voluptuoso y consentido a las caricias. Presentada como la reina de la cocina, la mujer aparece como una esclava cuyo cuerpo sirve como una aspiradora del amor y de la escoria emocional. Detrás de la belleza del baile emerge la brutal realidad de la violencia marital. Sobre Katarzyna Gdaniec y Marco Cantalupo fundaron Linga en 1992. En 1993, les ofrecieron tener su residencia permanente en el Teatro Octogone Theater en las ciudades de Pully y Lausanne (Suiza), un importante Teatro Nacional. Sus trabajos, su físico y su estilo poco convencional llevaron a la fama a la compañía, que ha sido la anfitriona de los festivales y teatros más importantes de Europa, Sudamérica y Oriente Medio. La compañía y los coreógrafos han sido galardonados con prestigiosos premios y sus trabajos pueden encontrarse dentro del repertorio del Ballet Dresdner, el Ballet de la Ópera Mannheim, la Ópera Ballet de encontrarse dentro del repertorio del Ballet Dresdner, el Ballet de la Ópera Mannheim, la Ópera Ballet de Florencia, el Ballet Nacional de Portugal y el Ballet de la Ópera de Ankara. Música: Frank Sinatra, Johnny Mathis, Taylor Dupree, Bernhard Gunter, Colleen Paul Wirkus, Mika Vanio & Carsten Nicolai, To Rococo Rot, Richie Hawtin, CAN
Del amor y otras cosas recorre distintos estados emocionales, como la dependencia, la pasión, la rutina…, a través de sus seis escenas: La fruta de la pasión, Un pensamiento, La necesidad del amor, amor, Detrás de un día, otro, Y un día se me olvidó quererte y Mi memoria. Para plasmar estos sentimientos, Rafaela Carrasco recurre al baile y a la coreografía, utilizando además una escenografía y un vestuario muy especial, ambos diseñados por Elisa Sanz, que dan al espectáculo un sentido muy moderno. Y es que, como ya ha mostrado en anteriores producciones, el suyo no es un flamenco convencional. Además, Carrasco se rodea de artistas de la talla de Teresa Nieto, fundadora de la compañía Arrieritos, en la dirección, y Daniel Doña, como pareja de baile. El baile de Rafaela Carrasco tiene un corte más flamenco, mientras que el de Daniel Doña está enraizado más con el clásico español y últimamente con el contemporáneo. Para Rafaela Carrasco esta obra es una reflexión “del amor y sin hablar de amor. Del trayecto que siguen dos personas que se encuentran y viven con toda la intensidad el momento. De un encuentro casual pero irreversible”. Coreografía: Rafaela Carrasco, Daniel Doña
Esta obra, creada para el XXII Festival Internacional Madrid en Danza, es una creación colectiva que parte de una idea original de Chevi Muraday, director de Losdedae y Premio Nacional de Danza 2006. Según palabras de Muraday, “la idea de reunir a los Coreógrafos Madrileños es algo que siempre me pareció muy atractivo, y después de tener algunas conversaciones con algunos de ellos pensé que justo era el momento de hacerlo. En estas conversaciones todos coincidían en el deseo de ser dirigidos por uno o por otro, poder bailar algo que no les perteneciese y además poder compartir escena y ensayos con estas personas, que de tantas formas vivimos las mismas situaciones”. Teresa Nieto y Carmen Werner se enamoraron enseguida del proyecto y como el resto de coreógrafos apoyaron la idea, “comenzamos a crear una pieza con la cual lo único que se pretende es mostrar en qué situación estamos, mostrarnos tal como somos de una forma distendida y darnos ese homenaje merecido los unos a los otros.” Creación colectiva: Daniel Abreu, Francesc Bravo, Daniela Merlo, Chevi Muraday, Teresa Nieto, Nicolas Rambaud, Mónica Runde, Juan de Torres, Carmen Werner
Frank es un solo creado y ejecutado por Nigel Charnock. Una furiosa mezcla cómica de monólogo improvisado, es un solo creado y ejecutado por Nigel Charnock. Una furiosa mezcla cómica de monólogo improvisado, música y danza. Una obra desvergonzadamente honesta, atrevidamente física y muy entretenida. En ella se mezcla la canción, el monólogo improvisado, el baile… Frank es divertido, perverso, inteligente, maniático, enternecedor… Todo esto en un solo en el que se rompe con los límites del escenario. Charnock lleva desde 2003 de gira presentando Frank, encargado originariamente por artísticas, sintetizando textos con el movimiento, la danza, la música y más recientemente el cine. Sobre Nigel Charnock, miembro y fundador de DV8, creó a su propia compañía – Nigel Charnock + compañía en 1995. Nigel Charnock explora y desarrolla continuamente en el género de la danza, trabajando a través de diferentes disciplinas y medios con los que juega a su antojo en cada creación. Sus producciones se caracterizan por la mezcla de ironía mórbida, entretenimiento furioso y comedia negra. Rompe las fronteras de la interpretación, desarrollando la danza como género a través del trabajo en otras disciplinas y medios. Es famoso, sobre todo, su cuarteto de solos: Human Being, Hell Bent, Original Sin y y Resurrection. Pero además, ha coreografiado compañías de danza en Portugal, Finlandia, Alemania y Reino Unido, entre otros, y ha sido director artístico de También ha creado coreografías para películas, piezas teatrales y para la gira internacional del grupo The Pet Shop Boys. En 2006 Nigel emprende diversos proyectos, entre ellos varios encargos, cursos, actuaciones y composiciones, así como la grabación de un CD. Uno de estos proyectos es Stupid Men, un performance que se que se realiza con el apoyo de Dance 4. En esta pieza participa un conjunto de intérpretes masculinos, entre ellos Adrian Howells y el mismo Nigel. Todos los miembros de este grupo tienen un gran interés por la improvisación y por hacer un teatro audaz y sin refinar. Cada representación se convierte en una experiencia única para intérpretes y audiencia: una improvisación completamente libre y un acto de teatro total. ¡Cada actuación será la primera y la última! Bailarines: intérpretes Nigel Charnock
Este año Galili Dance cumple una década, lo que se celebra con la creación de un nuevo trabajo, Heads or Tales. En esta ocasión Galili Dance estará acompañado por veinte bailarines, de los cuales diez pertenecen a La nueva producción de Itzik Galili es un intenso festín para los sentidos. Una excitante producción a gran escala que será una experiencia teatral total –danza, música en directo, interacción con el público, una iluminación poderosa, vestuario y escenografía. Para Itzik Galili, “la inspiración nace del alma. Cómo ésta se interprete puede ser una abstracción del ‘haber’ o del ‘no haber’. Y esto depende del estado de la dualidad – el reverso de la moneda… La dualidad de la metáfora, de lo cotidiano; lenguaje; significado; del lenguaje y su significado. Me he dado cuenta de que esta fascinación ha sido el hilo conductor de muchos de mis trabajos de estos últimos diez años y incluso anteriores. Me siento atraído por la búsqueda del individuo de ‘autoreconocimiento’ tanto si es a través de la ‘Cabeza’ – lo racional o intelectual, como a través del ‘Cuento’ – lo narrativo o emocional. Todos nos esforzamos por ser únicos. Del mismo modo todos somos seres humanos con sus rutinas diarias. Tenemos rituales y hábitos similares. De hecho… cada uno de nosotros está intentando encontrar un único camino, deseando por una parte ser individuo y por otra, ser apreciado por todos.” Asistente Artístico: Elisabeth Gibiat
Una vez más, en esta obra que se presenta dividida en dos partes, Virpi Pahkinen combina “la música, la puesta en escena y la iluminación de tal forma que su cuerpo crea su propia caligrafía en el espacio del tiempo. Virpi aporta a la danza nuevas dimensiones y al público un lugar de descanso sin aliento para el alma”, según destacó Sobre Pahkinen, nacida en Finlandia, pero afincada en Suecia, es una de las coreógrafas y bailarinas de danza contemporánea de mayor prestigio. Posee un estilo que se distingue por la concentración, la integridad y una particular elegancia, todo enfocado a la verdadera esencia de la existencia humana. Sus solos han recibido la aclamación de la crítica en más de 30 países, incluidos Australia, México, Sudáfrica y el Líbano. Virpi Pahkinen aporta a la danza nuevas dimensiones y al público un lugar de descanso sin aliento para el alma. Música: Roger Ludvigsen, Gunnar Idenstam
Alma nació como un resumen de la trayectoria de la compañía. Sin embargo, Ananda Dansa no ha querido revivir recuerdos concretos, ni siquiera recrearse en espectáculos pasados. Han preferido mirar al interior y con ayuda de la memoria, revivir las emociones que sintieron en su día. Porque recordar es dejar que aflore el alma. En el alma guardamos el registro de la vida, nuestras vivencias más íntimas. Un recuerdo es un aliado del corazón, una emoción escondida, que vale para confortar y también para divertir (o para hacer sufrir) en secreto a quien lo atesora. Porque todo lo que nos gustó una vez, gustará de nuevo siempre que se evoque. Igual que todo lo que dolió o todo lo que nos irritó. Así, la compañía se ha centrado en lo que más les ha enriquecido en este viaje, que son, indudablemente, las personas, los amigos, con especial añoranza por aquellos que se han quedado atrás, por el vacío que provocan, por el viaje que emprenden… que todos emprenderemos. Pero también han querido en este recorrido llegar al presente. Vivir, sobrevivir… ¿supervivencia? Nos hemos acostumbrado a recubrirnos con un caparazón de buen humor frente a todas las cosas horribles que suceden en el mundo. Y es que, nos decimos, poco podemos hacer contra el despropósito en el que estamos inmersos. ¿O sí? Sobre Ananda Dansa fue fundada en Valencia, durante la temporada 1981-82, por Rosángeles Valls y definida, en sus principios, como compañía de danza contemporánea. Al año de su puesta en marcha experimenta un cambio en su orientación al incorporarse a la misma el director teatral Édison Valls. La compañía inicia un proceso de experimentación y búsqueda de un lenguaje propio, que incorpora a la danza muchos elementos procedentes del teatro, a la vez que se esfuerza por conseguir una peculiar síntesis entre ambos, en la que ocupa un lugar destacado la concepción dramatúrgica, que es la que, en gran medida, orienta y da sentido a la propuesta. En este sentido, podría decirse que Ananda Dansa construye sus espectáculos a partir de una mirada crítica sobre la sociedad en la que vive. Una mirada en la que, con el fin de desentrañar las raíces de sus contradicciones, debe sumergirse muchas veces en la memoria, tanto en la propia como en la de las generaciones que le han precedido. Así, temas como la guerra civil española, el terrorismo o la educación sentimental de la mujer bajo la dictadura, han estado presentes en la base de algunos de sus trabajos. Y, al lado de ellos, se han buscado nuevas lecturas, y se han realizado trasposiciones al lenguaje de la danza, de referentes poéticos y dramatúrgicos como Bertolt Brecht; literarios, como Mary Shelley o James Barrie; o musicales como Kurt Weill o Cole Porter. En este trabajo, y a lo largo de sus muchos años de presencia en los escenarios, Ananda Dansa ha ido construyendo y depurando un lenguaje propio, que, más allá de las modas, ha tenido como objetivo principal: consolidar un público y establecer con él relaciones de complicidad y de afecto. Coreografía: Toni Aparisi
Se habla de la imagen. De la importancia que hoy en día tiene el “parecer” frente al “ser”. De cómo aprendemos actitudes estereotipadas para poder formar parte de distintos grupos sociales y asumimos dichas actitudes como la norma a seguir, al mismo tiempo que aprendemos a rechazar otras. La compañía lo describe de este modo: “vísteme despacio que tengo prisa. Prisa por parecer lo que no soy; o de esconder lo que soy. Soy, estoy… ¿o me lo parece? Las apariencias engañan, pero sólo a mí mismo. Porque ante los demás me delatan y me ponen en evidencia. Ya sabemos que el mono y la mona aunque se vistan de seda, y aunque se estiren la piel, y aunque se retoquen la nariz, y aunque se pongan tetas, y aunque se marquen los abdominales, y aunque se metan labios… monos se quedan. ¿O quizás ya no? Yo por si acaso me pongo el hábito, que por algo se empieza. Cría fama y échate a dormir.” El objetivo de Ertza es crear un nuevo espacio en el que diferentes disciplinas del arte tengan su cabida junto con la danza contemporánea, y así enriquecer el lenguaje escénico mediante el diálogo y la interacción de las mismas. A través de la utilización del texto, del personaje, la tecnología audiovisual, o de cualquier otra forma de expresión que propongan los participantes, buscar la forma más fiel, directa y bella de escenificar lo que se pretende decir. Además, la compañía da especial importancia al movimiento que surge directamente de la emoción, despojándola de todo artificio y ordenamiento meramente estético. Sobre Su director, Asier Zabaleta nace en Ezkio (Gipuzkoa) en 1972. Desde 1994 participa como intérprete en las compañías Arteszena, Adeshoras, Compañía de Vicente Sáez, Hojarasca, Q-ro y cía. y Mascarada. Desde el año 1999 hasta el 2004 forma parte de la compañía suiza Alias, afincada en Ginebra, con la que ha participado en la creación de seis obras de danza-teatro y varios proyectos paralelos como películas, exposiciones e improvisaciones públicas. Coreografía: Asier Zabaleta con la colaboración de los intérpretes
En Belle hay una obra dentro de una obra. Belle es teatro y danza. Belle es un es un thriller. Salpicado de sucesos Salpicado de sucesos thriller “thrillerianos”. La premisa es: una compañía se dispone a hacer una obra de teatro y danza basada en la mítica película Belle de Jour, en un homenaje a su director, Luis Buñuel. La compañía prepara su versión Belle de Jour ensayando escenas con diálogos de Buñuel y coreografía inspirada en personajes, imágenes y situaciones del filme. La realidad de los actores y bailarines se entremezclará con la de los personajes que están representando, y no necesariamente de una forma previsible. Se desarrolla una trama de acción, en clave de thriller que refleja algunos de los temas principales que trata Buñuel en su película. Belle de Jour, de Buñuel, indaga sobre las necesidades inconscientes de una mujer burguesa, casada, quien se escapa de dos a cinco de su cómoda y mundana vida. Busca sensaciones, adrenalina, humillación, amor y, fundamentalmente, sometimiento. Belle reflexiona sobre la existencia del instinto primitivo de buscar el placer perverso en la humillación. Es un montaje absolutamente multidisciplinar de teatro, danza y vídeo donde las acciones dramáticas y coreográficas discurren en varios tiempos, planos o dimensiones simultáneas e interactivas. Se intercalan secuencias en una gran pantalla que cubrirá todo el fondo del espacio escénico y el escenario. Todas las escenas audiovisuales son interactivas con la acción en el escenario y con todo el espacio del patio de butacas, aportando lo inesperado y gran versatilidad teatral. Vídeo / Vídeo Creación: Daniel Iturbe
En Limb’s Theorem, William Forsythe explora el abandono total del cuerpo en el espacio. Como bajo el dominio de la música de Thom Willems — pulsaciones rítmicas de los segundos, sonidos electrónicos de una intensidad a veces insoportable— los bailarines intentan golpearse y afirmarse en un medio gigantesco que les amenaza. El movimiento se vuelve refugio, una vía de escape del propio cuerpo. Como observados en el microscopio, se mueven dentro y fuera de las sombras proyectadas por un inmenso proyector. Esta luz, realmente singular en esta coreografía, hace estallar y crea contrastes en el espacio. Divide la escena, empequeñece o agranda las figuras o los grupos de bailarines sumergidos en una atmósfera cegadora y oscura. Los movimientos se vuelven casi irreales, los cuerpos se evaporan. La coreografía de Limb’s Theorem no es narrativa, no encontramos en ella un punto culminante ya que se compone mas bien como una trama, unas veces muy cerrada y otras menos. La linealidad se ve alterada por William Forsythe que crea un universo que alterna frenesí y calma, y que arrastra a los bailarines a fulgurantes aceleraciones, a formas geométricas convulsas, a veces interrumpidas por algunas secuencias mas tranquilas, pero siempre en una tensión extrema. En Limb’s Theorem, reencontramos la “dinámica Forsythe”, un estilo sincopado y repetitivo, violencia e inestabilidad. Es una obra fascinante que equilibra los contrarios, entre lo intelectual y lo corporal. Sobre En casi 20 años, el Ballet de la Ópera Nacional de Lyon ha desarrollado un repertorio de danza contemporánea de excepcional calidad, que ha dado a esta compañía un reconocimiento mundial. Este repertorio cuenta con algunas de las más bellas piezas de Jiri Kylian, Trisha Brown, Mats Ek, William Forsythe, Nacho Duato y Ohad Naharin, todos ellos maestros del arte coreográfico contemporáneo. El Ballet de la Ópera de Lyon subió a la escena internacional en 1987 con Cendrillon. En los años siguientes, ha sido invitado por los teatros y festivales más prestigiosos, ha visitado cincuenta países, y se ha presentado ante los públicos más diversos consiguiendo siempre un éxito indiscutible. Coreografía: William Forsythe
Adaptación visual de Otelo de William Shakespeare, trasladando la obra al lenguaje coreográfico y situándola en de William Shakespeare, trasladando la obra al lenguaje coreográfico y situándola en la cultura española, concretamente en el arte flamenco. Este Otelo toma a Yago como personaje central y reconstruye la tragedia desde la memoria de su remordimiento. Desdémona es la melodía personificada en la sutil guitarrista Carolina Planté, Otelo es la voz encarnada en el cante jondo y personificada por el prestigioso bailarín de malambo argentino Luis López, y Yago es la percusión, representado por el zapateado y la noción percutiva de Cruceta. Disección emocional del crimen que supone el fin de Desdémona y también de Otelo. Celos, envidia, frustración, ansiedad, odio, prejuicio, muerte… Diferentes lenguajes coreográficos dan vida a este crudo retrato de las carencias de la condición humana. Sobre Compañía formada hace siete años, apoyada y subvencionada por en el Festival de Otoño 2000 con gran éxito de crítica y público. Sus siguientes trabajos son Hechiceros, Yenyeré, En Rojo Vivo y En Rojo, montajes que consagran a la compañía por su capacidad para aunar con éxito el flamenco y otras tendencias dancísticas y musicales (desde música cubana hasta música electrónica). Cruceta Flamenco, que lidera Mariano Cruceta, ha viajado fuera y dentro de nuestras fronteras, obteniendo grandes éxitos y presentando espectáculos sorprendentes por su originalidad y vanguardista concepción del flamenco. Música: Juan Manuel Basabilvaso, Carolina Planté, Mariano Cruceta
La nueva propuesta creativa de Eva Yerbabuena sintetiza las diferentes creaciones coreográficas que ha ido presentando la bailaora desde 1998, año en que creó su propia compañía. Una mirada hacia atrás con vistas al presente, que reúne las mejores coreografías de los cinco montajes que ha realizado con su compañía. Imágenes retrospectivas que muestran la labor artística y creadora de una de las bailaoras más importantes del panorama actual del flamenco. Para Eva Yerbabuena, “lo mejor de la noche es el silencio. Con ella se descubre que, o bien la luz no tiene la importancia que creemos, o que en la oscuridad la vida es más intensa. Por eso es conveniente muchas veces impedirle a los ojos la mirada, asumir ese reto de sentir, de otorgarle sabor a lo que olemos, tocamos o escuchamos sin saber de su aspecto, su forma o su color. Sólo así damos vida al centinela del reto, aquel que nos hace entender que a través del tiempo vive la creación. Desde la huella del momento sagrado y su transformación en una gran marea en cuya espuma sólo algunos poseen el privilegio de poder descubrir lo que hemos sido, somos o esperamos llegar a ser un día”. Escenas: De
En el carácter torcido de Lynn, conocemos a una persona que lo ha vivido todo. La historia de una mujer que, con su doble carácter, parece haber pasado por todas las etapas de la vida. ¿De qué manera se enfrenta ella a la explotación de la vida? ¿O no se enfrenta del todo? Absurda, hábil y cómica. Esta es la historia de una mujer impresionante y que se deja impresionar. Una mujer que conmueve y se deja conmover. Nos encontramos ante un espectáculo, como todos los de la compañía sueca Jus de Sobre Charlotta Öfverholm comenzó con Lia Schubert en Suecia, Charlotta se formó sobre todo en Estados Unidos. Está graduada en Cine, TV y Vídeo por Institute de Los Ángeles; fue también alumna extranjera en el American Dance Theatre de Alvin Ailey. La bailaora de flamenco Gabriela Gutarra y Charlotta Öfverholm han creado piezas mixtas de danza clásica española y danza-teatro moderna. Una de ellas era El amor brujo, junto a la bailarina de Gades Stella Arauzo. Coreografía: Charlotta Öfverholm, Joseph Tmim
En este nuevo espectáculo creado el pasado año, Jomar Mesquita nos cuenta la historia de la samba en la ciudad: desde sus orígenes a principios del siglo XX, hasta nuestros días, de la integración de los negros en la sociedad blanca y urbana y de su contribución al nacimiento de una música popular, el choro y la samba. Todo comenzó con el nacimiento del choro en Río de Janeiro a finales del siglo XIX. Tras la abolición de la esclavitud, el proceso de integración de los negros en la sociedad pasa claramente por la música y la danza. De ahí nacerán primero el choro y luego la samba. El choro es la adaptación tropicalizada de otras músicas como fueron el tango, el ragtime o los blues de Nueva Orleáns. El choro es una de las primeras músicas populares nacionales de Brasil, precedente de la samba en algunos decenios. Para el compositor Heitor Villa-Lobos, es el alma musical del pueblo brasileño. Es una música rica armónicamente, que mezcla tango, polca y música africana. Posteriormente llega la samba, que está construida alrededor de la percusión que los esclavos africanos trajeron con ellos al Brasil. Esta obra es, en definitiva, un homenaje a la libertad, al mestizaje… a Brasil. Una obra elegante que nos dejará una sonrisa y nos mostrará las posibilidades escénicas de un género de danza que habitualmente vemos en otros contextos. Mesquita nos sumerge en el corazón del baile de salón, de hecho, de la danza popular. Todo ello sintetizado en una propuesta de gran modernidad, lejos del folklore. Por eso nos encontramos ante creaciones contemporáneas en las que la atmósfera de cabaret y la luz roja han sido deliberadamente olvidadas y sustituidas por un estilo vibrante y una gran técnica por parte de los ocho bailares que forman la compañía. Sobre De Brasil viene una de las compañías triunfadoras en las dos últimas bienales de estilo, añadiendo técnicas clásicas y contemporáneas e incluyendo elementos teatrales, para finalmente crear un lenguaje propio, innovador. Se trata probablemente, de la única compañía que tomando las técnicas del baile de salón, consigue trascenderlos para ofrecer un espectáculo lúdico, inteligente, dinámico y distinto. Coreografía: Jomar Mesquita + Cia. Mimulus (creación colectiva)
El Ballet Europa se presenta con un doble programa de enorme calidad y sensibilidad. Con Schubert in Love, Jean-Charles Gil nos introduce en el universo más íntimo del compositor austriaco. Después de una primera versión en diciembre de 2004, Jean-Charles nos presenta esta versión más elaborada, concentrada en un trabajo basado sobre la técnica clásica que él lleva a su máxima expresión. En ella los bailarines nos invitan a un viaje lleno de encuentros a través de la danza, entre el clasicismo y el romanticismo. En lo que respecta a Mireille, estamos ante un ballet argumental de nuevo cuño, basado en la novela homónima del Premio Nobel Frederic Mistral, escritor en la lengua “minoritaria” provenzal. Esta novela, que se publicó en 1859, fue rápidamente adaptada a la ópera por Charles Gounov. Jean-Charles Gil se inspira en este poema de Mistral, y crea esta Mireille, que constituye un homenaje a Sobre la Compañía Fundado en el año 2003, el Ballet d´Europe cuenta en su haber con 13 creaciones de las que cinco son de su director y fundador, el español Jean-Charles Gil. Jean-Charles Gil nació en España aunque toda su formación artística la ha desarrollado en Francia, donde comenzó a los 17 años en el Ballet Nacional de Marsella. Posteriormente formó parte del San Francisco Ballet y de los Ballets de Monte Carlo, en los que bailó de En 1999 fundó el Ballet des jeunes d´Europe, dirigido a jóvenes intérpretes europeos. Las obras de la compañía creadas por su fundador son: Petrouchka, primera obra de la compañía, presentada en 2003, One More Time, homenaje a Alfred Hofkunst y Mozart Requiem, que marca el inicio de la colaboración de esta compañía con Jean Michel Bruyère, además de Mireille y Schubert in Love. Música: Músicas de Cámara de Franz Schubert Instrumental de la Ópera de Charles Gounod por Raoul Lay
El 29 de abril de cada año se celebra el Día Internacional de La XIX Gala de celebración de esta fecha, producida y organizada por En cuanto al programa artístico, haciendo un recorrido por los diferentes estilos de la danza, compartiremos con los espectadores un espectáculo de gran calidad de dos horas de duración aproximadamente. Cerca de 50 participantes colaborarán con Es nuestro deseo mediante este acto hacer un reconocimiento a una figura relevante del mundo de la danza, como lo es Victoria Eugenia; que a lo largo de su carrera ha ayudado a formar a grandes artistas dentro y fuera de nuestras fronteras y que, con su creatividad, ha contribuido a la evolución de la danza en España y ha enriquecido, aportando repertorio, el patrimonio artístico de la danza de este país. Para realizar este proyecto, hemos hecho un llamamiento a intérpretes que han trabajado de la mano de esta figura, para plasmar en el escenario la diversidad y riqueza de su legado artístico, coreográfico, docente y sobre todo humano. Realizaremos un video de corta duración donde intentaremos sintetizar la carrera profesional de esta gran artista. Este año participan: Alain Honórez, Altea Núñez, Antonio Márquez, Carmen Cubillo, Currillo, Goyo Montero Morel, Laura Hormigón, Lola Greco, Maribel Gallardo, Trasdanza (Laura Ramos, Mónica García, Óscar Lozano, Ricardo Laura Hormigón, Lola Greco, Maribel Gallardo, Trasdanza (Laura Ramos, Mónica García, Óscar Lozano, Ricardo Santana, Vanesa Medina) y Víctor Ullate Roche, entre otros. Programa de la Gala PARTE I PARTE II
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