Il Trovatore de Giuseppe Verdi. Luisotti-Negrín.TR

Música: GIUSEPPE VERDI
Libreto: SALVADORE CAMMARANO (basado en la obra El trovador (1836) de Antonio García Gutiérrez
Dirección musical: NICOLA LUISOTTI /FRANÇOIS LÓPEZ-FERRER
Dirección de escena: FRANCISCO NEGRÍN
Intérpretes
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
Cantantes: ARTUR RUCIŃSKI / JUAN JESÚS RODRÍGUEZ / GEORGE PETEAN /
MARINA REBEKA / SAIOA HERNÁNDEZ / ANNA NETREBKO /
KSENIA DUDNIKOVA / ANITA RACHVELISHVILI / TERESA ROMANO /
CLÉMENTINE MARGAINE / PIOTR BECZAŁA) / VITTORIO GRIGÒLO /
CELSO ALBELO / YUSIF EYVAZOV / KRZYSZTOF BĄCZYK /
MARKO MIMICA / ROCÍO FAUS / MAR MORÁN /
FABIÁN LARA / MOISÉS MARÍN /
en el
TEATRO REAL (SALA PRINCIPAL)
de MADRID
El 10 de julio será retransmitida a las 20.30 horas
en la pantalla instalada en la Plaza de Isabel II.

Del 29 de junio al 20 de julio de 2026

– Vuelve a Madrid “Il trovatore” de Giuseppe Verdi, la coproducción del Teatro Real, el Teatro de Montecarlo y la Royal Danish Opera presentada en el Teatro Real en 2019, dirigida musicalmente por Maurizio Benini (click).
– En este 2026 será el director honorario del Teatro Real Nicola Luisotti quien dirija la orquesta, cerrando la temporada e inaugurará la siguiente, con Manon Lescaut, de Puccini. En los días 4 y 15 de julio, François López-Ferrer debutará al frente del Coro y Orquesta de los que fue director musical su padre, Jesús López Cobos.
– La puesta en escena de Francisco Negrín procura desenmarañar los hilos dramatúrgicos del truculento drama del español Antonio García Gutiérrez, rescatando su esencia a través de los sentimientos exacerbados de los protagonistas.
– Las funciones estarán protagonizadas por cuatro repartos – con 12 nacionalidades- en los que destacan las sopranos Marina Rebeka, Saioa Hernández y Anna Netrebko (Leonora); los tenores Piotr Beczała, Vittorio Grigòlo, Celso Albelo y Yusif Eyvazov (Manrico); los barítonos Artur Ruciński, Juan Jesús Rodríguez y George Petean (El conde de Luna); y las mezzosopranos Ksenia Dudnikova, Anita Rachvelishvili, Teresa Romano y Clémentine Margaine (Azucena). Todos estos cantantes han actuado ya en el Real, con excepción del tenor Vittorio Grigòlo y de la mezzosoprano Anita Rachvelishvili, que debutarán en su escenario.
– Las funciones de “Il trovatore” están patrocinadas por la Fundación Santander.

Siglo XV, una Vizcaya y un Aragón de ambiente sombrío. El trovador Manrico y el conde de Luna compiten por el amor de Leonora, la cual ama a Manrique. Este triángulo amoroso se cruza con una historia del pasado. La madre de la gitana Azucena, acusada de brujería, fue quemada vida en la hoguera por decisión del padre del Conde de Luna. Azucena buscó venganza y raptó al hijo menor del Conde y lo arrojó al fuego. Hubo una confusión que desencadena la tragedia.

Vuelve la aclamada producción del Teatro Real (2019) dirigida escénicamente por Francisco Negrín de “Il trovatore”, uno de los títulos más populares de todo el repertorio operístico verdiano, que junto a “Rigoletto” y “La traviata”, forman la llamada trilogía popular verdiana. 

NICOLA LUISOTTI, dirección musical

TRES “TROVATORE” EN EL REAL Y CON
DOS DE ELLAS CIERRA TEMPORADA.

Esta recuperación de 2026 la dirige Nicola Luisotti y con ella se cierra la temporada operística del Teatro Real 2025/26.  Curiosamente Nicola, en la temporada del Teatro Real 2006/07, dirigía musicalmente “Il trovatore”, la producción del Covent Garden del año 2000 (click) con la dirección escénica de Elijah Moshinsky, que también cerraba temporada. En el 2019 Nicola volvía a dirigir “Il Trovatore” (click) en la versión de Francisco Negrín, la misma que se recupera ahora en 2026. Así pues, son tres “Trovatore” de Nicola Luisotti para el Teatro Real. A pesar de esta experiencia Nicola siempre usa un método de trabajo antes de enfrentarse con los cantantes, el Coro y la orquesta.

Hay que estudiar la composición y mucho. Intentar entender por qué Verdiha escrito cosas y no ha escrito otras. Antes de venir aquí he ido al archivo histórico Riccordi para ver la partitura original que Verdiescribió en 1853 para el teatro Apollo de Roma. He abierto la partitura. Normalmente se usan los guantes. Los pedí y el archivista me dijo, “No, maestro, para usted, no guantes” (risas)¡Que honor! Entonces he tocado todas las páginas con las palmas de las manos para saber que Verdime hablaba, y me he ido a mi casa a estudiar, de nuevo, la partitura intentando ver si me había olvidado algo durante las ediciones anteriores. Antes de ser director orquesta era un estudioso muy serio, no para hacerlo bien, porque no se puede hacer bien. Se puede hacer, pero bien, no lo sabemos, lo que se hace un trabajo serio para presentarlo al público con la impronta de Verdi.     

ESCRIBÍA DIRECTAMENTE LAS PARTES DE LA
ORQUESTA CUANDO ESTABA EN EL TEATRO

Tras ese estudio y palpar la partitura con las manos, Nicola concluye que

La partitura está incompleta. Es un secreto que puedo desvelar. Abres la partitura y hay un poco de cuerdas en la parte superior de la página y otra en la inferior. Las palabras entre esas dos líneas. Luego páginas en blanco, páginas en blanco, páginas en blanco… La partitura no está completa. ¿Qué significa? Verdi no tenía tiempo para escribir todo. No era como Wagner o Mozart. Wagner escribía todo, Mozart escribía todo. Verdi escribía una parte que se llama “esqueleto”, y después tomaba la parte para el piano y escribía “Aquí van los clarinetes, el oboe, los metales, las percusiones…” y después tomaba las partes separadas y empezaba a escribir las partes para la orquesta. Él no orquestaba cuando estaba en su casa, porque antes debía saber qué instrumentos podía tener durante la producción. Una vez que sabía, cuántas violas, cuántos violines, cuantos chelos, cuántas percusiones…, tenía la “banda”. En el teatro de la Fenice tenía la banda, y “La Traviata” tenía la banda; el teatro Apollo no tiene la banda e “Il trovatore” no tiene la banda. No era un concepto a priori, sino que usaba el material que tenía disponible. Entonces nosotros tenemos solamente un tambor, un arpa, y algunas campanas. La orquesta del Teatro Apollo era más pequeña que, por ejemplo, de la Scala. No tenía muchos violines, violas o contrabajos. Entonces escribía directamente las partes de la orquesta cuando estaba en el teatro. En quince días daba las partes orquestadas a la orquesta. Ese es un procedimiento que sólo un genio absoluto puede hacer ¿Cómo le puede salir de la cabeza, la parte del clarinete primero, clarinete segundo, primera flauta, segunda flauta,luego percusiones, metales…Todo estaba en su cabeza. Hasta que no conocía el libreto no escribía una nota. Necesitaba ser inspirado del texto. Increíble. Creo que la fortuna de esta ópera está en el hecho de que Cammarano, el libretista, se murió, y el poeta Leone Emanuele Bardare, terminó el libreto junto con Verdi, el cual incluyó partes que Cammarano había desechado. Por eso tenemos la colaboración de un compositor con dos grandes libretistas, que han servido para la historia y la leyenda de este hombre, Verdi, ¡maravilloso, increíble asombroso!  (risas).     

VERDI INICIA EL “LEIVMOTIV” EN ITALIA
CON “RIGOLETTO”, “LA TRAVIATA” e “Il TROVATORE”

Para Nicola, Verdiva cambiar el mundo de la ópera, algo que ya lo preanuncia en Rigoletto.

Verdi, cuando se pone a escribir “Rigoletto” ya tiene una idea de cómo cambiar el mundo de la ópera.En “Rigoletto”, ya tenemos un primer intento de crear un “leivmotiv”. Son los acordes de “La maledizione”. Aparecerá en varios momentos de la ópera, pero no está definido como estará en “Il Trovatore”, donde el “leimotiv” del Fuego aparecerá muchas veces. Cada vez que se oye este tema el espectador se pone en una atmósfera en el que reconoce el tema del fuego. Es un procedimiento que Wagner utilizará muchísimo, así como todos los compositores de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Lo utilizan cuando un personaje se presenta. Está claro que aquí el “leivmotiv” no se utiliza como lo utilizaba Wagner, Puccini u otros compositores, sino para recordar un hecho. En este caso el hecho de cuando Azucena ha quemado a su hijo, un hecho terrible, y que es el motivo central de la ópera, el fuego. Por eso “Il trovatore”, dentro de la trilogía verdiana, es la ópera más importante poR la concepción musical y teatral. Con esta ópera, Verdi, va a condicionar el futuro de los futuros compositores de toda Europa. Por eso “Il trovatore” (1853) fue un éxito increíble, tal vez el mayor éxito de Verdi en su vida.

MANRICO NO ES UN TROVADOR
ES UN SOLDADO A SUELDO

Amén de los valores e innovaciones musicales, Nicola califica “Il trovatore” de “increíble” por la historia que cuenta, que se desarrolla en España coincidiendo con el compromiso de Caspe en 1412, fecha que, según Nicola, pone en entredicho el título, “Il trovatore”.

En realidad “el trovador Manrico”, no es, en realidad, un trovador. Los trovadores se habían acabado en el siglo XIII. ¿Qué hace un trovador en el siglo XV? ¿Por qué se llama el trovador? Se llama el trovador, porque él se anuncia de noche tocando el laúd y cantando, pero no era un trovador. Era un soldado, pagado por Jaime II de Urgel el desafortunado, al frente todas las comarcas de Cataluña que querían unificarse. El conde Urgel en 1413 queda arrestado por Fernando I de Antequera. Aquí se sitúa la historia de nuestro Trovador.  Entonces el trovador es un apodo, no un nombre. Era un soldado.    

“Il Trovatore” proviene de “El Trovador: drama caballeresco en cinco jornadas, en prosa y verso” estrenado en el Teatro del Príncipe, el 1 de marzo de 1836. Era un drama romántico en prosa y verso del escritor español Antonio García Gutiérrez (1813-1884) que obtuvo un gran éxito.  El éxito hizo que el propio autor realizase una refundición en verso en 1851. A Giuseppe Verdi no le pasó desapercibido el éxito, y encargó al avezado libretista Salvatore Cammarano un libreto que se apartara del convencionalismo operístico: arias, cabaletas, cavatinas, dúos, tríos, coros, etc.─ y se centrará en la continuidad y fluidez del discurso dramatúrgico. Cammarano, fallecido antes de terminar la ópera, había creado un libreto con todos los clichés formales de la época, aunque estructuralmente bien equilibrado: cuatro actos divididos en dos escenas de duración desigual. El 19 de enero de 1853 se estrenaba en Teatro Apollo de Roma, y el 16 de febrero de 1854 en el Teatro Real de Madrid.

FRANCISCO NEGRÍN, director de escena

TRAER LOS FANTASMAS DEL PASADO
Y HACERLOS VISIBLES EN EL ESCENARIO.

La dirección de escena corre a cargo de Francisco Negrín, y fundamentalmente es la misma que en su estreno en 2019, ya que ha dado la vuelta al mundo.

Esta concepción la concebí para el Macerata Ópera Festival (Italia)en el monumental, al aire libre, Arena Sferisterio, que es un teatro con una boca de 100 metros de ancho. De hecho, esta misma producción se está reponiendo ahora mismo en ese escenario, a la par que en el Teatro Real. Cuando hicimos esta coproducción para Madrid, para mí, el trabajo cómo condensar esta producción tan grande a un espacio interior. Entonces de esta condensación vino la idea de situarlo todo dentro de una torre cerrada. Para hacer visible al público esa historia y que sea fácil seguirla – no sólo dirijo a los actores, a las luces etc, sino que intento dirigir al público – dirijo al público a fin de que entender, seguir la historia, emocionarse. Oír en el momento adecuado la idea principal que hay en la música en ese momento. Una de las técnicas, en este caso, ha sido hacer visible los fantasmas del pasado. Se ve en el escenario a la madre de Azucena que ha sido quemada en la hoguera; se ve a Azucena alentar este deseo de venganza: se ve al fantasma de su hijoque ella ha quemado en la hoguera por error, y entonces toda su relación musical con su hijo Manrico se ve al expresar su amor por su hijo, pero a su verdadero hijo que está en el escenario. Esto me permite que la manifestación de amor de Azucena por su hijo sea genuina, cuando en realidad con García (el falso Manrico) lo está entrenando a ser el arma con la cual va a poder ejecutar su venganza contra los Luna. Este ha sido el camino para hacer visible el pasado. Entonces en esta producción todo el hecho de que están contando todo el tiempo se transforma en la acción y permite al público emocionarse con los personajes y vivir la ópera como “thriller” negro que es, y como la metáfora del ser humano que es incapaz de vivir el presente.         

ESTAR ATADO AL RECUERDO DEL PASADO
INCAPACITA PARA VIVIR EL PRESENTE

Es opinión común de que no es fácil la puesta en escena de “Il trovatore”, sobre todo porque todas las acciones de la ópera suceden fuera del escenario. Las tremendistas acciones son narradas por los personajes. Francisco Negrín se enfrentó a esta historia como lo suele hacer habitualmente.

Cuando tengo que poner una obra en escena, intento ver cuál es su particularidad. ¿Qué es lo que la hace distinta y cuál es su estética? En “Il trovatore” la particularidad de la acción es narrada. Entonces la acción es recordar, y, de hecho, esta producción está concebida de modo que el público pueda entender que es una ópera sobre el hecho mismo de que los seres humanos son incapaces de vivir el presente, porque siempre están atados al pasado. Nos pasamos todos en la vida, decidiendo que hacemos por algo que sucedió en el pasado. En este caso tenemos el deseo de venganza, puesto que su madre fue quemada en la hoguera y ella misma, por horror, quemó a su hijo en la hoguera. Esta obsesión con el fuego que le ha causado tanto dolor, le empuja a la venganza. Le domina su obsesión por el pasado. Manrico, el trovador, tiene el arrepentimiento, porque ha tenido tres ocasiones para matar al Conde de Luna, su enemigo aragonés, y no lo ha hecho, y podía tener la posibilidad de un amor con Leonora, pero no puede ser por el pasado; el conde de Luna tiene el deseo no realizado de su amor por Leonora, etc. Todos están atrapados por el pasado. Entonces la concepción de esta puesta en escena es hacer que esto sea muy visible, tanto el hecho de estar atrapado, como el hecho de que el fuego esté tan presente que hace que venga el recuerdo del dolor del pasado.

Este juego de pasado y presenta plantea el paso del tiempo, por ello en la escenografía hay una serie de elementos simbólicos del tiempo que pasa.

Intentan manifestar el poder volver atrás, es decir, resetear para poder hacer cambiar las cosas. Hemos hecho todo lo posible para se vea que estos personajes están atrapados, en este sitio cerrado que es el pasado en el cual hay fuego, y sólo un personaje, Leonora, es el personaje fuerte, femenino que es el único que quiere ir hacia adelante, y quiere que sus acciones las llene el amor y no un problema del pasado.  

LOS CANTANTES

Las funciones estarán protagonizadas por cuatro repartos – con 12 nacionalidades- en los que destacan las sopranos Marina Rebeka, Saioa Hernández y Anna Netrebko (Leonora); los tenores Piotr Beczała,Vittorio Grigòlo,Celso Albelo y Yusif Eyvazov (Manrico); los barítonos Artur Ruciński, Juan Jesús Rodríguez y George Petean (El conde de Luna); y las mezzosopranos Ksenia Dudnikova,Anita Rachvelishvili,Teresa Romano y Clémentine Margaine (Azucena). Todos estos cantantes han actuado ya en el Real, con excepción del tenor Vittorio Grigòlo y de la mezzosoprano Anita Rachvelishvili, que debutarán en su escenario

PIOTR BECZAŁA, tenor, Manrico

HAY QUE BUSCAR EL EQUILIBRIO
ENTRE LA PARTE LÍRICA Y
LA PARTE LÍRICA MÁS DRAMÁTICA

Piotr Beczała es reconocido internacionalmente como uno de los tenores más destacados de su generación, admirado tanto por la belleza de su voz como por la intensidad dramática de sus interpretaciones. Invitado por los teatros de ópera más importantes del mundo, en el Teatro Real es un habitual.

He interpretado dos veces a Manrico, una con Marina Rebeka, que fue mi primera Leonora. Manrico es un poco víctima de las intrigas de Azucena, aunque se mantiene entre en el amor por su Mamma (madre italiana) y su amor por Leonora, no llega a decidir quién de los dos predomina hasta el final. Incluso cuando Leonora está muerta en sus brazos, exclama “¡Mamma, mamma!”. Yo procedo de la parte más lírica, Werther, Romeo, y de hecho hablaba con el maestro, precisamente de esta cuestión: del personaje qué parte es músico y en qué medida es guerrero. Opino como el maestro, Manrico es más guerrero que músico. De todos modos, hay que buscar ese equilibrio entre la parte lírica y la parte más dramática. En una sola frase puede pasar de ser amante lírico a convertirse en soldado. Yo puedo utilizar la experiencia que tengo de cantar Verdi en las partes líricas, pero aquí hay una cierta tensión en esas partes liricas que hacen diferente a esta ópera. Manrico es un personaje distinto del duque de Mantua (“Rigoletto”) o de Alfredo (“La Traviata”). Existe esta tensión. Hay que abordar el calentamiento de la voz de forma distinta, incluso en las partes más líricas. Por otro lado, la soprano tiene muchos momentos de coloratura. Yo no los tengo, pero, en cambio, sí que hay muchos acentos, muchas articulaciones líricas y hay que pronunciar correctamente para dar sentido a lo que se dice. Es decir, la parte lírica tiene un color más oscuro. Otro aspecto es la articulación, si hablo con mis soldados que es la parte dura, tengo que articular de una forma, y si hablo con Leonora, la articulación cambia. Todas las historias de Verdi son muy complicadas, pero Verdi lo cuenta todo a través de la música. De manera extremadamente precisa expresa todas las emociones en la música, lo cual hace que sea fácil de interpretar para nosotros.     

MARINA REBEKA, soprano, Leonora

MUCHO BELCANTISMO Y COLORATURAS
PARA LEONORA EN “IL TROVATORE”

Marina Rebeka es una de las sopranos más destacadas de nuestro tiempo, aclamada por el público y la crítica por su timbre impresionante, su excepcional musicalidad, su técnica impecable y sus cautivadoras dotes interpretativas. En el Teatro Real ha cantado “Fausto” (click) (2018) y “La traviata” (click) (2020, durante el confinamiento)
Marina Rebeka interpreta a Leonora, personaje que ve lleno de vitalidad.

Es un personaje muy joven, muy vivo, muy lleno de amor, de la esperanza, de la vida, y a medida que pasa el tiempo el mayor sacrificio que ella puede hacer es sacrificar su vida por las personas que ama. Tengo una de las escenas más importantes del repertorio verdiano, por que como en “Aida” y en el “Miserere”., el canto de la soprano está integrado en el coro., Yo vengo de la tradición del “bel canto”, y aunque como Piotr fago “Fausto”, “Romeo y Julieta”, y similares, acá puedo ver mucho del belcantismo en Leonora. Tengo muchas coloraturas. Así como en Donizetti y Bellini el bel canto y coloraturas están repartidos por toda la obra, aquí todo está en el último acto, «D’amor sull’ali rosee», El «Miserere», «Tu vedrai che amore in terra». Después, casi subito, un dueto con el barítono que es fantástico. Una pequeñita pausa para el agua, para mí, y después tenemos el terceto, y ya muero porque la soprano siempre tiene que morir. Esta vez con veneno. (risas)

En torno a “Il trovatore” se han programado actividades culturales en el Teatro Real, Real Teatro de Retiro, Museo Arqueológico Nacional, Círculo de Bellas Artes y Casa Asia.

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BIOGRAFÍAS

NICOLA LUISOTTI, director musical
Director principal invitado del Teatro Real, ha sido director musical de la Ópera de San Francisco entre 2009 y 2018 y director musical del Teatro San Carlo de Nápoles entre 2012 y 2014. Director asociado del Teatro Real de Madrid desde 2017. Su última dirección en el Teatro Real ha sido “Attila” (2025). Ha sido invitado por los grandes teatros de Europa y Norteamérica. Recientemente ha dirigido “Tosca”  (Staatsoper de Berlín), “Rigoletto” (Teatro Regio de Turín), “Cavalleria rusticana” y “Pagliacci” (Staatsoper de Viena) y “La forza del destino” (Gran Teatre del Liceu de Barcelona.
Director asociado del Teatro Real de Madrid desde 2017, ha dirigido “Il trovatore” (2007), “La damnation de Faust” (click)(2009), “Rigoletto” (click) (2015), “Aida” (click), “Turandot” (click) (2018), “Don Carlo” (click) (2019), “La traviata” (click), “Un ballo in maschera” (click) (2020), “Tosca” (click), “La bohème” (click) (2021), “Nabucco” (click) (2022), “Turandot” (click), “Rigoletto” (2023), “Madama Butterfly” (click), “Adriana Lecouvreur” (click) (2024) y “Attila” (2025).

FRANCISCO NEGRÍN, director de escena
Francisco Negrín (México) establecido en Barcelona, este director de escena español estudió cinematografía antes de especializarse en el medio operístico. Ha dirigido eventos comerciales en grandes espacios, entre ellos la ceremonia de apertura de los Juegos Asiáticos de Artes Marciales 2017 en Asgabath (Turkmenistán), con más de 6.000 participantes. Sus más de cincuenta producciones operísticas incluyen Orlando en la Royal Opera House de Londres, nominada a dos premios Laurence Olivier, Salome en el Palau de Les Arts de Valencia, Beatrix Cenci de Ginastera en el Grand Théâtre de Ginebra, el estreno mundial de The Trial de Poul Ruder en la Ópera Real Danesa y La clemenza di Tito para el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Ha dirigido títulos en espacios singulares como Orphée de Glass en el Royal Opera’s Linbury Theatre, Mitridate en el Palacio de Carlos V de La Alhambra e Il trovatore en el Arena Sferisterio de Macerata. Recientemente ha dirigido Salome en el Palacio Euskalduna de Bilbao. En el Teatro Real ha dirigido L’arbore di Diana (2010)

PIOTR BECZAŁA, tenor
Piotr Beczała es reconocido internacionalmente como uno de los tenores más destacados de su generación, admirado tanto por la belleza de su voz como por la intensidad dramática de sus interpretaciones. Invitado habitual de los teatros de ópera más importantes del mundo, ha encarnado papeles protagonistas en el Metropolitan Opera, la Ópera Estatal de Viena, la Ópera Estatal de Baviera, la Royal Opera House (Covent Garden), el Teatro Real de Madrid, la Ópera de Zúrich y el Festival de Salzburgo. Especialmente aclamado por roles como Lohengrin, Radamès, Don José, Fausto y Andrea Chénier, se ha consolidado como un intérprete de referencia tanto del repertorio italiano como del alemán.
Entre los hitos de la temporada 2025/26 destacan su debut escénico en el Metropolitan Opera como Andrea Chénier —tras haber estrenado el papel en el Festival de Salzburgo—, así como sus actuaciones como Radamès en “Aida” en la Ópera Nacional de París, el Príncipe en “Rusalka” y Don José en “Carmen” en la Ópera Estatal de Viena, y “Lohengrin” en una nueva producción bajo la dirección de Joana Mallwitz en el Festspielhaus de Baden-Baden. Beczała es también una figura muy solicitada en el ámbito de los conciertos, ofreciendo recitales y galas por toda Europa y Norteamérica; asimismo, su extensa discografía y sus numerosos galardones —entre ellos los premios ECHO Klassik y Opus Klassik al Cantante del Año y el título austriaco de Kammersänger— reflejan su estatus como uno de los artistas de ópera más relevantes de la actualidad.
En el Teatro Real ha cantado Halka (click), Aida (click), Fausto (click),Requiem de Verdi (click)Piotr Beczala. Concierto (click), El legado de A. Kraus (click),Beczala – Radvanovsky- Wilson (Concierto) (click),   Piotr Beczala. Borowicz. Voces del Real (click).

MARINA REBEKA, soprano
Marina Rebeka (Riga, Letonia) es una de las sopranos más destacadas de nuestro tiempo, aclamada por el público y la crítica por su timbre impresionante, su excepcional musicalidad, su técnica impecable y sus cautivadoras dotes interpretativas. Marina comenzó su andadura musical en Letonia antes de continuar sus estudios en Italia, donde se graduó en el prestigioso Conservatorio di Santa Cecilia de Roma. Durante su formación, también asistió a la Academia Internacional de Verano de Salzburgo y a la Academia Rossiniana de Pesaro.
Desde su salto a la fama internacional en el Festival de Salzburgo de 2009, bajo la dirección de Riccardo Muti, Marina ha actuado regularmente en las salas de conciertos y teatros de ópera más importantes del mundo. Sus actuaciones la han llevado al Metropolitan Opera, el Carnegie Hall (Nueva York), el Teatro alla Scala (Milán), la Royal Opera House (Londres), la Opéra de Paris, la Ópera Estatal de Viena, la Ópera Estatal de Berlín, entre muchos otros. Ha colaborado con directores de renombre como Riccardo Muti, Zubin Mehta, Antonio Pappano, Yannick Nézet-Séguin, Daniele Gatti, Marco Armiliato, Michele Mariotti, Lorenzo Viotti, Gianandrea Noseda, Riccardo Chailly y Gustavo Dudamel.
Reconocida inicialmente por sus interpretaciones de Mozart y Rossini, así como por su representación de Violetta Valéry en “La Traviata” de Verdi – un papel que se convirtió en su sello personal -, Marina ha ampliado desde entonces su repertorio, adentrándose en papeles de Verdi y del bel canto más dramático, que ahora son fundamentales en su carrera. En la temporada 2024-2025, hizo historia al protagonizar el esperado regreso de dos grandes óperas al Teatro alla Scala: “Médée” de Cherubini, ausente durante más de 60 años, y “Norma” de Bellini, que no se representaba allí desde hacía 48 años. Como célebre concertista, se ha presentado en algunos de los escenarios más prestigiosos del mundo, incluidos el Teatro alla Scala de Milán, el Großes Festspielhaus de Salzburgo y la Opernhaus Zürich, entre otros.
En el Teatro Real ha cantado“La Traviata. Verdi Confinado” (click), “Fausto”. Gounod. Ollé (click).

FUNCIÓN
De 29 de junio a 20 de julio de 2026: 19:30 h.

PRECIO
Estreno: De 417€ a 41 €
Normal: De 289 € a 41 €

Título: Il trovatore (Dramma en cuatro partes)
Música: Giuseppe Verdi (1813-1901)
Libreto: Salvadore Cammarano, basado en la obra El trovador (1836) de Antonio García Gutiérrez
Estrenada en el Teatro Apollo de Roma el 19 de enero de 1853
Estrenada en el Teatro Real el 16 de febrero de 1854
Producción del Teatro Real, en coproducción con la Opéra de Monte-Carlo y la Royal Danish Opera de Copenhague
Escenografía y vestuario: Louis Désiré
Iluminación: Bruno Poet
Idioma Italiano / Sobretítulos en Inglés, Español
Intérpretes
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
Cantantes:
El conde de Luna: Artur Ruciński (jun – 29 / jul – 02, 05, 10, 14, 17, 20) / Juan Jesús Rodríguez (jul – 01, 04, 08, 11, 15, 18) / George Petean (jul – 06, 09, 13, 16)
Leonora: Marina Rebeka (jun – 29 / jul – 02, 05, 10, 14, 17, 20) / Saioa Hernández (jul – 01, 04, 08, 11, 15, 18) / Anna Netrebko (jul – 06, 09, 13, 16)
Azucena: Ksenia Dudnikova (jun – 29/ jul – 02, 05, 10, 14, 17, 20) / Anita Rachvelishvili (jul – 01, 08, 11, 18) / Teresa Romano (jul – 04, 15) / Clémentine Margaine (jul – 06, 09, 13, 16)
Manrico: Piotr Beczała (jun – 29 / jul – 02, 05, 10, 14, 17) / Vittorio Grigòlo (jul – 08, 11, 18) / Celso Albelo (jul – 01, 04, 15, 20) / Yusif Eyvazov (jul – 06, 09, 13, 16)
Ferrando: Krzysztof Bączyk (jun – 29 / jul – 01, 02, 05, 08, 10, 11, 14, 17, 20) / Marko Mimica (jul – 04, 06, 09, 13, 15, 16, 18)
Ines: Rocío Faus (jun – 29 / jul – 02, 05, 06, 09, 10, 13, 14, 16, 17, 20) / Mar Morán (jul – 01, 04, 08, 11, 15, 18)
Ruiz: Fabián Lara (jun – 29 / jul – 01, 02, 04, 05, 06, 08, 09, 10, 11, 13, 14, 15, 16, 17, 18, 20)
Mensajero: Moisés Marín (jun – 29 / jul – 01, 02, 04, 05, 06, 08, 09, 10, 11, 13, 14, 15, 16, 17, 18, 20)
Dirección del coro: José Luis Basso
Dirección musical: Nicola Luisotti / François López-Ferrer
Dirección de escena: Francisco Negrín
Apertura de puertas: 1 hora antes de la representación
Duración: Total: 2 horas y 50 minutos /// Parte I: 1 hora y 15 minutos / Pausa: 25 minutos / Parte II: 1 hora y 10 minutos
Estreno en España: Teatro Real (Sala Principal), 29 – VI – 2026

Teatro Real (Sala Grande)
Pz. Isabel II s/n Centro
28013 – Madrid
Tf. 900 244 848
Metro: L 2,5, Ramal Ópera-Príncipe Pío (Ópera), L. 1,2,3 (Sol)
Bus: L 3, 25, 39 y 148 (inmediaciones del teatro).
Parking: Pz. de Oriente (C/Bailén 6) / Ópera, Palacio de los Duques (Cuesta Santo domingo, 5) / Garage Fermar (C/de la Escalinata, 1) / Pz. de las Descalzas (Travesía de Trujillo, 5)/ COPARK Santo (Pz de Santo Domingo).