Los Estunmen de Nao Albet y Msarcel Borrás. TC

Música y dirección musical: FERNANDO VELÁZQUEZ
Libreto y dirección de escena: NAO ALBET y MARCEL BORRÀS
Orquesta: Joven Orquesta Nacional de España (JONDE)
Especialistas: DANIEL DOMÍNGUEZ / ANDREU KREUTZER / ANDER MUÑOZ / ADRIÀ ROSELL / PABLO SACRISTÁN / EMILIANO SOSA / NATIVO SUÁREZ / YERAY VESGA /
Actores: ÓSCAR DORTA / CARLOS ROBLES / TERMI PÉREZ / NAO ALBET / MARCEL BORRÀS / NÚRIA LLOANSI / MARC PADRÓ / MAEL BORRÀS-CLOTET / CADMI ALBET-TAMARIT/
Cantantes líricos: SANDRA FERRÁNDEZ / MARIFÉ NOGALES / GABRIEL DÍAZ / VICENÇ ESTEVE MADRID / JOSÉ ANSALDI / JOSEP FERRER /
en los TEATROS DEL CANAL (SALA ROJA. CONCHA VELASCO)
de
MADRID

Aviso: efectos de humo, tiros y luces estroboscópicas
Edad recomendada: a partir de 15 años
Idioma: español, italiano, alemán e inglés
(con sobretítulos en español)

Del 2 al 14 de junio de 2026

– Los directores Nao Albet y Marcel Borràs presentan en los Teatros del Canal “Los Estunmen”, su primera ópera con música del compositor Fernando Velázquez en una coproducción de los Teatre Lliure, Gran Teatre del Liceu, Teatros del Canal y Teatro Real de Madrid.
– El estilo teatral de Nao Albet y Marcel Borràs marca la puesta en escena, llena de juego, humor e ironía para diseccionar la figura del héroe, al que nos tienen acostumbrados la pareja de creadores de otros títulos: “Mammón” (click); “Falsestuff”(click); “Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach”(click) o “Los Esqueiters”, «De Nao Albet y Marcel Borrás«. (click)
– La ópera cuenta con referencias teatrales, cinematográficas y musicales, por lo cual se combinan el universo de la ópera con el de los cantantes líricos y especialistas profesionales acostumbrados a poner su cuerpo al servicio de las escenas de riesgo.
– El reparto está integrado por los propios Nao Albet y Marcel Borràs, acompañados por los actores Óscar Dorta, Núria Lloansi, Marc Padró, Óscar Pérez y Carlos Robles, junto a los cantantes Sandra Ferrández, Marifé Nogales, Gabriel Díaz, Vicenç Esteve Madrid, José Ansaldi y Josep Ferrer.

“Els Estunmen”, parte de la figura de los especialistas de cine, los “stunts”. En esta ocasión la obra está protagonizada por especialistas, aquellos que ponen su cuerpo a disposición de las escenas más peligrosas. Tras la trágica muerte de su hijo, la protagonista inicia un viaje de venganza guiada por un grupo de héroes que le proporcionarán las claves necesarias para llevarla a cabo. La música hiperbólica en deconstrucción colabora con peleas testosterónicas con tal de desentrañar los claroscuros de una de las figuras constitutivas de nuestra tradición: el héroe.

En “Los Estunmen”, Nao Albet y Marcel Borràs combinan el universo de la ópera con el de los especialistas de acción, y con cantantes líricos. En el 2018 esta pareja artística sorprendió en Madrid con Mammón (click) (Teatros del Canal) y más tarde con “Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach” (click)(Teatro María Guerrero). Fue un acontecimiento.

NAO ALBET y MARCEL BORRÀS, actores y creadores

QUE PASARÍA SI EMPEZÁRAMOS
A MAQUINAR
UNA ÓPERA CONTEMPORÁNEA

Esta pareja artística con una estética muy suya, nos da una sorpresa volviendo a los Teatros del Canal con “Los Estunmen”.Se trata de la primera incursión de Nao Albet y Marcel Borràs en el mundo operístico. La propuesta escénica a medias entre entre realidad y ficción, se desarrolla en un espacio concebido como un lugar a medio camino entre un plató cinematográfico y un escenario en construcción.
Marcel Borrás aclara los antecedentes de cómo llegaron en embarcarse en un proyecto tan especial.

Estamos muy contentos de estar aquí, porque en el Canal fue donde hicimos por primera vez nuestro primer espectáculo Mammón (click). Fue una experiencia increíble. Pudimos volver dos años más tarde a Madrid. Esta fue como nuestra entrada en Madrid. Veníamos de la mano del Teatre Lliure, que fue donde nosotros empezamos. Un día, saliendo de uno de nuestros espectáculos recibimos la llamada de Joan Matabosch. Había visto “Mammón”, “Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach.” y nos dijo “Venid a verme al Teatro, charlamos un rato” y ¡guau!, nos propuso que pasaría si empezáramos a maquinar una ópera contemporánea y encontráramos un socio que pudiera subirse a ese barco. Tuvimos la enorme suerte de encontrar a Fernando Velázquez (compositor)que se sumó un poco a esta historia. A nivel de producción Joanconectó con los Teatros del Canal y nosotros en Barcelona con el Teatre Lliure y el Teatre del Liceu.

Nao Albet es la otra mitad de la creación artística de los espectáculos creados. En 2025 escenificaban el fin de su relación personal y artística a través de la autoficción, De Nao Albet y Marcel Borrás, (click) en la Sala Max Aub de Nave 10 Matadero, Madrid. Nao aclara

Como veis no nos hemos separado. Aquel espectáculo parecía el ultimátum, pero Marcel me ha hecho muchos cariños y carantoñas, y dije “Vamos, te perdono, vamos a estar juntos” (risas) y hemos seguido escribiendo estas locuras. El germen de esta función es ese fatídico episodio de un asesinato en masa. Es la historia de la madre de este hijo que intenta entender por qué su hijo ha hecho lo que ha hecho. Ella va a hace un viaje, parecido al viaje del héroe. Un viaje de no retorno, en el que se le van a presentar diversas ensoñaciones, los héroes a lo largo de la historia, que han configurado un poco lo que es la heroicidad y lo que es, de alguna manera, la idiosincrasia masculina. Esta masculinidad tóxica del patriarcado que nos atraviesa a todos y todas, y que, de alguna forma, también mío y de Marcel, el motor de nuestra función, porque nuestro día a día nos resonaba mucho y queríamos identificar como funciona exactamente. Esa era la excusa. Al final, es un viaje épico de esta mujer que va a tener muchos despertares en todos los niveles.    

LOS “STUNTS” NOS FASCINABAN Y
EL CINE DE ACCIÓN ES NUESTRO IMAGINARIO

“Los Estunmen” se ha publicitado,en parte, mencionando el mundo de los especialistas de acción arriesgada casi como protagonistas. Por otro lado, el cine es uno de los lenguajes a los que Nao Albet y Marcel Borrás han acudido en sus otros montajes teatrales. Marcel corrobora que

El cine siempre ha sido un referente muy grande para nosotros, y, en concreto, en las pelis de acción hay muchos referentes que nos molan y la figuras de los Stunt (especialistas muy bien entrenados para escenas de riesgo) nos fascinaba porque, de alguna forma, el cine de acción siempre ha estado en nuestro imaginario. En muchas de nuestras obras siempre hemos recreado peleas, las míticas pistolas de fuego han aparecido en casi todas nuestras obras, y el cine es algo con lo que nos sentimos muy identificados. 

Además, en esta función – añade Nao – hablamos sobre la figura del héroe, y creíamos que los stunts son los representantes de esta heroicidad en la tradición contemporánea. Eran un vehículo perfecto para poder reflexionar cómo es el héroe de la contemporaneidad.

LA OBRA MÁS ESPECTACULAR
QUE HEMOS HECHO

La obra mezcla muchos lenguajes en donde la acción es primordial y la música también, una vez que entra en el género operístico. El modo de trabajarlos, según Marcel ha sido un tanto de forma metodológica

Primero desde lo dramatúrgico, intentando que esos mundos se pudieran encontrar con un sentido teatral, y con la ayuda de todos los profesionales que hay en la pieza. Los cantantes han puesto de su parte y los “Stunts” han puesto muchísimo de su parte. Nuria Lloansi, la protagonista, que juega a todo, también. Ha sido un proceso muy Guay, que nos gusta mucho como es el mezclar géneros, y la ópera nos lo permitía y lo que queríamos contar, también. “Los Estunmen” ópera nos ha permitido hacer la obra más espectacular que hemos hecho. Había la idea de los parques de atracciones donde los “stunts” hacen mil locuras, pero con un contenido crítico hacia esa misma violencia. Lo pudimos hacer, también gracias a la empresa de efectos especiales In Extremis, que se sumó al proyecto. Nos han dado un montón de material que tenían en la nave. Fue como abrir una caja de juguetes. Además, ellos están muy motivados.        

La ópera – añade Nao – nos ha permitido como sublimar, de alguna forma, muchas escenas costumbristas que, a priori, podrían ser de fuerte dramatismo, pero que al poner el canto lírico hemos conseguido que se muevan en otra esfera más sublime, y eso es muy mágico de ver a lo que el público está acostumbrado y que lo puede liberar mucho. Fue una suerte el que se incorporase el compositor Fernando Velázquez conocido por numerosas bandas sonoras cinematográficas.

FERNANDO VELÁZQUEZ, compositor y director musical

EMPECÉ EN LA ÓPERA, ME FUI AL CINE
Y AHORA VUELVO A LA ÓPERA

A Fernando Velázquez se le identifica, a nivel musical, con el mundo cinematográfico por sus composiciones de bandas sonoras para el cine, por ello sorprende esta incursión en la ópera. Tal sorpresa los es solamente para los profanos de su biografía y no para él porque

Yo estuve en la ópera antes que en el cine. Tuve la suerte de estar tres años tocando en el Teatro Real, y desde entonces entendí y vi que la ópera tiene el lugar que tiene por algo. Si piensas que Mozart, Wagner,Puccini y tanto otros han dedicado tanto esfuerzo a la ópera, es por algo. En la manera que tenemos de contar historias en la ópera, hay un universo abierto para contar historias de maneras muy distintas. No es que haya ido del cine a la ópera, sino que empecé en la ópera, me fui al cine y ahora vuelvo a la ópera, pero escribiéndola y dirigiéndola.

Cuando Fernando aceptó componer la música para una ópera, confiesa que

Lo único que teníamos claro era de dónde partíamos pero no sabíamos a dónde íbamos a llegar. Nao habló de no tener miedo a confundirse, ni a meter la pata y esto es algo que en este mundo artístico es casi lo más importante, porque tienes miedo que se metan contigo o a meter la pata. Entonces Nao y Marcel me han contagiado este miedo a no meter la pata, y a disfrutar del proceso artístico que, en sí, vale tanto como el resultado. Todo lo que hemos ido pensando, todo lo que hemos ido descartando, pues había cientos de ideas que se han quedado por el camino, y otras que han surgido, fruto de casi del azar, al llevarla a un terreno superlírico en vez de dejarla en un terreno filosófico-reflexivo en manos de la palabra y con una “musiquita” de fondo, pero dándoles más importancia lo que dice. Terminó siendo un punto culminante, maravilloso, que no estaba planificado de ese modo. Poder estar abierto, y tener los recursos para poder tener un fallo épico, que luego se convierte en un acierto, es maravilloso. Antes de empezar lo único que me preguntaron Nao y Marcel, fue “¿Tú nos vas a dar la música acabada o vamos a poder intervenir?” les dije: “No, no” porque estoy acostumbrado a que, en el cine, la música también es un trabajo de equipo, y tienes que acostúmbrate a ello. Estoy muy feliz de trabajar aquí en equipo, porque eso hace que mi aportación multiplique. 

Tras lo dicho y dejando clara la necesidad de trabajar en equipo, Fernando se reitera en estar alerta porque, hasta el último minuto, puede haber cambios para bien y que tienes que utilizar.

De hecho, con la JONDE (Joven Orquesta Nacional de España) tenemos dos finales y lo que hacemos es votar en la orquesta cual vamos a hacer, porque lo único que cambia es la música. Según lo que ocurre en escena y la sensibilidad de cada uno se decide uno u otro final. Dejar eso abierto es sentir estamos vivos, y que lo que estamos haciendo es un regalo para la gente que venga a vernos.   

Este camino de ida y vuelta, en principio, tiene una característica especial con respecto a la ópera de siempre, sea tradicional o contemporánea. En “Los Estunmen” cobran especial importancia los llamados especialistas, que son aquellos que intervienen en las escenas de acción de cierto riesgo. Es más, cobran un protagonismo llamativo. No obstante, para Fernando, no ha sido un determinante porque

Lo bonito de esta ópera es que acude a estilos diferentes, y a través de todos ellos crea un estilo propio. Es decir, esa variedad de clichés, clichés en el sentido positivo, esa variedad de lugares comunes a través de los cuales entendemos, las historia y los actos heroicos, todos juntos configuran un discurso nuevo. Entonces tenemos épica del barroco, épica del romanticismo, épica del siglo XX, épica del siglo XXI, y todo eso junto, de alguna manera, intenta explicar cómo entendemos el héroe, la necesidad, entre comillas, de la violencia o de la respuesta violenta a las cosas. También entendemos la figura del que está en la sombra pegándose tortas, cuando el que recibe el aplauso es otro, cosa que también ocurre, en prensa y en todo. Gente que hay detrás, que trabaja duro, y, sin embargo, el mérito se lo lleva uno o una que es el que figura. Entonces hay tantas reflexiones alrededor de eso y todas tan sutiles, soltando simplemente preguntas y no intentar explicarlo, que, creo, hemos configurado un espectáculo muy estimulante.   

UNA REFLEXIÓN SOBRE LA MASCULINIDAD
Y SOBRE EL PERFIL DEL HÉROE

Como regla general la ópera tiene sus heroínas, aunque Fernando reconoce que las heroínas del siglo XIX y XX no son muy actuales, pero su perfil heroico se marida mejor con el concepto de empatía y el amor.

En la música esto lo tenemos porque hay partes muy líricas y tenemos un elenco fantástico como son las cantantes Sara Fernández y Marife Nogalesen el papel de Evangelina y la actriz Núria Lloansique está inmensa. Esa mezcla de energías tan “friki” y tan diferentes, es muy enriquecedora    

El tema central de la obra es cómo se configura la personalidad del héroe, y sobre determinados modelos de masculinidad. El desafío es cómo transmitirlo a través de la música, lenguaje propio de la ópera. Fernando recurre a la historia musical de estos dos últimos siglos.

Es curioso cómo cada característica de lo heroico, a través de una expresión musical – ya sea algo épico, seductor o romántico, dramático o entregado, apasionado o sacrificado – funcionan muy bien porque las entendemos inmediatamente, y hemos ido acudiendo a diferentes virtudes o características del héroe y cada una se asocia a una manera de contar. Lo bonito es que podría haber sido de muchas maneras. No es nada unívoco, pero sí que acude a nuestra manera de escuchar y de entender la escena. Todo el mundo entiende el héroe fuerte, o el héroe que sabe esperar, el héroe que es estratega, o el héroe que es inteligente o el que, simplemente, un tipo duro. Es muy bonito, porque para todas esas características encontramos un prototipo que, además, sería muy fácil de encontrar en el cine. Por eso el cine y la escena son buenos lugares para replanteárselo y para jugar con la identidad y las características. 

Nao y Marcel tanto en el cartel de promoción como en la rueda de prensa están en vueltos en una sábana, queriendo ser una toga, y una corona de laurel. También de esta “guisa” aparecen, intermitentemente, en el escenario a lo largo de la representación.

Son los poetas que escriben la obra y están crisis, igual que lo hemos estado nosotros durante todo el proceso. Están intentando ayudar a esta mujer a dilucidar por qué el hombre es como es. “¿Qué es ser un Hombre?” es una pregunta recurrente en la obra y un “leivmotiv”.

Por otro lado, – añade Nao – como el germen de los temas es muy personal, nos quisimos meter en la función. Marcel y yo empezamos en el teatro como intérpretes, y nos encanta estar en escena. Inevitablemente sabíamos que íbamos a estar y nos inventamos esta especie de “alter egos”, poetas y dramaturgos de la antigüedad, a los cuales se les pide que escriban esta función, durante la cual son una especie de “Deus est machine”, donde pueden entrar y cambiar el devenir del espectáculo.       

EL REPARTO

El reparto está integrado por los ya mencionados Nao Albet y Marcel Borràs, acompañados por los actores Óscar Dorta, Núria Lloansi, Marc Padró, Óscar Pérez y Carlos Robles; los especialistas Daniel Domínguez, Andreu Kreutzer, Ander Muñoz, Adrià Rosell, Pablo Sacristán, Emiliano Sosa, Nativo Suárez y Yeray Vesga, junto a los cantantes líricos Sandra Ferrández (mezzosoprano), Marifé Nogales (mezzosoprano), Gabriel Díaz (contratenor), Vicenç Esteve Madrid (tenor), José Ansaldi (tenor)y Josep Ferrer (bajo) y la Voz en off de Julián Villagrán.

En la parte musical interpreta esta ópera la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), cuya directora artística es Ana Comesaña Kotliarskaya, desde 2020. Con motivo de este estreno declara que

Para la INAEM, este es un proyecto de un valor incalculable. La obligación de los directores de la JONDE es buscar un proyectos únicos, enriquecedores, diferentes, que sumen al proyecto pedagógico de la JONDE. En este momento España es punta de lanza en Europa y no solamente en Europa, de la música clásica. Esta generación de oro necesita formarse y bregarse y estar en contacto con todo el hecho artístico de su profesión. Un proyecto así es una ocasión única porque se da pocas veces. Cuando el teatro nos lo propuso, saltamos de cabeza. Eso se da una vez cada equis años. Llevamos toda la semana pasada ensayando, entre la risa y el dolor, y haciéndonos con una partitura que está viva, está en movimiento, está fresca y que cada persona que la toca o la canta necesita hacerse con ella, pues no hay una referencia. Entonces, es un reto único. Estamos desenado que comiencen los conjuntos en los ensayos y que llegue el día 2 para el estreno. Agradecidos por haber pensado en nosotros y en la juventud de este país para hacer este proyecto.        

NOS HAN DEJADO HACER LO QUE NOS DIO LA GANA

Las críticas, desde que se estrenó en Barcelona han sido dispares, radicalmente opuesta. Esta diversidad a Marcel y a Nao nos les disgusta.
En general, si una obra tiene críticas muy diversas nos parece bien porque quiere decir que es una obra impactante. También al tener tantos temas permite que el espectador pueda hacer un viaje personal.
Metidos en esta superproducción, Teatros del Canal, Teatro Real, Teatre Lliue y Tatre del Liceu, Nao y Marcel aceptan toda la responsabilidad, para bien o para mal, porque Nao confiesa que
Nos han dejado hacer lo que nos dio la gana.

BIOGRAFÍAS

NAO ALBET y MARCEL BORRÀS, actores y creadores
Nao Albet y Marcel Borràs trabajan conjuntamente desde 2007 como autores, directores e intérpretes. A lo largo de su trayectoria han desarrollado un lenguaje escénico propio caracterizado por la mezcla de referencias teatrales, cinematográficas y musicales, así como por el uso del humor y la ironía.
Sus espectáculos se han presentado en espacios como el Teatre Lliure, el Teatre Nacional de Catalunya, el Centro Dramático Nacional o Teatros del Canal. Entre sus trabajos conjuntos figuran títulos como “Mammón”(click); “Falsestuff”; “Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach” (click) o “Los Esqueiters”, «De Nao Albet y Marcel Borrás«. (click)

FERNANDO VELÁZQUEZ, compositor
Fernando Velázquez es compositor de música para cine, televisión y escena. A lo largo de su carrera ha firmado bandas sonoras para películas como “El orfanato”, “Lo imposible”, “Un monstruo viene a verme” u “Ocho apellidos vascos”. Su trabajo incluye colaboraciones con directores como J. A. Bayona, Guillermo del Toro o Wim Wenders, y ha sido reconocido con distintos galardones, entre ellos varios premios Goya. En “Los Estunmen” firma la música original y es su primera ópera.

FUNCIÓN
De martes a sábados: 20:00 h.
Domingos: 19:30 h.

PRECIO
Platea (filas 1-14):  35 €
Platea (filas 15-18):  30 €
Anfiteatro (filas 1-4):   25 €
Anfiteatro (filas 5-6):  9 €
Descuentos
Miércoles (día del espectador): 20%.
Canje abono 10 espectáculos: 16 €.
Canje abono 5 espectáculos: 20 €.
Carné Joven, menores de 25 años, mayores 65, desempleados, familia numerosa y Diversidad funcional con grado igual o superior al 33%*: 30 €/ 25 €/ 20 €.
Carné Bibliotecas Comunidad de Madrid*: 10% de descuento.
Asociaciones* (solo en taquilla): 30 €/ 25 €/ 20 €.
Grupos a partir de 20 personas: 29 € / 24 €/ 19 €.
(Cada 30 localidades, 1 invitación)

Título:Els Estunmen (Ópera contemporánea)
Ópera en un acto
Estreno en la Comunidad de Madrid
Creación Canal
País: España
Idioma:español, italiano, alemán e inglés (con sobretítulos en español)
Música:Fernando Velázquez
Libreto:Nao Albet y Marcel Borràs
Escenografía:Max Glaenzel
Vestuario:Sílvia Delagneau
Iluminación:Andreu Fàbregas
Ayudante de dirección:Anabel Labrador
Ayudante de escenografía:Mariona Ubia
Ayudante de vestuario:Manuel Mateos
Asistente a la dirección musical:Rubén Díez
Asistencia a la dramaturgia:Gabriel Ventura
Pianista asistente:Laura de Aranzana
Coordinador de especialistas: Óscar Dorta
Efectos especiales:In Extremis
Alumno en prácticas:Roc Morella (ITB)
Confecciones:Javi Navas (guerreras), Manuel Mateos (héroes) y Taller d’escenografia Castells (ambientación de sangre)
Agradecimientos:Indi Gest, María Adell, Pedro Azara, Laura Cabello ‘Topo’, Aina Clotet, Jaume Garrós, Anna Iñigo, Alfredo Ramos, Valentina Viso, Blanca Valletbó, Jokin Piquer y Joan Serinyà
Cartel tratado con IA, fotografías: Marta Mas Girones.
Coproducción: Teatre Lliure, Gran Teatre del Liceu, Teatros del Canal y Teatro Real de Madrid
Intérpretes:
Especialistas:Daniel Domínguez, Andreu Kreutzer, Ander Muñoz, Adrià Rosell, Pablo Sacristán, Emiliano Sosa, Nativo Suárez y Yeray Vesga
Voz en off:Julián Villagrán
Orquesta:Joven Orquesta Nacional de España (JONDE)
Actores:Óscar Dorta, Carlos Robles, Termi Pérez, Nao Albet, Marcel Borràs, Núria Lloansi, Marc Padró, Mael Borràs-Clotet, Cadmi Albet-Tamarit
Cantantes:Sandra Ferrández / Marifé Nogales (5 y 11 de junio), (mezzosopranos), Gabriel Díaz, (contratenor), Vicenç Esteve Madrid, (tenor), José Ansaldi, (tenor), Josep Ferrer, (bajo)
Dirección musical:Fernando Velázquez
Dirección de escena:Nao Albet y Marcel Borràs
Edad recomendada: a partir de 15 años
Duración:1h y 50 min (sin intermedio)
Estreno en Madrid:Teatros del Canal (Sala Roja. Concha Velasco), 2- VI – 2026

Teatros Del Canal
Sala Roja. Concha Velasco
C/ Cea Bermúdez, 1, Chamberí
28003 – Madrid
Tf. 91 308 99 99 /99 50
Metro: L. 2, L. 7 (Canal), L. 1 (Ríos rosas)
Tren: C10, C2, C3
Bus: 12,149,2,37,45
Parking: Quevedo – Bravo Murillo, (C. de Bravo Murillo, 30); Onepark – Estacionamiento Madrid – Teatros Del Canal Hotel Leonardo Boutique Madrid (C. de Joaquín María López, 3); Garaje Pardo C.B (Calle de García de Paredes, 3)