FOTO: MAURO TESTA
Texto: LOPE DE VEGA
Versión y dirección: LAILA RIPOLL
Escenografía: ARTURO MARTÍN BURGOS
Iluminación: LUIS PERDIGUERO
Vestuario: ALMUDENA R. HUERTAS
Música original: MARIANO MARÍN
Intérpretes: ELISABET ALTUBE / ARANTXA ARANGUREN / CLARA CABRERA / JAVIER DÍAZ GIL / CARLOS JIMÉNEZ / ALFARO SANDRA LANDÍN / TEO MAIZTEGUI / JOSÉ LUIS MARTÍNEZ / TONI MISÓ / GERARDO QUINTANA / MATEO RUBISTEIN / VÍCTOR SÁINZ / JORGE VARANDELA /
En el TEATRO DE LA COMEDIA (SALA PRINCIPAL) de MADRID
Del 24 de septiembre al 22 de noviembre de 2026
“El caballero de Olmedo” es título del cual no hay noticia que se representase en la época de Lope de Vega, ni en el siglo XVII. Parece no interesar a los cómicos de entonces. Es a finales del siglo XIX cuando se recupera gracias a la edición de Menéndez Pelayo, pero no llega a representarse hasta que la recupera Federico García Lorca. Será la última obra que Lorca monte con La Barraca en el otoño de 1935 para celebrar el III Centenario de la muerte de Lope de Vega. Con motivo de la guerra civil española, la obra quedó en “Stand by”, y subirá al escenario del Teatro Español de Madrid en 1953 gracias al director y actor Modesto Higueras (1910 – 1985) que comenzó como actor en La Barraca, y en la postguerra fue uno de los principales creadores e impulsores del TEU (Teatro Español Universitario) creado en 1941
Después de 1953, “El caballero de Olmedo” conocerá los siguientes años: 1953, 1958, 1977,1982, 1987, 1990, 2009, 2013, 2014, 2023, 2026. (1) Lógicamente este texto fue sometido a diversos tratamientos escénicos y a modos diversos de recitar el verso. El último montaje que conocemos en España es el de Laila Ripoll (click) – directora de la CNTC (Compañía Nacional de Teatro Clásico) – en 2026, en el Teatro de la Comedia. Con respecto a todos los anteriores hay una novedad: el traslado de época. La historia que nos cuenta Lope que sitúa en la Baja Edad Media, Laila la viste de unos trajes de estilo imperio bonapartista, por aquello de que hay toda una literatura denominada “gótica” de finales del siglo XVIII que se prolonga en el s. XIX que cuenta historias de terror, llámense “El castillo de Otranto” (1764), “Frankenstein” (1818), “La caída de la casa Usher” (1839), “Drácula” (1897) entre otras. Es un mundo oscuro fantasmal y con toques monstruosos que deambula entre castillos ruinosos, en los que la muerte, lo sobrenatural y lo supersticioso campean a sus anchas. Este cambio de escenario por parte de Laila Ripoll no es gratuito, ya que lee la historia de Don Alonso y su amada Doña Inés como “un cuento de terror”.
Otra de las premisas de las que parte Laila es que el argumento, como tal, lo conoce el espectador, una vez que la obra parte de la famosa coplilla popular:
“Que de noche le mataron
al Caballero,
la gala de Medina,
la flor de Olmedo”.
En el texto original de Lope la coplilla aparece en el Tercer Acto, cuando Don Alonso va de camino a Olmedo, y llegando a su casa, suena en el aire la tal coplilla que le produce cierta alarma. Se tranquiliza al ver que es un labrador quien la canta. A nivel dramatúrgico, Lope eleva la inocencia y poesía de la copla a la categoría de oráculo y vaticinio. Es en este momento cuando el argumento toma el cariz de “cuento de terror”, que Laila arropa con las oscuridades escénicas del estilo gótico literario. No obstante, por aquello de que el espectador conoce esta historia, la mencionada oscuridad gótica, Laila la adelanta al arranque del espectáculo. En el fondo nos hace un “spoiler”, Don Alonso entre brumas y velos manifiesta su inquietud.
Es cierto que una mayoría del público conoce la historia de Don Alonso y su destino, pero, me temo, que otra gran parte del público, sobre todo las generaciones jóvenes, no, y se les priva del goce de ir descubriendo las cuitas, recovecos y amenazas de los personajes, y por ende de la historia.
Con “El caballero de Olmedo”, Lope da un cierto giro a sus habituales comedias. Planta sobre el escenario un primer y segundo acto en la línea de sus comedias de siempre. Caballero 1 y criado; alcahueta celestinesca; Enamorada y su Cómplice que es hermana suya; Caballero 2 y amigo, ambos prometidos de las dos hermanas y rivales de Don Alonso; criadita y el consabido padre de ambas hermanas. Introduce una nueva dimensión en la figura de Fabia. a medias entre la Celestina de Rojas incluida la cadena de oro – “¿Con qué te podré pagar / la vida, el alma que espero? (…) / el darme esa cadena / no es cosa que me da pena” -, y el “fatum” griego revelado por el oráculo ya en el primer acto – “a gran peligro te pones (…)” / “No os vais, don Alonso, a Olmedo, quedaos agora en Medina”.
Ya en el “dramatis personae” como denominan los especialistas al reparto, Lope cambia las tornas en cuanto a los personajes de sus comedias. Aquí, Tello, el criado de Don Alonso, no se enamorisca de la criadita de la casa; Don Pedro, el padre, no es intransigente sino comprensivo con el enamoramiento de Doña Inés, su hija; Don Alonso exuda ternura por sus poros; Doña Leonor, la hermana, confidente es el freno ante la impulsiva Doña Inés; Don Rodrigo y Don Fernado los rivales encargados de crear el conflicto; Fabia a medias entre la Celestina de Rojas incluida la cadena de oro – “¿Con qué te podré pagar / la vida, el alma que espero? (…) / el darme esa cadena / no es cosa que me da pena” -, y el “fatum” griego revelado por el oráculo ya en el primer acto – “a gran peligro te pones (…)” / “No os vais, don Alonso, a Olmedo, quedaos agora en Medina”.
Todos ellos viven una primera parte (Acto primero y segundo) que sigue el juego vodevilesco al que nos tiene acostumbrados Lope. Pensamos que nos encontramos ante una comedia de capa y espada más. Las fiestas de Medina reúnen a todos. Don Alonso deja de lado su ternura y da rienda suelta a su brío para enfrentarse con el toro; Don Rodrigo es su contrincante en esto de la matanza de la res, pero va embriagado de celos. En principio, canciones y bailes irrumpen con gran algarabía. Don Alonso vence a Don Rodrigo en esto del toro. Su lidia es mejor y a eso se añade el que tiene que salvar a Don Rodrigo de una cogida. Visualmente la sangre ya ha aparecido en escena, y el vodevil del inicio cede el paso a lo dramático. Fabia ha vaticinado a Tello “Los de Medina hacen riza, / porque tienen ojeriza / con los lacayos de Olmedo». La comedia huye, y la tragedia se apodera de la escena. Los vaticinios indirectos del Primero y segundo acto, se encarnan en el tercer acto. La comedia se casa con la tragedia, de ahí que a “El caballero de Olmedo”, se le aplique la categoría de un nuevo género: tragicomedia, término que el propio Lope popularizó. La estructura de “El caballero de Olmedo” se conforma como una comedia de capa y espada – amables líos amoroso, humor en el criado Tello, y Fabia como alcahueta celestinesca de corte costumbrista. Ocupa el primero y segundo acto. El tercer acto es tragedia pura, muy inspirada en lo griego. Los avisos de Fabia nos hablan más del oráculo que de un mero consejo costumbrista. Tenebrismos, vaticinios, la cancioncilla popular cobra tintes trágicos y se transforma en profecía. La inocencia del labrador al cantarla, probablemente a diario, pierde su inocencia y su apero de labranza se transforma en guadaña.
Este Tercer Acto es el que ha dado pie a Laila Ripoll para abandonar la Baja Edad Media y situar la obra a principios y mediados del siglo XIX con un vestuario de estilo imperial, lo cual le ha llevado a la literatura gótica, como ya he mencionado, subrayando el aspecto de terror. No hay ningún reparo. Es más, en toda la primera parte le proporciona la ligereza y luminosidad propias de la comedia. A nivel estético la puesta en escena nos reenvía a la pintura neoclásica francesa de la corte del siglo XIX, en el que abunda el retrato, como puede verse en los pintores franceses François Gérard, Jean-Auguste-Dominique Ingres, e incluso Francisco de Goya en su época de retratista. Esta plástica de líneas muy puras, desempolvan el texto y le dan un carácter más universal. Por otro lado, casan bien con la segunda parte de plástica más oscura y fantasmal, tanto en los personajes como en los murales de fondo que nos llevan ese goticismo que conocemos por la literatura y por el cine. Restalla, sin embargo, dos imágenes. Una de ellas es el fantasmal monólogo del comienzo, un texto que no se entiende porque nos coge de sopetón y ayuda poco la electrónica, aparte de como ya he dicho, desvela el final. Otra es la presencia de la muerte encapuchada con una guadaña detrás de Don Alonso. Resulta demasiado burda esta advertencia visual. Rompe todo el encanto de la profética coplilla amenazante. En el original Lope acota: “Al entrar, una SOMBRA con una máscara negra y sombrero, y puesta la mano en el puño de la espada, se le ponga delante. Es la propia sombra de Don Alonso. Su propia decisión de volver a Olmedo, la que le lleva a la muerte. Todo esto se pierde.
Como es propio del teatro clásico del siglo de Oro, los autores nos narran la historia a través de escenas que pasan de un espacio a otro y se saltan la continuidad del tiempo, lo cual es un quebradero de cabeza para el escenógrafo. Aquí se resuelve con eficacia y sobriedad apoyándose en los muebles de corte histórico, y en un fondo que cobra vida luminosa o tenebrosa a través de la iluminación. Las transiciones son fluidas y todo el conjunto olvida los tiempos muertos.
A nivel interpretativo, por parte de los actores, se respetan bien los tiempos y variedad de emociones a los que obliga el propio texto que transita entre un cierto costumbrismo, halos poéticos para describir el amor o la descripción de la persona amada o situaciones épicas, como es el monólogo final del criado Tello, con el que Lope transciende la figura del “gracioso” de otras comedias, y que Toni Misó interpreta de modo excepcional, proporcionando al “gracioso” una dignidad encomiable. Toni Misó nos entrega con eficacia un personaje que representa la prudencia y la razón frente al carácter desbordante de Don Alonso, que interpreta eficazmente Víctor Sáinz,en un difícil juego de ingenuidad o ternura y al mismo tiempo de bravura. Laila ha preferido humanizarlo como ha humanizado el resto de los personajes y los ha hecho creíbles, alejándolos de clichés trasnochados o de retóricas poco aconsejables en nuestra época, sin caer en la banalidad del andar por casa, ya que no olvida que tiene que enfrentarse al verso, y éste, fundamentalmente, los intérpretes lo resuelven bien.
Personalmente me sobra el mencionado monólogo del inicio, y no he visto resuelta visualmente el feliz hallazgo que encuentra Lope, al introducir la Sombra como si fuese el interior del propio Don Alonso.
Este “Caballero de Olmedo” se ve con agrado, se sigue con interés y nos entrega un Lope tocado por el esplendor de la resurrección.
VERSIONES DE «EL CABALLERO DE OLMEDO»
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(1) Representaciones
1935: dirección de Federico García Lorca: La Barraca, itinerante
1953: dirección Modesto Higueras, Teatro Español de Madrid
1953: Teatro de Cámara, Barcelona
1958: dirección de Miguel Narros: Parque de El Retiro, Madrid
1977: Montaje de Miguel Narros: Centro Cultural de la Villa de Madrid
1982: dirección de José Osuna. Plaza de Las Vistillas, Madrid y Corral de comedias de Almagro.
1987: La versión de Pepe Estruch: Festival de Almagro
1990: Nueva versión de Miguel Narros con Carmelo Gómez (click). Teatro de la Comedia de Madrid.
2018: Eduardo Vasco / Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) (click): Teatro de la Comedia de Madrid
2013: versión de Mariano Paco Serrano (click). Teatro Fernán Gómez, Madrid
2014: Lluís Pasqual / Joven CNTC y Kompanyia Lliure (click): Teatro Pavón (sede provisional de la CNTC) de Madrid
2023: Ópera de Arturo Díez Boscovich, dirigida por Lluis Pasqual: (click) Teatro de la Zarzuela
2026: versión de Laila Ripoll / CNTC (click): Teatro de la Comedia
Desde el 2006 se asienta en el Festival de Teatro Clásico de Olmedo con distintas lecturas de la obra.
Título: El caballero de Olmedo
Texto: Lope de Vega
Versión: Laila Ripoll
Escenografía: Arturo Martín Burgos
Iluminación: Luis Perdiguero
Vestuario: Almudena R. Huertas
Música original y espacio sonoro: Mariano Marín
Videoescena: Álvaro Luna con la colaboración de Elvira Ruiz Zurita
Asesora de verso: Eva Rufo
Diseño de sonido: David Roldán
Diseño de caracterización: Moisés Echevarría
Canciones: Raquel Molano
Lucha escénica: Kike Inchausti
Ayudante de dirección: Pablo Martínez Bravo
Ayudante de escenografía: Laura Ordás Pablo Alcándara
Ayudante de iluminación: Jesús García Pecharromán
Ayudante de vestuario: Pablo Alcándara
Producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico
Intérpretes: Elisabet Altube (Inés), Arantxa Aranguren (Fabia), Clara Cabrera (Leonor), Javier Díaz Gil (Laín), Carlos Jiménez Alfaro (Rey) Sandra Landín (Ana), Teo Maiztegui (Mendo), José Luis Martínez (Condestable), Toni Misó (Tello), Gerardo Quintana (Don Pedro), Mateo Rubistein (Don Fernando), Víctor Sáinz (Don Alonso), Jorge Varandela (Don Rodrigo)
Dirección: Laila Ripoll
Duración:1 h y 50 min aprox
Estreno en Madrid: Teatro de la Comedia (Sala Principal), 24 – IX – 2026
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JOSÉ RAMÓN DÍAZ SANDE
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TEATRO DE LA COMEDIA
Directora: Laila Ripoll
C/ Príncipe 14 – Centro
28012 – Madrid
Metro: L. 2 (Sevilla), L. 1, 2y 3 (Puerta del Sol), L.1 (Antón Martín)
Bus: Líneas cercanas: 002, 5, 6, 15, 20, 26, 32, 51, 53, 65, 150, M1, M3, N25 y N26.
Parking: Santa Ana, Sevilla, Jacinto Benavente,