Texto: CHRISTOPHER HAMPTON
Versión: CURRO NOVELLAS y DAVID SERRANO
Dirección: DAVID SERRANO
Intérpretes: PILAR CASTRO / ROBERTO ENRÍQUEZ / ÁNGELA CREMONTE /
CARMEN BALAGUÉ / LUCÍA CARABALLO / IVÁN LAPADULA
(MARTA LEVENFELD sustituye a ÁNGELA CREMONTE del 9 al 18 de septiembre, ambos incluidos)
RITMO, FLUIDEZ Y EL BUEN DECIR
DE UNOS ACTORES BIEN CONJUNTADOS.
Llega a Madrid al Teatro Marquina “Las amistades peligrosas” (click) de Christopher Hampton. Este texto irrumpió en el gran público a finales de los años ochenta del siglo XX, gracias a dos memorables películas “Les Liaisons dangereuses” (Las amistades peligrosas o Relaciones peligrosas) dirigida por Stephen Frears con guion de Christopher Hampton, y “Valmont” dirigida por el polaco Milos Forman con guion de Jean-Claude Carriere, ambas rodadas casi contemporáneamente. El ancestro de dichas películas era la novela epistolar del militar y literato Choderlos de Laclos, que escribió bajo el título “Les Liaisons dangereuses” en 1782. Se trataba de una historia a la que accedíamos a través de sucesivas cartas entre dos protagonistas un tanto sinuosos y aparentemente libertinos a nivel sexual, la marquesa de Merteuil y el vizconde deValmont. Obtuvo un gran éxito editorial tanto a nivel de público como de críticos, durante el final del siglo XVIII y principios del s. XIX. A Choderlos lo situaban a la altura del controvertido Marqués de Sade, en cuanto que ambos denunciaban el lado oscuro, cínico y manipulador de la aristocracia, apoyados en la seducción y sexualidad como hilo conductor de la historia. No obstante, había ciertas diferencias entre ambos. Sade, mediante la transgresión y la violencia, destruía la moralidad tradicional, religión o ley natural, Chordelos se limitaba a una denuncia de la hipocresía de la aristocracia, en cuanto corruptora de la inocencia de los jóvenes, y por lo tanto se interpretó como un ataque a la moral de dicha clase social. Chordelos se defendió arguyendo la finalidad de su obra, advertir sobre estos peligros.
La novela de Chordelos se encuadra en la llamada “literatura elegante”, y llega a nosotros a través de cartas que se intercambian la marquesa de Marquesa de Merteuil – viuda inteligente, fría y calculadora, que ante la sociedad aparece como dama virtuosa, pero en su trastienda alberga a una libertina manipuladora, cuya arma de poder es la seducción – y el vizconde de Valmont, seductor y libertino, que apoyado por la marquesa de dedica a destruir las reputaciones de otras personas por puro entretenimiento o venganza. A través de las cartas de una y de otro aparecía una aristocracia intrigante, egocéntrica y frívola enclaustrada en los grandes palacios y en las casas de campo versallescas enmarcadas en el mundo rococó del S. XVIII de Luis XV de Francia. Dicha aristocracia se mantenía en esa burbuja dorada ajena, totalmente, a la miseria del pueblo y jugando con los sentimientos de los más pobres y de los más inocentes.
Con esta obra Choderlos pretendía una crítica sobre esa clase aristocrática y burguesa, y llevar a cabo lo que el mismo Choderlos expresaba: “escribir una obra que se salga de lo corriente, que haga mucho ruido, y que siga resonando sobre la tierra cuando yo haya muerto”. Esto último lo consiguió, pues pasado el siglo XIX, que lo olvidó por completo, en la década de 1860 Charles Baudelaire lo recupera ya que ve en el texto un análisis psicológico y una “mitología contemporánea” sobre el libertino juego de poder, sexo e impunidad, emitiendo su conocido juicio “arde como el hielo”. Esta interpretación, más allá de la perversión y abuso sexual, es la que ha ido avanzando en todas las versiones teatrales y fílmicas posteriores, las cuales parten fundamentalmente de la adaptación teatral de la novela por Christopher Hampton. En el caso de la película “Valmont” el guion no será de Hampton sino de Jean-Claude Carriere.
La versión que nos llega al Teatro Marquina es de Curro Novellas y de David Serrano, el cual también se ocupa de la dirección. La oportunidad de subir este texto al escenario es porque sus creadores lo ven como un espejo en que no sólo se reflejaba la hipocresía y manipulación de la sociedad de 1782, sino porque refleja nuestra sociedad actual que se puede sintetizar en términos como corrupción, sexualidad de compra y venta y cruzar las líneas rojas, utilizando a personas vulnerables. Lateralmente aparecen otros temas como es el feminismo y una cierta pedagogía educacional en favor de los jóvenes, temáticas que ha ido surgiendo en los sucesivos años a través de críticas y análisis.
Esta versión y su puesta en escena opta por un minimalismo, que permite centrarnos en el texto y en la excelente interpretación de los actores, cuya labor es encomiable ya que, menos los protagonistas – Pilar Castro y Roberto Enríquez -, tienen que desdoblarse en otros personajes, lo cual lo consiguen de forma eficaz y fluida. A veces, como en el caso de Ángela Cremonte y Lucía Caraballo, son personalidades alejadas del personaje central que les ha tocado representar. La metamorfosis de cada uno de ellos es ejemplar, virtud que se constata también en la transición de las escenas que saltan el tiempo y los espacios sugeridos de una forma fluida, emulando los encadenados cinematográficos.
La dirección de actores de David Serrano resulta acertada, una vez que se trata de un texto contado a través de escenas, en las cuales se huye del estatismo, sin que ello perjudique a la comprensión del texto. Por otro lado, esta dirección tiene algo de peculiar. Los actores van “microfonados”, lo cual, en la actualidad teatral ya nos es familiar. La peculiaridad, en esta ocasión, está en que es una dirección de actores teniendo en cuenta esta posibilidad técnica. La microfonía permite susurrar, variar discretamente de volumen, es decir nos encontramos ante una dirección interpretativa verbal muy cercana al cine. Los actores pueden matizar bien su texto, y sin estridencias, lo cual potencia un texto lleno de cinismo y cierta maldad emocional. Es una obra intimista llena de sugerencia sonora, y una cuidada microfonía sin estertores, que permite una labor actoral no fácil tanto a nivel emocional como verbal, de la cual salen todos bien parados en su lucimiento interpretativo. Los dos protagonistas – Pilar Castro (marquesa de Merteuil) y Roberto Enríquez (Valmont) – abordan el cinismo y la variedad de emociones a los que se sienten sometidos, con una gran verosimilitud y una inteligente contención acorde con el minimalismo general de la puesta en escena.
El resto de los personajes vienen interpretados por Ángela Cremonte (Cécile de Volanges y Carol), Carmen Balagué (varios personajes), Lucía Caraballo (Madame de Tourvel) e Iván Lapadula (Caballero Danceny y otros), y Marta Levenfeld que sustituirá a Ángela Cremonte del 9 al 18 de septiembre. Todo ellos tienen la doble tarea de encarnarse en su personaje, pero también desdoblarse en otros secundarios, lo cual consiguen con éxito, y permanecer, prácticamente, todo el tiempo en escena.
Por sus virtudes, este montaje me ha recordado el tratamiento escénico e interpretativo que Igman Bergman aplicó a su versión de “Casa de muñecas” (click) de Henrik Ibsen, que pudimos ver en el Teatro Español de Madrid el 14 de marzo de 1990 con motivo del X Festival Internacional de Teatro de Madrid. Marcó un hito en el mundo teatral, tanto en España como en el extranjero. La Kungliga Dramatiska Teatern (Dramaten) de Estocolmo, ofreció una puesta en escena intimista y sin artificios, concentrando el dramatismo en la psicología y emociones de los personajes, que permanecían en escena todo el tiempo. El reparto lo encabezaban Pernilla Östergren (Nora) y el Erland Josephson. Me sorprendió el “look” de los dos personajes protagonistas. Nora era morena, cuando en nuestros montajes nosotros siempre la presentábamos rubia por aquello de que la acción se desarrolla en Noruega. Torvaldo Helmer, su marido, lo presentaban rubio como mandan los cánones, y aquí está lo chusco. Cuando le pregunté el criterio del color de las cabelleras, Bergman me respondió. En Noruega no todo el mundo es rubio, y por eso Nora es morena, y en cuanto a Torvaldo,el actor Erland Josephson es castaño oscuro, algo común entre los nórdicos, pero preferimos “teñirlo de rubio total para seguir con el tópico”.
Ricardo Sánchez-Cuerda, el escenógrafo, resuelve con eficacia la multitud de lugares, mediante un espacio en negro (la cámara oscura teatral) en la que destacan dos puntos coloristas. En el centro una altura cuadrangular de tono rojo, émula de las camas redondas de los burdeles sofisticados, y en lo alto un generoso espejo que retrata todo lo que sucede sobre ese soporte-cama, con una peculiaridad, está resquebrajado y cualquier figura que se tumbe en esa peculiar cama, se refleja quebrantado en ese espejo burdelero. Al mismo tiempo, ese soporte-cama puede ser un ataúd, la lápida de una tumba horizontal o el altar sacrificial rojizo donde se inmolan las vírgenes adolescentes. Un color rojizo inunda el suelo y el mobiliario descrito.
Elisa Sanz crea un vestuario en negro, siguiendo el concepto atemporal de la puesta en escena. Según sus creadores se ha pretendido contemporizar el texto debido a la idea de que los que nos cuenta la novela de 1782, sigue sucediendo en nuestra época. No obstante, Elisa no se he dejado llevar, a nivel de figurines, por una reproducción grosera de un vestuario actual. Ha sabido mantener lo atemporal y el imaginario que el espectador puede tener del vestuario rococó que nos brindó el cine. Para ello lo ha salpicado de pequeños guiños: el “panier” en el vestido de la adolescente Cécile de Volanges, la camisa de Valmont con una especie de pañuelo corbata sobre el smoking, el vestido de palabra de honor con chaquetilla con unos vistosos zapatos de pedrería que emula su clase social aristocrática de Merteuil, etc… Pequeños complementos que construyen un puente entre el siglo XVIII y cualquier época. Todo un acierto.
Juan Gómez Cornejo, como siempre, ilumina eficazmente la escena, entregándonos una narración que tiene bastante de planificación cinematográfica, potenciando los rostros de los actores.
La excelencia de este montaje viene refrendada por el tiempo de duración, 140 minutos (+ 10 minutos de descanso). El tiempo es una entidad más subjetiva que objetiva, por eso cuando se habla del tiempo se le denomina tiempo psicológico, que no es el tiempo que marca un reloj. Es cómo vivimos el tiempo, y en el teatro esto se experimenta frecuentemente. Hay obras de corta duración que se hacen soporíferas. En esta ocasión esos 140 minutos pasan volando por dos razones. Por un lado, el propio texto mantiene una creciente intriga en esas relaciones peligrosas, que, sin ser un thriller estricto se comporta como tal. Por otro lado, David Serrano ha inyectado ritmo y fluidez a todo el montaje, ayudado por el buen decir e interpretación de unos actores bien conjuntados.
Para una información más amplia sobre el recorrido del texto desde 1782 hasta 1988 se puede consultar en www.madridteatro.net
Las amistades peligrosas. Reseña 1989. Cine.
Las amistades peligrosas – Crítica Teatro
Les liaisons dangereuses – Crítica Teatro
Cuarteto – Crítica Teatro
Valmont – Hechos y Figuras
https://madridteatro.net/las-amistades-paligrosas-hampton-serrano-tmr/
Título: Las amistades peligrosas
Autor: Christopher Hampton
Versión: Curro Novellas y David Serrano
Escenografía: Ricardo Sánchez-Cuerda
Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Vestuario: Elisa Sanz
Composición musical: Luis Miguel Cobo
Ayudante de dirección: Rómulo Assereto
Jefe de producción: Juanfran García
Directora de producción: Eva Paniagua
Distribución: Fran Ávila
Créditos imágenes: © Javier Naval
Intérpretes: Pilar Castro (marquesa de Merteuil), Roberto Enríquez (Valmont), Ángela Cremonte (Cécile de Volanges y Carol), Carmen Balagué (varios personajes), Lucía Caraballo (Madame de Tourvel) e Iván Lapadula (Caballero Danceny y otros), (Marta Levenfeld sustituirá a Ángela Cremonte del 9 al 18 de septiembre, ambos incluidos)
Dirección: David Serrano
Edad recomendada: a partir de 12 años
Duración aproximada: 140 minutos (+ 10 minutos de descanso)
Edad recomendada: A partir de 12
Estreno en Madrid: Teatro Marquina, 8 – IX – 2026
JOSÉ RAMÓN DÍAZ SANDE
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Parking:
Parking APK2: Plaza del Rey, muy cerca a pie del teatro, Parking Gravina 21: (Calle de Gravina, 21, abierto las 24 horas), Parking Augusto Figueroa(Calle de Augusto Figueroa, 32-34)