FOTO: JERO MORALES
Autor: JUAN GUERRERO ZAMORA
Guitarrista: JOSÉ LUIS MONTÓN
Dirección: MANUEL CANSECOIntérpretes:
Coro Ibérica de Danza:
RAQUEL RUIZ / MARÍA MUÑOZ GURRIA / MARTA MÁRMOL /
ALEJANDRA RODRÍGUEZ / BEGOÑA PÉREZ-MARSÁ / ADRIANA DÁVILA
ARIADNA CRAVIOTTO / YOLANDA GARCÍA / JAIME PUENTE /
ALEJANDRO MÁRMOL / MARIO MINGUEZA / JOSÉ LUIS GIL/
Actores: ALEJANDRA TORRAY / CAROLINA LAPAUSA /
PAULA COLORADO / TERESA HERNÁNDEZ / GABRIELA GIMÉNEZ / JUAN GEA / MARÍA GARRALÓN / NATALIA JARA /
DANIEL MIGUELÁÑEZ / CÉSAR LUCENDO /
JAIME PUENTE / AINHOA MOLINA /
En los TEATROS DEL CANAL (Sala Roja – Sala Concha Velasco)
ELECTRA JONDA
40 AÑOS DE ESPERA
Para el Festival de Mérida 2026, Manuel Canseco aprovechó la oferta de dirigir en el mítico Teatro Romano, y simultáneamente vio la oportunidad de recuperar “Electra Jonda” un texto de Juan Guerrero Zamora, que había quedado en suspenso debido a su fallecimiento. Alejandra Torray, su hija, lo ha recuperado, y parecía el momento oportuno de estrenarlo en el Coliseo de Mérida, pues contaba con todos los ingredientes que debe tener un clásico griego, comenzando por el sentido trágico del ser humano, amén de hacer justicia a un texto en lista de espera desde hace 40 años.
En palabras del propio Manuel Canseco, una de las líneas por las que circula esta versión es acercar el mito clásico a la contemporaneidad, tanto en el modo de concebir el lugar de la historia como en los diálogos. En principio, el punto de partida es Sófocles, según informaciones previas. Para constatar esta afirmación habría que hacer un estudio comparativo más profundo, lo cual no es el caso.
La versión de Juan Geuerrero Zamora me traslada a 1931, año en que el dramaturgo norteamericano Eugene O’Neill escribía y estrenaba en el teatro Guild Theatre de Nueva York, “Mourning becomes Electra” (“A Electra le sienta bien el luto”). Un “obrón”, pues el texto original duraba entre 4 y 5 horas. La tan larga duración venía justificada porque partía de “La Orestiada” de Esquilo que abarca tres tragedias:“Agamenón”, “Las coéforas” y “Las Euménides”. Eugene O’Neill ofrecía una versión muy alejada de los peplos y las columnas griegas, a nivel formal. Traslada la tragedia a la Nueva Inglaterra de 1865, finalizada la Guerra de Secesión de Estados Unidos. Mantiene la trilogía bajo estos títulos: “El regreso al hogar, Los cazados” y “Los poseídos”, y a través de ellos se desgranan las vidas de unos personajes que habitan la mansión de la familia Mannon. Todo comienza con el regreso de la guerra del patriarca de la familia Ezra Mannon, que tendrá que lidiar con un mundo diferente. Todos los personajes tendrán que enfrentarse a un azaroso destino en medio de una sociedad puritana.
Cuando en 1947 el cine se fijó en esta obra de O’Neill, la redujo a 173 minutos, aunque se presentó también por cortes llegando a los 121 ó 105 minutos.
“A Electra le sienta bien el luto”, viene a cuento porque Eugene O’Neill al enfrentarse a la “La Orestiada” de Esquilo, cortó por lo sano y se planteó una historia que pudiera ser bien recibida por sus contemporáneos, evitando la grandilocuencia y distanciamiento de la tragedia griega, pero manteniendo su espíritu. De hecho, yo leí el texto cuando tenía unos 20 años y me pareció estupenda a todos los niveles, incluso escénicos, porque O’Neill es muy detallista en las acotaciones y descripciones de lugares como lo es Valle-Inclán. Yo no tenía ninguna referencia profunda del original clásico de Esquilo, y por lo tanto lo recibí como una historia trágica enfrentada al destino.
Lo de “cortar por lo sano” es lo que une el tratamiento de O’Neill con el tratamiento que se planteó, drásticamente, Guerrero Zamora. O’Neill situaba la acción en una gran mansión estadounidense émula de las mansiones de lo “Lo que el viento se llevó”. Este tipo de construcciones con la columnata en las fachadas, nos reenviaba discretamente a las arquitecturas griegas. Guerrero Zamora opta por un cortijo, nido de conflictos y de tenso calor dictatorial. Algo similar sucede con los diálogos. O’Neill elabora sus propios diálogos, y aquí sucede lo mismo. Sin perder el sentido trágico, llegan al espectador de modo más cercano, pero con un añadido, un aroma lorquiano, y es que, en el fondo de esta versión “jonda” se encuentra acurrucado Federico García Lorca y en concreto “La casa de Bernarda Alba” y “Bodas de Sangre”. Por eso este montaje posee, a nivel de lenguaje, el costumbrismo poético de la “Bernarda Alba” y el tratamiento de Oratorio de “Bodas”. Un tipo de lenguaje que remite a la tragedia griega, sin apoltronarse en ella. Ese costumbrismo lorquiano acerca la historia al espectador de modo que la narración y su conflicto se siguen muy bien a nivel argumental, a lo cual ayuda el buen “decir” de los actores tanto en su parte costumbrista como poética. Las dificultades que puedan tener son las misma que si interpretasen a Lorca.
A nivel textual “Electra Jonda”, no bebe solamente de Sófocles, sino previamente ha recorrido también a Esquilo y Eurípides y, como he dicho antes, a Lorca. De todos ellos ha surgido felizmente este cortijo en medio de una ancestral Andalucía que le aporta todos los elementos que exige la tragedia griega, para que Orestes lleve adelante la venganza por el asesinato de su padre, azuzado por Electra. En esta ocasión no son los dioses los que guían la mano del vengador, sino el “sino” entendido como “fatalidad” o como el “hado”, que cada persona lleva dentro y que popularmente ante una adversidad ha creado la expresión, “era su sino”. Este “sino” viene personificado en Casandra que se expresa a través del cante jondo y no solo analiza lo que puede pasar. En muchos momentos expresa los sentimientos de los personajes.
El “quejío” del cante es otro de los elementos trágicos que barnizan el montaje de tragedia. Es un lamento que en la cultura actual nos es familiar. Teresa Hernández y Gabriela Giménez, son las cantaoras que se alternan en las diversas funciones. Este cante funciona bien dramáticamente, así como su interpretación. Sólo hay un, pero. Los actores de texto van microfonados y por ende también el cante. Hay momentos en que el texto del cante, que es importante, se pierde por efecto de la microfonía, las ondas sonoras tropiezan unas a otras. Una solución posible sería acudir al sobretítulo del cante.
He mencionado la línea lorquiana del texto y de la puesta en escena. El comienzo es claramente un homenaje o guiño a “La Casa de Bernarda Alba”. Una masa enlutada de mujeres en procesión con el féretro del patriarca del cortijo (Agamenón), cuyo rostro viene cubierto por la conocida máscara funeraria griega de oro (la mal llamada máscara de Agamenón), presidida por Clitemnestra y Electra, sin olvidar al Aya. Plasmación escénica muy similar al inicio de “La casa de Bernarda Alba”.
Es un acierto este arranque, ya que centra la acción en el asesinato de Agamenón, eje central de toda la obra, y aprovecha escénicamente el féretro que se mantendrá todo el rato en escena, pues representa la presencia continua del asesinado, que clama la venganza.
A partir de ahí los sucesivos personajes se mantienen en esa línea interpretativa que transita por la tragedia griega y el mencionado “buen decir” al estilo lorquiano que mezcla poesía y costumbrismo, y sin estridencias. Carolina Lapausa construye eficazmente una Electra contenida en el duelo, y desafiante en la venganza que ha rumiado durante años, aportando veracidad. Paula Colorado interpreta a la hermana de Electra, Crisótemis, la cual se distancia de Electra en lo que respecta a la venganza obsesiva. Prefiere luchar por la paz en la familia e infundir amor. Paula consigue dar vida a esa nueva visión del personaje, apartándolo de la sumisión a la que nos tiene acostumbrados. Alejandra Torray es Clitemnestra, un personaje lleno de matices porque dosifica bien y de forma creíbles sus dos caras: la aparente madre comprensiva, y la mujer enamorada de Egisto (César Lucendo)que no ha dudado en deshacerse de su marido y marginar a Electra. Por su parte César Lucendo, compone bien al rudo capataz del cortijo tanto por su aspecto físico como su presentación montando a caballo. El recurso de ser marcado a fuego como una res más, por parte de Electra, es un efecto visual de gran impacto. Daniel Migueláñez compone un Orestes que, en principio, nos desconciertapues queda en un segundo plano y un tanto anodino ante la tragedia de sangre que ha albergado la mansión de Agamenón. Es un Orestes dubitativo ante los acontecimientos y ante la decisión obsesiva de su hermana Electra. Duda y vacilación que Daniel Migueláñez, plasma biena nivel dramático, pues tiene que lidiar entre caer en un joven un tanto inocentón y el inicio de una madurez apuntando hacia el valor. María Garralón en el papel de Aya, transita por un estilo que nos es familiar, la Poncia de “La casa de Bernarda Alba”, lo cual no quiere decir que se limite a una imitación, pues sabe apropiársela. Sucede como en el inicio de la obra. Es un guiño hacia Lorca, pero aporta la distensión en medio de la tragedia. Juan Gea interpreta a un ciego, que interviene alternativamente dando fe de los acontecimientos y conduciéndolos hacia el final. Actor bien probado, su presencia crea el misterio y la oscuridad que emana de su personaje. En toda esta historia de sangre, un niño emerge como algo positivo y punto poético. Lo interpreta Ainhoa Molina. Es un pequeño papel, pero la actriz consigue hacerlo creíble por su voz y compostura, lo cual no siempre es fácil cuando un adulto interpreta a un niño/a
COMPAÑÍA IBÉRICA DANZA
El hecho de trasladar la acción a un cortijo andaluz, ha permitido a Canseco sustituir el tradicional Coro griego por 12 bailarines que acuden a la narración como ambientación espacial – la coreografía de cabezas de toro -, como expresión de los sentimientos de los personajes o del ambiente en general, o como intérpretes corales de las diversas situaciones dramáticas. Para ello ha recurrido a la mítica Compañía Ibérica Danza (click) fundada por Manuel Segovia y Violeta Ruiz del Valle, que irrumpió en 1993 con un aire nuevo para la danza española, uniendo tradición y vanguardia. Manuel Segovia, como siempre, es el coreógrafo que, aquí, se ha centrado en el flamenco, manteniéndolo fiel a concepto coreográfico de Ibérica Danza. Manuel Segovia muy bien arropado por las composiciones musicales raciales andaluzas del guitarrista José Luis Montón, crea la atmósfera “jonda” que impregna todo el espectáculo y a todos los personajes. La gran virtud de este espectáculo es que la danza sabe situarse en el “tempo” y acción dramática que se requiere en ese momento. Danza y acción dramática se fusionan en un todo alterno.
A ELECTRA LE SIENTA BIEN EL LUTO
(Versiones de teatro y TVE en España)
– Estreno el 28 de octubre de 1965 en el Teatro María Guerrero de Madrid. Fue dirigida por José Luis Alonso Mañés, e interpretada por Nuria Espert, Julia Gutiérrez Caba, Montserrat Carulla, Ana María Ventura, Margarita García Ortega, María Luisa Hermosa, Andrés Mejuto y Alfredo Alcón.
– El 14 de julio de 2005 se representa en el Festival de Mérida, en el Teatro Romano,
con dirección de Mario Gas y versión conjunta con Roger Peña e interpretación de Constantino Romero, Emma Suárez, Maru Valdivieso, Eloy Azorín, Bea Segura y Emilio Gutiérrez Caba.
– En febrero de 2006, se retoma la versión de Mérida en el Teatro María Guerrero.
– En 1986, Televisión española la emitió en formato miniserie, protagonizada por José María Rodero, María del Puy, Manuel Galiana, Carlos Lucena, Iñaki Miramón, José Luis Pellicena y Vicky Peña.
Título: Electra Jonda
Autor: Juan Guerrero Zamora
Teatro
Creación Canal / Estreno en la Comunidad de Madrid
País: España
Idioma: español
Composición y dirección musical: José Luis Montón
Dirección coreográfica: Manuel Segovia
Escenografía y figurines: Anselmo Gervolés
Diseño de iluminación: Ion Aníbal López
Diseño de sonido: Manuel Solís
Ayudante de dirección: Cristina Palomo
Adjunta a la dirección: Aitana Galán
Coordinadoras de intimidad: Aitana Galán y Cristina Palomo
Coordinación técnica: The Patanes Lighting Studio (Raúl Baena y Eduardo Vizuete)
Jefatura de producción: Natalia Ortega Chíes
Dirección de producción: Olvido Orovio
Producción ejecutiva: Producciones Teatrales Contemporáneas
Talleres: Readest Montajes, Carpintería El Molino, Utileria & Atrezo
Caballo: LMA Horses S.L.
Producción de la Comunidad de Madrid para Teatros del Canal
Intérpretes:
Coro Ibérica de Danza: Raquel Ruiz, María Muñoz Gurria, Marta Mármol, Alejandra Rodríguez, Begoña Pérez-Marsá, Adriana Dávila, Ariadna Craviotto, Yolanda García, Jaime Puente, Alejandro Mármol, Mario Mingueza, José Luis Gil
Actores (por orden de intervención): Alejandra Torray (Clitemnestra), Carolina Lapausa (Electra), Paula Colorado (Crisótemis), Teresa Hernández/Gabriela Giménez (Casandra, cantaoras), Juan Gea (Ciego), María Garralón / Natalia Jara (Aya), Daniel Migueláñez (Orestes), César Lucendo (Egisto), Jaime Puente (Un vaquero), Ainhoa Molina (Niño)
Guitarrista: José Luis Montón
Dirección: Manuel Canseco
Aviso: efectos de humo
Duración: 1 h 45 min (sin intermedio)
Estreno en Madrid: Teatros del Canal (Sala Roja – Sala Concha Velasco), 5 – IX – 2026
Más información
Electra Jonda. Sofocles- Guerrero Zamora. TCN
JOSÉ RAMÓN DÍAZ SANDE
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TEATROS DEL CANAL
Sala Roja, Concha Velasco
C/ Cea Bermúdez, 1 – Chamberí
28003 – Madrid
TF. 91 308 99 99 /99 50
Metro: L. 2 y 7 (Canal), L. 1 (Río Rosas)
BUS: 3, 12. 37, 149
Parking: Quevedo – Bravo Murillo (C/ Bravo Murillo, 30), Ponzano – Ríos Rosas (C/ Espronceda, 12).