Manon Lescaut, Puccini. Luisotti. Wagner. Cantantes. TR

Libreto: DOMENICO OLIVA y LUIGI ILLICA
Dirección del coro: JOSÉ LUIS BASSO
Dirección musical: NICOLA LUISOTTI
Dirección de escena: CARLOS WAGNER
Intérpretes
Cantantes: SONDRA RADVANOVSKY / SAIOA HERNÁNDEZ / LUCAS MEACHEM / SZYMON MECHLIŃSKI / MICHAEL FABIANO / JORGE DE LEÓN / PIETRO SPAGNOLI / ALEJANDRO DEL CERRO / ALBERT CASALS / JAVIER CASTAÑEDA / MIKELDI ATXALANDABASO / MERCEDES GANCEDO / JAVIER FRANCO
En el TEATRO REAL (SALA PRINCIPAL
de MADRID

INTÉRPRETES

Actores/bailarines: María Briones, Yanelis Brooks, Marta García, Verónica Moreno, Urielle Perona, Carola Tauler, Chiara Mordeglia, Fredo Belda, Santiago Cano, José Carpe, Fabricio Oieni (pole dancer), Francisco Hilario (pole dancer)

Cantantes: Este montaje cuenta con un doble reparto en los papeles principales: Sondra Radvanovsky y Saioa Hernández (Manon Lescaut), Michael Fabiano y Jorge de León (Renato Des Grieux), Lucas Meachem y Szymon Mechlinski (Lescaut), Alejandro del Cerro y Albert Casals (Edmondo), secundados por Pietro Spagnoli (Geronte di Ravoir), Javier Castañeda (El posadero / Un capitán de la marina), Mikeldi Atxalandabaso (El maestro de baile / El farolero), Mercedes Gancedo (Una cantante), Javier Franco (Un sargento de los arqueros).

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LAS MANON LESCAUT
Sondra Radvanovsky y Saioa Hernández

SONDRA RADVANOVSKY, soprano
NUESTRO TRABAJO ES TRANSMITIR ESA EMOCIÓN
Y NO QUE EL PÚBLICO DIGA LO BIEN QUE LO SIENTES.

Sondra Radvanovsky (Berwyn, Illinois 1969) es una soprano norteamericana cuyo debut fue en la Metropolitan Opera House de Nueva York en 1996, donde ha cantado los grandes títulos del repertorio. Artista internacional ha cantado en Nueva York, la Deutsche Oper de Berlín, el Teatro di San Carlo de Nápoles, en la Royal Ballet and Opera de Londres, en la Canadian Opera Company, París. Recientemente ha debutado el rol de Minnie de “La fanciulla del West” en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. En el Teatro Real ha participado en “Tosca” (2011) (click), “Un ballo in maschera” (click) (2020), “Tosca” (click) (2021), el programa especial “Las tres reinas” (2024) y “Attila” (2025).
Para Sondra Radvanovsky, Manon sigue el perfil de otras heroínas de Puccini.

Estamos hablando de verismo, de realidad resaltada. Yo siempre elijo los personajes por quiénes son y por lo que me atraen, pero cada uno de nosotros tiene que poner parte de su realidad personal en la interpretación de su personaje. Es decir, tiene que haber algo para poder identificarse con el personaje. Tiene que poner su verdad, y cada intérprete pondrá su verdad concreta que no tiene por qué coincidir con la de los otros. En el caso de Manon siempre le han dicho lo que tenía que hacer y, por desgracia, siempre fueron hombres los que le dictaron el camino. Yo puedo encontrar, por desgracia, en mi vida personal esta misma situación, y puedo extraer mi experiencia personal y mi verdad y volcarla en el personaje. Cada intérprete lo adapta a su manera. Volcar las emociones personales puede ser contraproducente a la hora de cantar. A este respecto, recuerdo dos consejos muy buenos sobre la actuación y los sentimientos y emociones que me dio William Friedkin, el director de “El exorcista” con el que yo trabajé en alguna ocasión. Yo estaba ensayando la ópera “Suor Angélica” y en los ensayos me acongojaba mucho y me dijo “Para eso están los ensayos, para sacar las emociones, y así cuando llegue el momento de actuar sabes hasta cuanto puedes llegar con tus emociones”. El segundo consejo, que es el más importante, es que el trabajo de un cantante no es sentir sino hacer que el público sienta. Son dos cosas totalmente distintas que debemos mantener separadas. Nuestro trabajo es transmitir esa emoción y no tanto que el público diga lo bien que lo sientes.

Referente al personaje de Manón lo considera extremadamente rico y muy interesante.

Es una joven inocente como muchas otras heroínas de Puccini, pero nadie la he dicho nunca lo que está bien y lo que está mal. Está acostumbrada a hacer lo que desea, y cuando necesita dinero o se enamora del hombre equivocado nadie le advierte de lo que está mal y esto lo paga al final de su vida. Es su propio error, pero porque, en el fondo, siempre se ha salido con la suya y no aprendió lo que estaba bien o mal.      

SAIOA HERNÁNDEZ, soprano
MANON UNA ADOLESCENTE
QUE SIGUE SUS INSTINTOS

Saioa Hernández (Madrid, 1979),galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2021, ha sido reconocida con el Óscar Lírico a la mejor soprano del año 2021 y a la mejor voz femenina del año 2016, el primer premio Talía de las Artes Escénicas 2023 y el premio del Teatro Real 2023. Ha cantado los roles principales del repertorio en el Teatro alla Scala de Milán, la Opéra National de París, la Bayerische Staatsoper de Múnich, la Staatsoper de Berlín, la Royal Ballet and Opera de Londres, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona o la Sydney Opera House. En el Teatro Real ha participado en “Un ballo in maschera” (click) (2020), “Nabucco” (click) (2022), “Turandot” (click), “Médée” (click) (2023), “Madama Butterfly” e “Il trovatore” (click) (2026).
Es la primera vez que interpreta el papel de Manon, el cual le interesa especialmente no solo por las características vocales y musicales, sino por el personaje en sí mismo.

Está dibujado por Puccini con tal naturalidad que hace que te enamores de ella. Es un personaje que no tengo que juzgar, porque ella está siendo lo que es. Es una adolescente que sigue sus instintos. Seguramente nadie le ha dicho lo que está bien o está mal, como ha dicho Sondra. La estamos viendo desde la perspectiva de hoy, pero no hay que olvidar que su vida transcurre en otra época, y actuar como ella lo hacía siguiendo sus instintos era algo que no se podía permitir. Desde la perspectiva de hoy nos vemos obligados a no juzgar a esta chica, que lo único que hace es ser como es, y se encuentra en la disyuntiva de elegir entre la riqueza y el amor, en un momento en que ella no sabe ni lo que es una cosa ni lo que es la otra. Yo estoy convencida, al menos como yo la vivo, de que no se da cuenta de que ella está enamorada y con un tipo de amor puro y grande. Lo descubre al final a través de Des Grieux, que es el que se lo demuestra, le enseña lo que es realmente el amor: darlo todo por alguien hasta tu propia vida y sacrificarlo todo por alguien. Le quiere, pero no sabe que le ama. Le quiere, pero siempre que no haya algo como la riqueza o el lujo que se interponga entre ellos. No sabe vivirlo de otra forma. Esa culpa que siente al final, cuando se da cuenta de todo lo que le ha hecho a Des Grieux, le lleva a decir: ”Todo lo que he hecho caerá en el olvido, pero mi amor estaba ahí, en el fondo”. Esto es lo que me gusta de este personaje, que lo siente y, de algún modo, esto la redime.

TIENES QUE LOGRAR QUE EL PERSONAJE HABITE EN TI.
SI NO HAY ALGO DE ESTO, NO HAY ALGO DE VERDAD

A la hora de construir el personaje Saioa destaca que

no solo tienes que habitarlo, sino que tienes que dejar que habiten en ti, lo cual lleva a jugar con tus sentimientos y controlar la emoción. De todos modos, hay roles y roles. Acabamos de cerrar la temporada con “Il Trovatore” (click)de Verdi, y ahí es más fácil, quizás, tener controladas las emociones. De todos modos, para proteger el instrumento, el canto, lo hacemos. Eso no impide que tienes que lograr que el personaje habite en ti. Si no hay algo de esto, no hay algo de verdad, y si no hay algo que sobrepase tanto el muro de la orquesta, como el muro de la piel del público, algo no está sucediendo. De algún modo hay que dejar que estas emociones te sobrepasen, pero sin que te prohíban cantar. Para que el público se emocione, tú tienes que emocionarte, y dejarte emocionar. Lo que intento, sobre todo cuando debuto un rol, es llegar muy en blanco e intentar meterme en la versión que queremos construir juntos. En este caso con Carlos Wagner, con Nicola Luisotti y con mis compañeros. Todos tenemos una personalidad muy diferente y vivencias distintas, y si dejamos que todo lo que nos proponen y lo que tenemos como “bagage” de nuestra vida habite en este personaje, y él habite en nosotros vamos a generar una visión completamente distinta a la del otro reparto, pero, también, la que hagamos en cada función. Es importante que las funciones estén vivas, sigan creciendo y que los personajes vayan tomando distintos caracteres. Se añaden cosas, se quitan otras según la energía y lo que sentimos conjuntamente cada día, y lo que se siente a nivel personal.

LOS RENATO DES GRIEUX
Michael Fabiano y Jorge de León

MICHAEL FABIANO, tenor
YO LA SENTIRÉ COMO ITALIANO,
CON UNA PASIÓN DESESPERADA

Michael Fabiano (Montclair (Nueva Jersey), EEUU 1984), tenor estadounidense de ascendencia italiana, estudió en la Universidad de Míchigan y en la Academia de Artes Vocales de Filadelfia. Fue galardonado con el Beverly Sills Artist Award y el Richard Tucker Award en 2014, convirtiéndose en el primer cantante en recibir ambos reconocimientos en el mismo año. Actúa con regularidad en la Metropolitan Opera House de Nueva York, la San Francisco Opera, la Staatsoper de Berlín, el Teatro alla Scala de Milán, la Staatsoper de Viena, el Royal Ballet and Opera de Londres y la Opéra de París. Recientemente ha debutado en el rol titular de Otello y Enzo de La Gioconda. En el Teatro Real ha participado en “Cyrano de Bergerac” (2012), “I due Foscari” , “Giovanna d’Arco” (click) (2019), “La traviata” (click), “Un ballo in maschera” (click) (2020), “Tosca” (click), “La bohème” (click) (2021), “Nabucco” (click) (2022), “Turandot” (click) (2023), “Madama Butterfly”  (2024), “Attila” y “Carmen” (click) (2025)
Un de los peros que le plantearon a Puccini para no componer una Manon, es porque ya existía, con gran éxito, la de Jules Massenet de 1884. En su empecinamiento Puccini, según los mentideros, objetó:

“¿Por qué no puede haber dos óperas sobre Manon? Una mujer como Manon puede tener más de una amante. Además, Massenet la siente como francés, empolvada y con minués. Yo la sentiré como italiano, con una pasión desesperada”

Si alguien conoce la “Manon” de Massenet es Michael Fabiano, que la ha cantado infinidad de veces. Ahora incorpora a ese repertorio la “Manon” de Puccini.

Entre la “Manon” de Massenet y la de Puccini hay un mar que las separa. La de Massenet es más transparente. Es una obra de cinco actos y el carácter de Des Grieux evoluciona a lo largo de ese desarrollo. Es superíntimo en los primeros actos y canta el aria “En fermente les yeux” o “El sueño de Des Grieux” (Acto II). En Puccini no se nota esta intimidad. En Massenet, De Grieux es una persona que se ha hecho a sí mismo. En Puccini no. En los dos Des Grieux cuenta la historia de Manon a través de su visión personal. Para mí, cantar esta “Manon” de Puccini con 42 años, me siento preparado después de 20 años de carrera como cantante. Puedo comprometerme con esta partitura de Puccini, porque Massenet me ha preparado bien en cuanto a la música. Massenet es larga. Tiene mucha más música que Puccini. No tenemos el “Saint-Sulpice” de Massenet del tercer acto, punto culminante, que es cuando, Des Grieux, abandonado por Manon, ingresa al seminario de Saint-Sulpice para olvidar y ya se ha convertido en un joven abate muy admirado por sus sermones. Quiere estar más cerca de Dios. Lo que sí vemos en Puccini que Des Grieux siempre tiene un fuego dentro de sí. Este aspecto me toca más, a nivel personal. Dentro de mí siempre tengo un fuego y Sondra lo sabe bien (risas).  Es la primera vez que trabajo con Nicola y soy un afortunado el poder trabajar porque es uno de los mejores directores de Verdi, y Puccini. La música está en continua evolución, pero en Massenet no. Es más transparente, más etéreo. Puccini es más impulsivo. 

LA DE MASSENET, UNA OPERA MUY BONITA
LA DE PUCCINI, UNA COSA QUE NOS HA DESTROZADO

En este punto Nicola Luissotti recuerda una decisión que tomó en una ocasión por requerimiento de un director: “dirigir la Manon de Massenet”. Partitura en mano la estuvo estudiando durante un año porque necesita tiempo

La estudio, la dejo, la estudio, la dejo… Al final de un año, respondí “No, no es para mí”. “¿Qué hacemos?” “Pues la “Manon” de Puccini”. Para mí, la “Manon” de Massenet, como ha dicho Fabiano, es etérea. La “Manon” de Puccini tiene los pies sobre la tierra. En la “Manon” de Massenet se entiende mejor el texto del novelista Prevost, pero no se entiende la pasión que Des Grieux tiene por Manon. En Puccini se entiende claramente. En el Des Grieux de Puccini está toda la pasión del ser humano, todos los errores que se pueden hacer. Es importante cometer errores. Sin errores no existe el ser humano. En la “Manon” de Massenet hemos visto una ópera muy bonita. De Puccini hemos visto una cosa que nos ha destrozado. Esto es lo que me encanta.      

Michael Fabiano apunta lo que puede ser un error por parte de él.

Yo soy una persona que está al servicio de la música, no al público. Ante todo, sirvo a la música, y si al público le gusta, bien, pero si al público no le gusta bien, también. El público puede escoger. Yo soy un simple pastor, y este es el camino que sigo.

JORGE DE LEÓN, tenor
UNA OBRA DE ACUERDO Y DESACUERDO

Jorge de León (San Cristóbal de La Laguna, Tenerife, Canarias, 1970) cursó estudios de música y canto con Isabel G. Soto, Giuseppe Valdengo y, a partir de 2004, con Alfonso García Leoz. Tras ganar el IV Concurso Villa Abarán y obtener en 2004 el primer premio Julián Gayarre y el segundo premio Jaime Aragall, inició una trayectoria en escenarios internacionales. A lo largo de su carrera ha cantado en el Teatro alla Scala de Milán, Teatro Regio de Turín, Staatsoper de Viena, Staatsoper de Hamburgo, Semperoper de Dresde y la Metropolitan Opera House de Nueva York, Nuevo Teatro Nacional de Tokio y en el Teatro de la Ópera de Shanghái. En el Teatro Real ha participado en “Andrea Chénier” (2010), “Tosca” (2011), “Madama Butterfly” (2017), “Aida” (click) (2022), “Turandot” (2023) y “Otello” (click) (2025).
Jorge de León define esta ópera como una obra de acuerdo y desacuerdo, por Lo que genera debate, si cada uno intenta defender a su personaje

La obra está contada desde la voz de Des Grieux. Habla sobre Manon, un caso similar al de “La traviata”, basada en “La dama de las camelias”, que Armando Duval le cuenta a Alejandro Dumas sobre Marguerite Gautier, que en la ópera se traduce en Alfredo y Violeta Valery. Cuando comienzas a desarrollar el personaje de Des Grieux, ves a dos jóvenes que se apasionan, por lo cual es una obra de relaciones humanas del siglo XVIII, que podemos trasladar a hoy. Un chico que siente tanta fascinación que le lleva a vivir y luchar por las causas perdidas. Lees la novela y dices “Deja esa relación tóxica, que te está llevando a la perdición”, y él se empeña en continuar en las situaciones caóticas que Manon le propone. Es la vida real que nos lleva a vivir momentos de equivocaciones, de aprender a raíz de situaciones tóxicas. Por eso es una obra tan actual. Vamos a disfrutar de situaciones humanas que nos hace reflexionar. A través del debate que se genera al estudiar los diversos aspectos, se construye el personaje, guiado por lo que propone el autor, la música y teniendo en cuenta que sea convincente. Después se matiza con los condicionamientos escénicos y musicales reales. Esta es mi quinta producción que hago de “Manon Lescaut”. Es una ópera que me apasiona y siempre la cojo como nueva. Es una bocanada de aire por las sensaciones que hay que ir separando de sensaciones personales para poder seguir cantando. Des Grieux es un chico joven que se fascina por una chica y va hasta el final atormentado. Desde la superficialidad del amor, declarando “Yo no creo en el amor” hasta que va morir por el amor.

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Título: Manon Lescaut (Dramma lirico en cuatro actos)
Música: Giacomo Puccini (1858-1924)
Libreto: Domenico Oliva y Luigi Illica, basado en la obra L’histoire du chevalier Des Grieux et de Manon Lescaut (1731) de Antoine- François Prévost
Intérpretes:
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
Actores/bailarines: María Briones, Yanelis Brooks, Marta García, Verónica Moreno, Urielle Perona, Carola Tauler, Chiara Mordeglia, Fredo Belda, Santiago Cano, José Carpe, Fabricio Oieni (pole dancer), Francisco Hilario (pole dancer)
Cantantes:
Manon Lescaut: Sondra Radvanovsky (23, 26, 29 sep; 2, 5, 8, 11 oct) / Saioa Hernández (24, 27, 30 sep; 3, 6, 9 oct)
Lescaut: Lucas Meachem (23, 26, 29 sep; 2, 5, 8, 11 oct) / Szymon Mechliński (24, 27, 30 sep; 3, 6, 9 oct)
Renato Des Grieux: Michael Fabiano (23, 26, 29 sep; 2, 5, 8, 11 oct) / Jorge de León (24, 27, 30 sep; 3, 6, 9 oct)
Geronte di Ravoir: Pietro Spagnoli
Edmondo: Alejandro del Cerro (23, 26, 29 sep; 2, 5, 8, 11 oct) / Albert Casals (24, 27, 30 sep; 3, 6, 9 oct)
El posadero / Un capitán de la marina: Javier Castañeda
El maestro de baile / El farolero: Mikeldi Atxalandabaso
Una cantante: Mercedes Gancedo
Un sargento de los arqueros: Javier Franco
Dirección del coro: José Luis Basso
Dirección musical: Nicola Luisotti
Dirección de escena: Carlos Wagner
Duración aproximada: 2 horas y 30 minutos – Actos I y II: 1 hora y 20 minutos/ Pausa de 25 minutos / Actos III y IV: 45 minutos
Estreno en Madrid: Teatro Real (Sala Principal), 23 – IX – 2026

Teatro Real (Sala Grande)
Pz. Isabel II s/n Centro
28013 – Madrid
Tf. 900 244 848
Metro: L 2,5, Ramal Ópera-Príncipe Pío (Ópera), L. 1,2,3 (Sol)
Bus: L 3, 25, 39 y 148 (inmediaciones del teatro).
Parking: Pz. de Oriente (C/Bailén 6) / Ópera, Palacio de los Duques (Cuesta Santo domingo, 5) / Garage Fermar (C/de la Escalinata, 1) / Pz. de las Descalzas (Travesía de Trujillo, 5)/ COPARK Santo (Pz de Santo Domingo).